THE REVEREND HORTON HEAT - THE FULL-CUSTOM GOSPEL SOUNDS OF (1993)

Du boogie woogie avant vos prières du soir ...

A une époque où l’on nous a gavé grave avec les prédictions apocalyptiques de zozos cannibales qui avaient même pas été foutus de prévoir la fin de leur monde à eux, il serait maintenant temps de s’intéresser à quelques cultes païens autrement plus cools. Et pourquoi ne pas réhabiliter la Sainte Eglise rockabilly du Reverend Horton Heat ? Après tout, on en connaît qui s’extasient devant l’Elvis de pacotille Jon Spencer (le type qui se prend pour le King et donc pour forcément quelqu’un qui compte dans le rock, et qui interdit aux gens de fumer dans ses concerts, rock’n’roll attitude quand tu nous tiens pas …) ou les braillards de la Jim Jones Revue, … ou qui vous voudrez qui se réclame de la musique vintage des 50’s, ce genre qui revient épisodiquement à la mode, et dans lequel les Sray Cats avaient au début des années 80 touché le jackpot. C’était pas les premiers, Sha Na Na dans les sixties (les ancêtres de Au Bonheur Des Dames), Crazy Cavan et Robert Gordon dans les seventies, les Cats donc, et puis après … que dalle (qui a dit les Forbans, tu dégages, et vite …), jusqu’au bon Reverend.

Qui n’est pas plus curé que moi, et qui ne s’appelle pas Horton Heat. Mais on s’en cogne, il joue à merveille le rôle du prêcheur électrocuté, traumatisé à jamais par les Cramps. D’où parfois quelques libertés avec les stricts codes du rock’n’roll originel, ni vraiment un puriste, pas franchement un revivaliste. Souvent étiqueté psychobilly (psycho quoi ? on s’en fout aussi, l’essentiel c’est que ça dépote …).

Et pour dépoter ça dépote. La seule limite à la vitesse que ce trio semble connaître, c’est la rapidité des bras du batteur, au taquet tout le temps. D’ailleurs le Reverend est signé chez Sub Pop, label méticuleux qui n’avait pas l’habitude d’engager des poseurs. Fallait des types concernés, et les curetons y vont à fond. Tiens, s’ils ont une drôle de bobine sur la photo de la pochette, c’est qu’elle est pas retouchée par Photoshop, ils se sont immergés dans une rivière glacée pour cette mise en scène de cérémonie baptismale. Des furieux, je vous dis …

Suffit d’écouter le dragster rockab « Livin’ on the edge (of Houston) », la tuerie garage punk « 400 bucks » ou la country épileptique de « Bales of cocaïne » pour s’apercevoir que l’on n’a pas affaire à des enfants de chœur, mais à des types qui jouent comme si le sort du monde dépendait de la conviction qu’ils mettent dans leurs morceaux. Des fois, on a même l’impression qu’ils se mélangent les accords, « The devil’s chasing me » tourne à la jam furieuse, et ce titre peut passer pour le « I’m going home » des années grunge (ceux qui étaient à Woodstock lors du passage de Ten Years After comprendront, même si ici il y a moins de technique et plus de burnes …). Il y a même du strict rock’n’roll (« You can’t get away from me »), du foutage de gueule de l’auditeur qui pense qu’il va avoir un répit quand se pointe « Lonesome train whistle » avec son titre qui empeste la ballade country, mais tu parles Charles, la ballade elle se fait au sprint.

En fait il faut attendre les trois derniers titres pour reprendre sa respiration. « Loaded gin » est un boogie-blues au ralenti qui revisite intelligemment le genre, « Nurture my pig » (une reprise des Locos Gringos, fallait aller la chercher celle-là, et ne me demandez pas qui sont les Locos Gringos) qui a des espèces d’atours jazzy, mais du jazz revisité par un chœur de hooligans, et l’ultime « Gin & tonic blues » qui laisse quand même perplexe (electro-blues spatialisé ? on dirait du Zappa c’est dire si c’est zarbi) et est pour moi la seule bêtise du disque.

Les Reverend Horton Heat évoluent dans un trio strictement basique (guitare, contrebasse, batterie), se passent de tout musicien additionnel en studio, et au fil des ans le personnel a varié autour de l’inamovible Jim Heath.

Le genre de disque quand même, mes biens chers frères, mes bien chères sœurs, autrement plus sympa en ce jour que la fuckin’ messe de minuit avec les mioches et la belle-famille …

WANDA JACKSON - QUEEN OF ROCKABILLY (2000)

Little Wanda ...

Appeler une compilation « Queen of rockabilly », ça peut paraître gonflé … d’un autre côté, la concurrence est pas énorme … Mamie Van Doren ? Mis à part sa forte capacité pulmonaire, elle avait pas trop marqué les esprits. Janis Martin, « The Female Elvis » ? Ouais, bof … Brenda « Miss Dynamite » Lee, ses jupes plissées et ses gros mollets ? Euh, soyons sérieux, là … Donc, titre mérité pour Wanda Jackson. Et pas par défaut …

Wanda Jackson et le jumeau de Jesse Garon

Car ce petit bout de femme impressionna tout le monde à ses débuts dans le rock’n’roll en 1956, y compris le King lui-même qui la prit souvent en première partie. La rumeur (et pas seulement légendaire) prétend même que Wanda Jackson aurait partagé la couche royale, c’est dire si elle était au cœur de la tourmente rock’n’roll qui mettait l’Amérique à ses pieds.

Le rock (accessoirement ’n’roll), n’étant pas un milieu à l’ouverture d’esprit renommée, Wanda Jackson est beaucoup moins célèbre et célébrée que la plupart de ses contemporains masculins. Et pourtant, believe me, Wanda Jackson, ça déménage. Il se dégage de cette miniature (sur la – sublime, ce regard, cette attitude – photo de pochette de cette compilation, la guitare est « normale », c’est vraiment elle qui est petite) une voix d’une animalité, d’une sauvagerie peu commune, mais qui sait rester au plus près de la mélodie, de la chanson. L’égale, ni plus ni moins, d’un Little Richard (qui est, je le rappelle pour ceux qui ont des déficiences auditives, le plus grand chanteur de rock’n’roll de tous les temps). D’ailleurs il n’est qu’à écouter les reprises qu’elle fait de titres figurant au répertoire de Petit Richard (« Rip it up », « Whole lotta shakin’ goin’ on », « Slippin’ & slidin’ », et une phénoménale version de « Long tall Sally ») pour voir qu’on a là affaire à un gosier d’exception.

Wanda Jackson n’a qu’un point faible. Elle écrit peu, et se « contente » de reprises ou de morceaux écrits sur mesure pour elle. Dommage, serait-on tenté de lire, car un des rares titres dont elle est l’auteur (« Mean mean man ») est une tuerie totale, qui par bien des sonorités annonce les Cramps, et le plus sauvage d’un tracklisting dans lequel la ballade n’est pas de mise.

Les deux titres les plus connus de la dame sont bien là (« Fujiyama Mama » et « Let’s have a party ») dans cette compilation irréprochable, et le second qui reviendra comme un leitmotiv dans sa carrière décliné-décalqué-dupliqué (« There’s a party goin’ on », « Man, we had a party », …). Wanda Jackson avait, comme bien d’autres de son époque (Perkins, Lewis), débuté dans la country, et le premier morceau qui l’a fait connaître dans le monde du rock’n’roll est un curieux et unique mix de country et de rockabilly (« I gotta know »). Pour le reste, dans les trente titres de ce disque, on trouve des classiques 50’s (« Searchin’ », « Kansas City », « My baby left me », « Brown eyed handsome man », « Honey don’t »), certains dans des versions incroyablement furieuses et violentes (« Riot in cell block #9 », « Tongue tied »).

Wanda Jackson ne réussira pas à se hisser au niveau des plus grands (en terme de notoriété) dans le monde macho du rock’n’roll et retournera dès le début des années 60 à une carrière strictement country, avant, comme également beaucoup d’autres, de se vautrer dans la religion (elle est christian reborn il me semble) et de se consacrer au gospel à partir des années 70. A peu près disparue de la circulation depuis longtemps, elle a effectué un come-back assez étonnant (et également assez surestimé, mais la dame a bien plus de soixante dix ans, faut pas trop en attendre non plus), avec Jack White (qui d’autre ?) comme Pygmalion, et l’album s’appelle évidemment … « The party ain’t over », comme quoi c’est bien la période rockabilly de Wanda Jackson qui est à retenir …

JOHNNY HALLYDAY - JOHNNY, REVIENS ! LES ROCKS LES PLUS TERRIBLES (1964)

Ah que oui !

Il serait trop facile de dézinguer la vieille idole. Sauf que plein de gens talentueux avec des arguments solides comme ça l’ont déjà fait, depuis plus de cinquante ans. Tout le monde les a oubliés et Jean-Philippe Smet est toujours là, Statue du Commandeur inébranlable du rock français. Du rock français ? J’en vois qui rient aux éclats, que le rock français ça existe même pas, et que l’autre là, le Johnny, déjà il est pas Français il est Belge ou Suisse, allez savoir, et il est encore plus con en vrai que sa marionnette des Guignols … Ben z’avez tort … enfin pas sur tout, mais z’avez tort quand même.

D'où viens-tu Johnny ?

Je m’explique. La concurrence, Johnny les a tous enterrés. Au propre, souvent, et encore plus au figuré, suffisait pour ça qu’il monte sur les planches, aujourd’hui comme il y a cinquante ans, que ce soit devant cent personnes ou cent mille, et là, tous, même Didier Wampas, ils sont tout petits. Tous ceux qui dans la musique ou la chansonnette ou les deux en France ont eu leur quart d’heure ou leur décennie de gloriole sont venus en rampant lui apporter une chanson (généralement très mauvaise, mais c’est pas, ou c’est plus le problème) qu’il leur avait demandée. Et ceux qui n’ont pas encore eu ce privilège seraient prêts à bouffer les varices de leur grand-mère et feraient sous eux de joie si une voix au téléphone leur disait : « C’est le management de Johnny, il aimerait bien bosser sur un truc avec vous … ».

Parce que Hallyday est une légende. Surévaluée comme toutes les légendes. Au moins les trois-quarts de ses disques sont des daubes infectes. Mais il y a très longtemps, au siècle dernier, dans les années 60, et malgré quelques bêtises sonores retentissantes, il a sorti des disques qui ont forcé le respect de tous et généré des hordes d’admirateurs béats. Des disques en public, certes le plus souvent (les séries à l’Olympia, au Palais des Sports), mais aussi quelques sacrées rondelles en studio avec Mick Jones et Tommy Brown. Jones et Brown … deux Anglais. Parce que très vite Johnny (ou ceux qui géraient sa carrière) a voulu avoir les meilleurs musiciens pour l’accompagner. Et il valait mieux laisser de côté la plupart des Français, soit baltringues incompétents, soit requins de studio ultra-techniques ne rêvant que de jazz-fusion. Totalement incompatibles avec le rock’n’roll que voulait faire Hallyday.

Les zicos qui l’accompagnent sur ce disque, baptisés Joey & the Showmen constituent un assemblage cosmopolite (frenchies, ricains, british), mais envoient le bois grave, et c’est ce qui importe. Le concept du disque est simple, voire simplet : adapter en français des standards du rock’n’roll américain. Comme d’hab et comme toujours, Johnny ne fait que suivre ce qui a déjà été fait. Notamment l’année précédente par son rival mais néanmoins ami Eddy Mitchell (« Eddy in London »). Bon, on peut comparer les deux, trouver Schmoll plus subtil, plus cultivé, plus drôle, plus tout ce qu’on veut, mais dès qu’il s’agit de chanter le rock’n’roll, y’a plus photo, victoire par KO de Jojo …

Joey (Greco) & the Showmen

Ce « Johnny, reviens ! » compte quatorze titres, quatorze standards des pionniers du rock, aujourd’hui connus et célébrés de tous mais à l’époque (1964), seuls quelques rares maniaques en France causaient Elvis, Chuck Berry, Little Richard, ou Gene Vincent. Les adaptations (la plupart dues à Manou Roblin), mêmes si elles ne visent pas le Nobel de littérature, ne sont pas plus neuneues que les versions originales. Musicalement, c’est exécuté pied au plancher en 2’30, produit en stricte mono (il existe évidemment et malheureusement des rééditions stéréo à fuir) pour que tu  prennes ça droit dans ta face, et ça s’embarrasse évidemment pas de solos de xylophone ou de violoncelle. Guitares, basse, batterie, un peu de piano, quelques cuivres au fond du mix, et roulez petits bolides … Hallyday, quiconque doté d’une paire d’oreilles en état de marche s’en est aperçu, est un grand chanteur, et là, dans un registre hyper-basique, il est impressionnant.

Joey Greco, Claude Djaoui, et un joueur de air guitar ...

Il suffit d’écouter ses versions de « O Carol ! » ou « Suzie Q » qui valent bien celles des Stones sorties à peu près simultanément, et Jagger qui n’est ni sourd ni sot, a souvent clamé haut et fort son respect pour Hallyday le chanteur. Les versions de Johnny n’ont rien à envier aux interprétations de Chuck Berry (plus doué à la guitare et à la composition qu’au chant), ni même à celles de Presley, qui lui est quand même un sacré client derrière le micro, c’est le moins que l’on puisse dire. D’autant plus qu’en jouant quelquefois malignement sur le tempo, Hallyday parvient à ne pas faire des copies conformes, il apporte sa propre patte à des titres entendus des milliards de fois. La seule réserve concerne les quatre morceaux correspondant aux titres popularisés par Little Richard. On ne touche pas impunément au répertoire de Petit Richard sans prendre le risque de se couvrir de ridicule. Ici, seule « Belle », adaptation de « Ready Teddy » soutient le choc de la comparaison, les trois autres (« Lucille », « Long tall Sally » et « Good Golly Miss Molly ») sont nettement inférieures aux versions originales. C’est pas honteux pour autant, McCartney et John Fogerty sont les deux seuls au monde à pouvoir reprendre le curé gay, tous les autres faisant rire ou pitié dans cet exercice (j'entends les cris d'orfraie de mon fan club féminin, oui, les filles, d'accord, y'avait aussi Wanda Jackson qui s'en sortait plus que bien) …

Le résultat, il est simple. « Johnny, reviens ! » est un Himalaya du rock français (allez, je me mouille, je vois guère que « Tostaky » de Noir Dèz ou « No comprendo » des Rita de ce calibre-là). Et dans le même genre de disques axé sur des reprises de standards de old rock, ce skeud de Jojo voisine sans problème des choses comme le « Back in the USA » du MC5 ou le « Teenage head » des Flamin’ Groovies … Du lourd, du très lourd, je vous dis …

GENE VINCENT - BLUEJEAN BOP ! (1956)

Be-Bop-A-Lula ...

Le premier disque en 1956 de Gene Vincent… La plus belle voix blanche du rock’n’roll des pionniers. Capable de l’hystérie rockabilly (« Jump back, honey, jump back »), de la douceur d’un swing jazzy (« Ain’t she sweat »), d’une emphase jamais ridicule (« Lazy rain »), et surtout une voix qui trouve sa plénitude dans les tempos médium, ralentis, alanguis …

Gene Vincent & The Blue Caps

Mais Gene Vincent est aussi une des plus belles têtes de lard de l’histoire du rock, éthylique au dernier degré, capable de sautes d’humeur exaspérantes pour son entourage, ce qui lui vaudra de saborder à grande vitesse une carrière qui s’annonçait prodigieuse… Une des figures les plus mythiques du rock, qui a « inventé » la tenue vestimentaire tout de cuir noir (vite imité par Vince Taylor et … Dick Rivers), et un jeu de scène violent et apocalyptique, basé sur des déhanchements dus aux séquelles d’un accident de moto qui lui avait broyé une jambe.

Il ne compte qu’un seul impérissable « classique » à son répertoire, « Be bop a lula » tout de même, à l’origine seulement  face B de son 1^er 45T « Woman love ». Et pourtant, il a eu toutes les cartes en main (aux débuts du moins) pour faire des disques d’anthologie. Son plus gros atout musical se tenait à côté de lui sur scène, souvent flanqué d’une Gretsch noire, et s’appelait Cliff Gallup, LE guitariste du milieu des années 50. Un jeu unique, très économe de notes, d’une inventivité prodigieuse, créant un accompagnement différent pour chaque titre …

Un guitariste qui a traumatisé Jeff  Beck, au point que l’irascible guitar-hero anglais lui a consacré un album entier de reprises (l’indispensable « Crazy legs » en 1993, avec un groupe monté pour l’occasion, les Big Town Playboys).

Sur ce « Bluejean Bop », Vincent et Gallup forment une paire indépassable. Peu après l’enregistrement, Gallup partira, ne revenant avec son leader que pour une série de séances studio qui donneront l’année suivante l’excellent « Gene Vincent & The Blue Caps » (les Blue Caps étant le nom du backing-band à géométrie variable qui accompagna Vincent dans les 50’s). « Bluejean Bop » se suffirait en lui-même, mais cette réédition accole aux douze titres originaux les trois 45 T sortis auparavant (dont évidemment « Be bop a lula » avec « Woman love », mais aussi « Crazy legs » et « Race with de devil »).

Ce « Bluejean bop » devient ainsi aussi indispensable que les Sun Sessions d’Elvis … 

Du même sur ce blog :

Mister Gene Vincent

Be Bop A Lula

TURBONEGRO - APOCALYPSE DUDES (1998)

Pied au plancher ...

« Age of Pamparius », 1^er titre du Cd, débute par une intro pianotée, une guitare zigzagante, des synthés à la « Baba O’Riley » des Who ; puis arrive un riff colossal et c’est parti pour un shot ininterrompu d’une quinzaine de morceaux de punk-glam-metal … Les Turbonegro sont Norvégiens, et comme une multitude de groupes farouchement électriques scandinaves, ne font pas vraiment dans la dentelle. Ils découlent d’une longue litanie de furieux venant abreuver leur rock très heavy aux sources du rock’n’roll originel, comme en leur temps Hanoi Rocks ou leurs quasi-contemporains Hellacopters et Hives, parmi tant d’autres.

Les Turbonegro sont aussi gays que Freddie Mercury et Elton John réunis et le clament haut et fort, surtout fort d’ailleurs. Il suffit de jeter un œil sur le tracklisting, qui avec des intitulés aussi délicats et poétiques que « Rendezvous with anus », « Don’t say motherfucker, motherfucker », « Rock against ass », « Monkey on your back », … pour voir que l’on se situe tout de même assez loin des Village People. Et manière de pousser le bouchon de la provocation assez loin, la pochette du disque représente paraît-il le logo d’un groupuscule armé d’extrême gauche américain. Sans doute les Turbonegro cherchaient-ils l’interdiction sur les terres de Lady Gaga, Justin Timberlake, Springsteen et Paris Hilton …

Ce qui est sûr et finalement le plus important, c’est que ça dépote grave … Des choses comme « Selfdestructo bust » feront peur par leur radicalité à tous les fans de Green Day et c’est tant mieux. D’autres raviront les fans de Motorhead (le single « Prince of the rodeo » avec son intro de batterie calquée sur celle du « Overkill » de la bande à Lemmy) et c’est encore mieux. « Humiliation Street » (ces titres !) est à peu près le seul mid-tempo du disque et fonctionne comme un hymne, « Get it on » (rien à voir avec T-Rex, quoique …) est colossal et laisse à supposer que Jack White a dû écouter ce disque avant de mettre en place son White Stripes sound …

Les Turbonegro se distinguent du commun des groupes de hard bourrin (tout à fond et la tête dans le guidon) qui encombrent le genre par leurs titres assez courts (pas de démonstration virtuose, night in the ruts comme diraient Aerosmith), le chant assez distancié, posé et quelque peu méprisant, et un guitariste lead (l’outrageusement maquillé et peroxydé Euroboy) qui semble incapable de jouer rythmique et est donc perpétuellement en train d’exécuter des solos … Ajouter à cela une recherche constante de la mélodie, du couplet qui accroche et du refrain qui tue, une finesse dans les arrangements (des pianos, des congas, de discrets synthés, … ) et on se retrouve avec super disque de vrai rock tout-terrain, ce qui était quand même assez peu courant à l’époque (1998).

On achève ce Cd avec une bonne pipe (« Good head »), rien de tel pour tailler la route et il est proposé dans certaines éditions deux bonus, une version live de « Prince of the rodeo », quelque peu monolithique, bruyante, braillarde et bâclée, et une reprise de « Suffragette City » quelconque (démo ? maquette ?), mais qui éclaire définitivement sur le « Apocalypse dudes » du titre du Cd, référence à une chanson de Mott the Hoople écrite par un certain David Bowie, et démontre de façon indiscutable que les Turbonegro sont un groupe talentueux et de bon goût …

JERRY LEE LEWIS - FRENCH EP COLLECTION (1992)

Rock'n'Country

Y’a des périodes comme ça, où certains reviennent plus souvent que de raison dans le lecteur du Cd. Ces temps-ci, c’est Jerry Lee Lewis. Un peu oublié, le Killer, et souvent réduit à une poignée de classiques des années 50. Des trucs très rock’n’roll (« Great balls of fire », « Whole lotta shakin’ goin’ on », … ce genre) de sa période Sun.

Bon, je vais pas refaire sa bio émaillée de quelques croquignolettes anecdotes, c’est déjà en ligne ailleurs sur ce blog, mais juste revenir sur un des aspects négligés de sa carrière, la phase country. Parce que ce grand cintré de Jerry Lee, il a toujours été partagé entre le rock’n’roll roots et la plouc music, et qu’il n’a jamais cessé d’enregistrer dans ce dernier genre. Et on en trouve toujours quelques titres dans la multitude de compilations qui lui sont consacrées. Compilations toujours articulées autour de la même quinzaine de scies.

Jerry Lee Lewis, usual suspect

Celle-ci se distingue du lot pour deux raisons. Elle est balèze (40 titres), et, cocorico, française Monsieur. Réalisée par une major (EMI), qui pour une fois a fait correctement son boulot, en partant des masters dépoussiérés (son costaud, mais respectueux de la stricte mono originale des premiers titres), d’une série de 45T quatre titres (on appelait ça des Ep, aux temps antédiluviens du vinyle), sortis quasi uniquement sur le marché français. Et la tradition voulait que derrière un titre qui serve de locomotive commerciale, on en rajoute d’autres plus obscurs.

Résultat, on se retrouve avec une bonne vingtaine de titres, certes pas inédits, tant tout a été compilé et recompilé un nombre industriel de fois, mais assez peu souvent mis en avant. Et là, on s’aperçoit qu’il y a majoritairement des titres de country. Un genre traité respectueusement selon l’Evangile de Saint Hank Williams, mais avec la Lewis touch, à savoir un piano bien en avant, et une certaine énergie, pour ne pas dire hystérie, peu coutumière dans la country. Evidemment, on ne peut pas ignorer que Johnny Cash faisait en même temps et sur le même label le même grand écart entre les deux genres. Les deux hommes ont peu en commun, Cash a eu les hits country, et quand il touchait au rock’n’roll, c’était d’une façon convenue et assez « sage », il n’a réellement survolé les débats que dans les années 60. Mais en cette fin des 50’s, net avantage pour Jerry Lee Lewis dans les deux genres.

Et puis, ce double Cd permet d’apercevoir un aspect encore plus ignoré de la carrière de Lewis, un virage soul-rhythm’n’blues au début des années 60, avec orchestre pléthorique, cuivres, choristes, et tout le tremblement. Même si ce n’est pas du niveau de Ray Charles, James Brown, ou ce que produiront plus tard des labels comme Stax ou Atlantic, il y a quand même quelques curiosités qui valent le détour, témoins une version énergique de « Ramblin’ Rose » (oui, ce titre qui ouvre le « Kick out the jams » du MC5), ou encore cette défenestration de « Sweet little sixteen » de Chuck Berry (Berry et Lewis se détestent, ce qui doit expliquer la rage du Killer dans cette version, alors que d’habitude ses reprises sont plutôt effectuées en roue libre en mode dilettante).

Des titres bonus ont été rajoutés, manière de faire de cette compilation un Greatest Hits. Deux regrets-reproches, ils ont oublié dans la section bonus « Breathless », qui fait quand même partie des incontournables du Killer, et ce Cd paru en 1993 n’a je crois jamais été réédité et ne se trouve plus que d’occase …

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Rockin' Up A Storm 

25 All-Time Greatest Sun Recordings

Last Man Standing

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CHUCK BERRY - HIS BEST VOLUME I (1997)

Guitar Man

L’homme sans lequel Keith Richards et tant d’autres auraient peut-être appris le violoncelle ou le kazoo à la place de la guitare. Et qu’on le veuille ou pas, un des trois incontournables des 50’s, avec le Petit Richard et le gros Elvis. Auteur de « Johnny B. Goode », un des trois morceaux que tout type qui a tenu une guitare dans les doigts a essayé de jouer, au même titre que « Jeux interdits » ou « Smoke on the water ».

Quand tout a commencé à s’emmancher, Chuck Berry était déjà un ancêtre, un quasi trentenaire (il est né en 1926), musicien inconnu végétant sur de petits labels et accompagnant d'autres inconnus qui voulaient bien de lui, essayant vainement de se faire remarquer des frères Chess, patrons du mythique label de blues de Chicago.
Trop vieux, et pas au bon endroit au bon moment (c’est à des milliers de kilomètres de là, dans le petit studio de Sam Philips à Nashville, que la révolution est en marche), Chuck Berry n’a aucune chance. Mais comme tant d’autres, c’est en rompant tous les codes traditionnels, en expérimentant en dépit du bon sens, qu’il va trouver.
Bill Black et Scotty Moore massacrant en studio un vieux standard rhythm’n’blues d’Arthur Crudup et Presley se joignant à eux par la voix a donné « That’s alright Mama ». Chuck Berry qui a évidemment entendu ce titre, va aller à l’opposé. Lui, le Noir, part d’une structure musicale bien blanche (une trame country), accélère au-delà du raisonnable le tempo, le saupoudre de blues. Ce titre (« Ida Red »), Berry va le faire écouter à Leonard Chess, qui lui fait modifier le tempo, rajouter une guitare électrique et le rebaptise « Maybellene ». Contre la publication en single,  Berry doit abandonner deux tiers des royalties à un certain Fratto, homme de paille des frères Chess, et à l’influent DJ Alan Freed, qui bien entendu n’ont en rien participé à l’écriture. « Maybellene » sera un bon succès, mais Berry gardera une rancune tenace à l’égard du music-business qui l’a spolié pour la première (et pas la dernière) fois, et une méfiance paranoïaque envers tous ceux qui y gravitent. Ajoutez une avarice légendaire, et vous avez avec Chuck Berry la hantise des organisateurs de concert pendant des décennies …
Evidemment, si l’on compare avec ses « classiques » comme « Sweet little sixteen », « Carol », « Johnny B. Goode », … ce « Maybellene » n’est encore qu’une ébauche. Berry est un bosseur, et un malin. Il va jouer légèrement sur le tempo, et surtout travailler  comme un forcené sur sa Gibson, avant de petit à petit mettre en place sa patte, ce style inimitable que tout le monde va dès lors s’efforcer de copier. Première étape avec « Brown eyed handsome man », franche attaque de guitare in intro, et le rythme « Chuck Berry » déposé. Confirmation avec « Roll over Beethoven », premier immense classique . Nouvelle étape avec « Too much monkey busines », et cette fois, c’est la mélodie irrésistible qui arrive. Dernière évolution avec « Oh baby doll », pas son plus connu, mais qui oriente la musique de Chuck Berry vers des boogies très rythmés, un filon qu’exploiteront ensuite tous les « Sweet little sixteen », « Johnny B. Goode », « Carol » …

Chuck Berry et un imitateur ... Gaffe à ton pif, Angus !

Comme d’autres (Lewis, Presley), Chuck Berry cultivera, et pas seulement dans ses textes, une attirance pour les (trop) jeunes filles, et une certaine forme d’exubérance joyeuse, notamment sur scène. Berry sera, pour l’époque s’entend, très spectaculaire, mettant au point pas de danse saugrenus (sa fameuse « duck walk »), et gesticulations diverses. A l’image des bluesmen, toutes ses gesticulations scéniques sont surtout là pour masquer son jeu de guitare et éviter que des gens dans le public puissent bien le visualiser pour ensuite le copier. Chuck Berry sait qu’il a inventé quelque chose et gardera le plus longtemps possible jalousement tous ses « secrets ». A ce sujet l’anecdote de sa première rencontre avec Keith Richards est révélatrice. Le guitariste des Stones, qui s’inspirait beaucoup de son jeu, a tenu à le saluer lorsqu’ils étaient à la même affiche d’une émission télé. A la main tendue de Richards, Berry lui répondra par une bonne droite dans le pif, l’accusant de n’être qu’un putain de voleur …
Ce « His Best Vol I » est une excellente compilation chronologique, l’essentiel de ses classiques et en tout cas les plus connus des années 50 sont là (manque juste le tardif « You never can tell », clippé par Tarantino dans « Pulp fiction »). Idéal pour une première approche …

JOHN FOGERTY - JOHN FOGERTY (1975)

Creedence Revival

Un cliché (forcément) sur le visuel du disque : John Fogerty, look total plouc, au milieu de la cambrousse avec un chien informe à ses pieds. Même Cabrel n’oserait pas …

Mais Fogerty n’est pas un vulgaire péquenot sudiste à chemise à carreaux. On parle là du leader, de l’âme du plus grand groupe de rock’n’roll américain, Creedence Clearwater Revival.

John Fogerty et un imitateur célèbre ...

Après la fin peu glorieuse (artistiquement) du groupe et un encombrant projet country (« Blue Ridge Rangers »), Fogerty fait en 1975 ce qu’il sait le mieux faire : du pur Fogerty.

Et forcément, comment ne pas penser à Creedence … Même alchimie des compositions, même voix, même guitare. Et Fogerty qui joue de tous les instruments recrée même par moments la magie des structures rythmiques de Cook et Clifford.

Deux hits, « Almost Saturday night » et « Rockin’ all over the World » (qui fera le bonheur et la fortune des graisseux de Status Quo), quelques reprises (« You rascal you », « Lonely teardrops », « Sea cruise ») et le reste bien dans la ligne du parti. En fait, un album de Creedence en solo. Pas au niveau des chefs d’œuvre passés (« Willy & the Poor Boys », « Green River », « Cosmo’s Factory »), mais nettement supérieur à des machins genre « Pendulum » ou « Mardi Gras ».

Avec ce disque éponyme comme point de départ, Fogerty aurait pu prétendre à une carrière solo fabuleuse. Un successeur raté (« Hoodoo »), des embrouilles sans fin avec sa maison de disques, le tiendront ensuite éloigné des studios et de la scène pendant pratiquement dix ans, jusqu’à un fulgurant retour en 1984 (« Centerfield »)

Du même sur ce blog :
Centerfield

LITTLE RICHARD - THE GREATEST HITS 16 (1987)

Oooooh  My Soul, une compile de Little Richard ...

Les débuts du rock’n’roll se devaient d’avoir une image, une icône. Ce fut Elvis (aux débuts, parce que les sandwiches au beurre de cacahuètes l’ont vite épaissie, l’image). Il leur fallait une guitare. Ce fut celle de Chuck Berry. Et une voix. Aucun doute possible, c’est celle de Little Richard.
En effet, qui d’autre que le futur ex-révérend Penniman peut symboliser le chant du rock’n’roll, cette diction hystérique qui allait secouer l’Amérique du milieu des années 50, avant de faire succomber à ses rythmes le reste de la planète ?
La voix de Little Richard sauve cette compilation, car ce Cd n’est pas terrible : moins de 40 minutes au compteur, une présentation non chronologique, un son pas génial (no remasters), un visuel tout moche, …
Les plus grands classiques sont là (« Lucille », « Long tall Sally », « Good Golly Miss Molly », « et l’indépassable « Tutti fruti »), mais quelques morceaux de plus et une présentation plus soignée n’auraient pas été du luxe.
Vu la multitude de compilations de la première « folle » du rock sur le marché, on peut facilement trouver mieux que ce Cd sorti sur un label improbable, Bescol ( ? ), aux temps préhistoriques du support.

JERRY LEE LEWIS - 25 ALL-TIME GREATEST SUN RECORDINGS (2000)

S'il n'en reste qu'un ...

Il y a de fortes chances que ce soit lui, Jerry Lee, le Highlander du rock. De toutes façons, ils ne sont plus que trois, de ces années cinquante rock’n’roll … Chuck Berry est aux fraises, s’entêtant en vieux grigou qu’il a toujours été, à donner des concerts pathétiques (il a 85 ans, ceci explique peut-être cela, mais faut savoir raccrocher la Gibson, papy …), la fofolle Little Richard a mis sa carrière en pointillés depuis plus de 50 ans. Et tous les autres sont morts …

Jerry Lee Lewis et sa femme : sa cousine Myra, 13 ans ...

Jerry Lee Lewis, lui, ce serait plutôt le Trompe-la-Mort  du binaire. Donné refroidi un nombre incalculable de fois, tant on l’a hospitalisé dans des états critiques dus à une hygiène de vie outrancière sur bien des plans, ayant réussi on ne sait trop comment à ne pas crever en prison … car il a été dans le désordre accusé et jugé pour, en vrac, pédophilie (il avait épousé une fille de treize ans, sa cousine en plus …), bigamie (il avait « oublié » de divorcer de la précédente), multiples fraudes fiscales, voies de faits avec arme innombrables, … Il a aussi été entendu par les attorneys pour la mort suspecte (y gagnant son défintif surnom de Killer) de deux de ses sept ou huit femmes successives (l’une étrangement noyée dans la piscine familiale, l’autre ayant pris une bastos en pleine tête quand Jerry Lee nettoyait son flingue, ces deux-là, comme par hasard, voulant divorcer et ramasser quelques dollars au passage). Or, plus près de ses sous que Jerry Lee, malgré les efforts louables de quelques-uns, y’a pas …

Et malgré tout ça, musicalement, Jerry Lee Lewis reste encore crédible, publiant, certes de plus en plus épisodiquement, des disques qui tiennent étonnamment bien la route (« Last man standing » en 2006 par exemple). Certes assez loin de ce qu’il a fait à ses débuts sur le label Sun de Sam Philips. Parce que chez Sun, en cette seconde moitié des années cinquante, y’avait des clients … Pas tous en même temps, mais se sont tout de même succédés dans le petit studio de Nashville, Presley, Perkins, Cash, Orbison, pour ne parler que des plus connus … et Jerry Lee Lewis donc.

Pas très académique, mais efficace ...

Un Jerry Lee qui a passé ses années glorieuses chez Sun en équilibre entre le rock’n’roll le plus sauvage et la country « habitée » et énergique. S’appuyant sur son « pumping piano », dans un style ultra-destroy pour l’époque, venu des honky-tonk louisianais où il a grandi, et une voix toute en syncopes, changements de tons et de rythmes. Une marque de fabrique inégalable et inimitable. Même si ses pièces d’anthologie (Whole lotta shakin’ going on », « Great balls of fire », « High school confidential » et « Breathless ») viennent de l’aspect rock’n’roll de sa carrière, Jerry Lee, qui a commencé par enregistrer de la country, ne délaissera jamais la plouc music, et à partir des années 60, en fera le genre dominant de ses productions studio. Chez Sun, il alternera les enregistrements dans les deux styles, à l’image de son voisin d’écurie Carl Perkins. Et puis, Lewis sera un de ceux qui reprendront le plus les standards contemporains confirmés, pas toujours avec bonheur cependant (on ne se frotte pas impunément, et quelque peu en dilettante semble t-il, à des choses comme « What I’d say » de Ray Charles ou « Good Golly Miss Molly » de Little Richard), mais le dynamisme de jeune chien fou de Lewis et quelques descentes du revers de la main des touches d’ivoire arrivent dans la plupart des cas à faire passer la sauce.

Cette compilation parue sur le label Varese, et consacré aux rééditions d’oldies, (un peu comme Rhino, le prestige en moins), fait défiler dans un ordre à peu près chronologique les standards, évidemment, mais se distingue de la multitude de celles sur le marché par la sélection de quelques pièces country ou de reprises peu connues du répertoire de Lewis.

Du même sur ce blog :

Rockin' Up A Storm 

French EP Collection

Last Man Standing

BUDDY HOLLY - BUDDY HOLLY (1958)

Disque "solo"

C’est allé tellement vite le concernant (Holly est mort un an et demi après ses premiers succès), et l’essentiel des galettes sur le marché étant des compilations, que par facilité (surtout commerciale ?), on a oublié maintenant que Buddy Holly faisait paraître des disques sous deux noms différents, en solo et avec les Crickets. Subtilité des contrats de l’époque, et qui ne change rien, c’étaient les mêmes personnes (les Crickets et l’auteur-producteur Norman Petty) que l’on retrouvait derrière lui sur tous les disques.

Ce « Buddy Holly » est le troisième et dernier disque publié par Buddy Holly. On pourrait même dire le second, tant celui d’avant « That’ll be the day » n’est déjà qu’une compilation de ses premières séances d’enregistrement, séances qui ne comprennent pas, hormis le morceau-titre, aucun de ses titres d’anthologie. Ici, par contre, ça se bouscule (« Peggy Sue », « Everyday », « Valley of tears », « Words of love », « Rave on », il faudrait à peu près tous les citer).

Buddy Holly & The Crickets

Buddy Holly est un des rares de cette époque-là à ne pas faire du rock’n’roll. Ou plus exactement pas que du rock’n’roll. C’est LE mélodiste des années 50.  Et ce n’est pas un hasard si le Lennon des débuts s’efforcera de lui ressembler, physiquement (la photo de la pochette, non, non, ce n’est pas Lennon au tout début des années 60) et baptisera son groupe d’abord les Silver Beetles en hommage aux Crickets. L’influence de Holly sur cette musique que l’on appellera pop est considérable. Celle se son producteur, auteur ou co-auteur Norman Petty reste plus ambiguë. On a longtemps cru qu’il était l’homme de l’ombre, celui sans qui Buddy Holly n’aurait pas été grand-chose. La tendance maintenant, au vu d’archives et de témoignages des rares rescapés de l’époque, serait plutôt d’en faire une sorte de Colonel Parker, plus intriguant que talentueux, uniquement crédité sur les morceaux de Holly grâce à des conditions « toutes particulières »  du contrat qui les liait. La vérité doit se situer entre les deux, Petty ayant quand même prouvé avant ou après sa collaboration avec Buddy Holly que c’était un musicien doué, et pas un simple escroc …

Ce « Buddy Holly » démontre deux choses que tout le monde devrait savoir, mais une petite piqûre de rappel ne fait jamais de mal … La première, c’est qu’on ne touche pas à un titre chanté par Little Richard sans prendre le risque de se couvrir de ridicule (« Ready Teddy » ici). La seconde, c’est que Holly alignait en 1958 des chansons époustouflantes à une cadence infernale, les cinq titres bonus ajoutés aux douze originaux sont rien moins que « That’s my desire », « Think it over », « Fools paradise », « Well all right » et « Take your time ».

Bon, évidemment, aujourd’hui que sont disponibles des légions de compilations bien foutues et même une intégrale de 6 Cds contenant à peu près tout le matériel enregistré par le natif de Lubbock, ce Cd pas  souvent et pas toujours réédité dans des conditions optimales, fait un peu figure de parent pauvre dans la discographie de Buddy Holly. Il n’en est pas moins excellent …

Du même sur ce blog :
The Very Best Of Buddy Holly & The Crickets

X - WILD GIFT (1981)

X File

X, dès le départ, est un drôle d’assemblage. Un couple de babas à la ville comme à la scène, John Doe (bassiste et chanteur) et Exene Cervenka (auto-proclamée poétesse – just like Patti Smith – et chanteuse), un guitariste fada de rockabilly (Billy Zoom, qui a fait partie des derniers tours de piste du band de Gene Vincent), et un batteur (Don Bonebrake) sur lequel il n’y a pas lieu de s’extasier outre mesure. Le groupe vit à Los Angeles, le paradis du glamour et des surfeurs bronzés, et en cette fin des 70’s, le lieu le plus improbable pour l’éclosion d’un orchestre punk. 

De gauche à droite, Zoom, Cervenka, Bonebrake, Doe : bien classés, X ...

Une petite scène se formera pourtant, dont X sera partie prenante, en compagnie des formations embryonnaires des Go-Go’s, Blasters, Germs, Lobos… Le déclic surviendra pour X quand le has-been Manzarek, des feu Doors, s’entichera du groupe, les accompagnera quelquefois sur scène, les aidera à trouver un label et produira leurs disques. Dont ce « Wild Gift », leur second …

Le son général, l’ambiance du disque, sont de prime abord assez déconcertants, pour l’époque s’entend. Assez loin de toutes les références du punk anglais, adossé sur un binaire simplissime voire simpliste dérivant du rock’n’roll revisité glam. Chez X, grâce à Billy Zoom, la touche rockabilly est en avant, particulièrement sur des titres comme « In this house … », « Beyond and black », « Year 1 », … Le chant, notamment celui d’Exene Cervenka, peut en rebuter plus d’un. Souvent déclamatoire, forcé dans les aigus, il se marie cependant très bien à la voix de John Doe, les deux se partageant le micro.

« Wild gift » est un disque varié, concis (13 titres en un peu plus de demi-heure), très mélodique même sur les morceaux effectués pied au plancher, piochant très occasionnellement des choses chez les punks Anglais (« When our home… »), d’autres dans la new wave de Devo (« Adult books »). Malgré tout, X a son image sonore propre, ce contraste entre le feu et la glace des deux voix, et ces racines rock’n’roll et rockabilly qui pointent partout. Manzarek, s’il doit être pour quelque chose, et peut-être même pour beaucoup dans la fluidité des compositions, reste étonnamment dans l’ombre, sobre et discret (à peine discerne t-on quelques nappes de claviers), ce qui n’est pas d’habitude sa principale qualité …

X durera ce que durera le couple Doe – Cervenka (des titres font déjà allusion à une rupture larvée ou consommée comme « In this house … » ou « White girl »), les dissensions et le split ne sont plus très loin. En tout cas, avec ce « Wild gift » et son prédécesseur, les X ont remis Los Angeles, où jusque là régnaient sans partage Eagles, Fleetwood Mac et autres Doobie Brothers, sur la carte du rock qui rocke et qui rolle …

GENE VINCENT - MISTER GENE VINCENT (1991)

Sur la Highway to Hell ...

Une curiosité … un Cd assez rare, jamais réédité. Paru en 1991 sur un label français (Musidisc), il compile des morceaux provenant pour l’essentiel de séances aux Etats-Unis en 1966.

A cette époque-là, Gene Vincent est carbonisé. Physiquement d’abord. Il traîne de plus en plus la jambe, séquelle d’un accident de moto quand il était adolescent, consomme de plus en plus drogues et alcool, son état de santé devient vraiment préoccupant. Artistiquement ensuite. Il n’a eu qu’un seul vrai grand succès (« Be bop a lula »), a été lâché par sa maison de disques historique Capitol, traîne sur de petits labels, voit son public s’étioler, ne garde plus que quelques fans en Europe, et surtout en France où il est l’objet d’un petit culte, renforcé par un jeu de scène apocalyptique dans ses tenues de cuir noir qui ont marqué tant d’esprits à l’époque …

Gene Vincent dans les 60's : Cuir noir et rock'n'roll attitude

En fait, lors de ses séances américaines, il ne reste plus à Gene Vincent qu’une chose : sa voix. La plus belle voix blanche du rock’n’roll, qui trouve sa plénitude dans le mid-tempo, surclassant même la technicité démonstrative et le pathos outré des Presley et Orbison. Que ce soit dans des choses dans la  lignée se son répertoire traditionnel (le phénoménal « Bird doggin’ », son dernier grand titre, traité soul-rythm’n’blues), la reprise de la scie « Pistol packin’ Mama » ou celles de « I’ve got my eyes on you » ou « Lotta lovin’ ». De bons morceaux par un grand chanteur …

Sauf que … certains des titres figuraient déjà sur la discographie de Gene Vincent. Ce ne sont que de nouvelles versions, qui n’apportent pas grand chose (un plus « gros » son, des arrangements de cuivres, quelques chœurs soul), et les puristes préfèreront à juste titre les enregistrements originaux.

Et puis, à l’écoute sur certains titres, y’a un truc, là … on met le casque, on monte le volume et … des grésillements, des craquements, le retour du bras sur la platine … ils ont osé, ils ont pas recherché les bandes, certains morceaux sont directement repiqués sur le vinyle. Particulièrement flagrant sur « Hi Lili Hi Lo » ou « I’m a lonesome fugitive ». Si l’on ajoute une masterisation et une égalisation plus qu’approximatives, on peut affirmer qu’avec cette compilation, Musidisc a fait un boulot de sagouin, qui frise l’escroquerie pure et simple. De plus, on ne trouve rien sur la date, le lieu et les musiciens des séances, autant de détails qui sont cruciaux quand on met sur le marché des enregistrements peu connus. On doit se contenter d’une notule très wikipédiesque sur Gene Vincent qui n’apprendra rien au simple connaisseur, et encore moins au vrai fan.

Lequel n’aura en définitive qu’une poignée de titres sur lesquels se rabattre : les assez rares « Lonesome boy », « Lady bug » et « Ruby baby », (ce dernier morceau signé Leiber-Stoller). Et surtout une troisième version de « Be bop a Lula », après l’originale de 1956 et la version dite « lente » de 1962. Celle enregistrée lors de ces séances de 1966 est plus lente que l’originale, la voix est plus posée, les arrangements différents, et il me semble qu’elle ne se trouve que sur ce disque … Pas sûr que cet « inédit » pousse grand monde à rechercher ce Cd d’occasion sur les sites web dédiés …

Après ces séances, Gene Vincent va poursuivre son chemin de croix, enregistrant et se produisant sur scène de moins en moins souvent, jusqu’à ce que ses addictions diverses aient raison de lui en 1971…

Du même sur ce blog :
Bluejean Bop !
Be Bop A Lula

STRAY CATS - GONNA BALL (1981)

Too much, too soon ...

Ce devait être l’album de la consécration. Les Stray Cats, lentement mais sûrement, s’approchaient de la reconnaissance mondiale (première partie de la tournée des Stones, « frémissement » de l’omnipotent marché américain, …).

Slim Jim Phantom, Brian Setzer, Lee Rocker

Alors, moins d’un an après leur premier disque, arrivait sur les platines « Gonna Ball ». Beaucoup plus personnel (seulement trois reprises), beaucoup plus varié dans ses inspirations musicales, la présence de Ian Stewart (Stones connexion), tout semblait au départ réuni pour le grand succès planétaire.

Qu’à-t-il manqué à ce disque ? Dave Edmunds, surtout. Le subtil producteur gallois n’est plus là, Setzer et ses hommes poussent les boutons dans le studio et cela s’entend, notamment sur le single « Little Miss Prissy », limite hard-rock, qui renvoie plus à Johnny Winter ou au Zeppelin période « Rock’n’roll » qu’aux pionniers rockabilly. Le rockabilly, justement auquel les Stray Cats étaient au yeux du public définitivement liés, est moins présent ici. On trouve du jazzy (« One more day »), du swing cuivré (« Wasn’t that good ») annonciateur de ce que sera le Brian Setzer Orchestra. Le public n’était pas prêt pour ces changements et n’a pas suivi, il lui faudra une compilation (« Built for Speed ») destinée au marché américain pour accrocher.

Reste malgré tout un bon disque avec une superbe chanson (« Lonely summer nights ») qu’on jurerait extraite de la B.O. d’ « American Graffiti ».

Des mêmes sur ce blog :

Stray Cats

Rant n' Rave With The Stray Cats 

SIXTIES ARCHIVES - TEXAS PUNK FROM THE SIXTIES (1983)

La D2 ...

Ce « Texas Punk » (punk au sens 60’s du terme, pas des types à crête orange) fait partie d’une collection générique « Sixties Archives » déclinée en plusieurs volumes sous l’égide du label français Eva, disparu depuis …  Ce volume est donc « spécialisé » dans l’obscur tendance garage-bands en provenance du Texas dans la seconde moitié des 60’s. Le tout pour un résultat assez loin tout de même de la Rolls du genre garage, le coffret Nuggets, extrapolation du double 33T du même nom assemblé par Lenny Kaye … Assez loin aussi de nombreuses autres compilations (« Back from the grave », « Pebbles », …). Parce qu’à force de fouiner dans les poubelles de l’histoire musicale, on finit par y trouver des choses qui auraient autant gagnées à rester inconnues.

Drôles de zèbres : The Coastliners 1966

Cette compilation témoigne tout de même de la vitalité et de la multitude de groupes de cette « lost generation » américaine du milieu des années 60. Car après avoir inventé le rock’n’roll dans les 50’s, les Américains ont perdu la recette (qui peut citer un bon 33T de rock, accessoirement ’n’roll, digne de ce nom paru aux USA entre 58 et 65 ?). La pérennité du genre sera conservée et bonifiée en Angleterre (tout le British Blues Boom, les Beatles et le Merseybeat …), retraversera l’Atlantique (la British Invasion). Dès lors, une multitude de groupes inspirés ou laborieux copistes verront le jour, graveront le plus souvent quelques singles, au mieux quelque 33T pour les plus doués ou les plus malins …

Même le Texas, fief  des rednecks, n’a pas échappé au mouvement, et ce Cd présente 18 morceaux qui ma foi, valent bien un florilège des twists un peu balourds de, au hasard ( ? ), Springsteen … Au rayon imitateurs laborieux (non, je parle plus de Springsteen, quoique), on peut mettre les Reddlemen (like the Rolling Stones) , les Passions et les Circus (Pretty Things), les Castliners (un bon titre, le second trop calqué sur le Merseybeat). Kempy & the Guardians ont beaucoup écouté les Yardbirds … Quelques-uns font preuve d’originalité, les Y’all’s vont de l’avant avec leur titre mélangeant Beatles et guitares fuzz ; les Status Quo ne préfigurent pas le boogie monolithique de leurs homonymes mais plutôt Blue Cheer et Iron Butterfly avec leurs gros riffs fuzzy ; Him ressemble à un brouillon de Canned Heat avec son boogie primitif,  les Oedipus & The Mothers récoltent la palme du meilleur nom de groupe et du morceau le plus insignifiant du disque, les Pack sont les plus psychédéliques…

Quelques belles réussites, les Venetian Blinds avec un titre sauvage et sautillant à base de Farfisa tex-mex annoncent Sam the Sham ou Question Mark, les Pirates (sans Danny Logan) avec un bon morceau bluesy, les Continentals font brûler la gomme et ignorent royalement les British en se cantonnant à un excellent Diddley beat sur-accéléré. Et relégués fin de Cd, pour moi les meilleurs du lot, Danny & The Counts , avec notamment « Ode to the wind », qui derrière un intitulé un peu bébête, cache une merveille de ballade pop psychédélique …

Bon, évidemment tous ces gens ont eu une notoriété qui n’a pas dû dépasser le cadre de la famille et des amis, mais démontrent que le rock’n’roll, même au second plan, a toujours su rester vivant dans les mid-sixties aux USA…

MC5 - HIGH TIME (1971)

Hard times

« High Time » du Five …

Difficile d’en parler sans évoquer les deux précédents. Qui pour le malheur de ce « High Time » avaient placé la barre très (trop ?) haut. Et tant qu’à évoquer « Kick out the Jams » et « Back in the USA », autant ne pas faire dans la demi-mesure.

« Kick out the Jams » est le plus grand disque live de tous les temps, « Back in the USA » le plus grand disque de pur rock’n’roll. C’est mon avis et je le partage.

Proxima Estacion Esperanza ?

Alors forcément quand à la fin de « Sister Ann » 1^er titre de « High Time », déboule une section de cuivres , après des nappes de claviers et des chœurs féminins, on se pose des questions. Dont les réponses sont faciles à trouver dans le « way of life » du groupe. Perpétuellement défoncés, leur maître à penser ( ? ) John Sinclair en prison, ce sont cinq épaves qui entrent en studio, pour enregistrer dans le chaos, l’improvisation et « expérimenter ».

Mais autant être clair : le MC5 même en chute libre, ça déménage sévère. Parce qu’il y a une assise rythmique qui sans être géniale sait mettre la pression, parce que Rob Tyner est un grand chanteur, et aussi parce que sévit dans le Five la plus terrifiante paire de guitaristes à avoir relié des six-cordes à un ampli, les faux siamois (ils ne jouent jamais la même chose ensemble) Wayne Kramer et Fred « Sonic » Smith.

Alors sur « High Time », pas de terrorisme sonore à la « Kick out the Jams », pas de rock’n’roll roots à la « Back in the USA », mais plutôt des compositions très inspirées par la soul et le rythm’n’blues. Et malgré l’état de délabrement total du groupe, le résultat sonne sec, précis, tranchant. Sans jamais donner l’impression de bouillement sonique incandescent et incontrôlé, comme le faisaient leurs voisins de Detroit les Stooges à la même époque avec « Funhouse »

« Miss X » est la ballade plombée définitive qu’aucun groupe de hard ne sera capable d’égaler, « Over & Over » avec l’utilisation qui est faite des claviers pourrait sans problème figurer dans « Who’s next ». Et le reste est d’un bon niveau, même si au sein de quelques titres des digressions saugrenues vers du psychédélisme lourd (avec Iron Butterfly ou Blue Cheer comme points de repère) ne sont pas toujours très efficaces. Le tout emmené par des parties de guitare qui déchiquettent tout sur leur passage.

Avec ce dernier disque du Five et quelques mois plus tard le « Raw Power » des Stooges prendra vraiment fin une forme ultime de rock dangereux et violent.

 Ce sera le clap de fin de l’expression musicale la plus radicale, entamée par deux bandes de fous furieux, il y a une quarantaine d’années à Detroit, Michigan.

Depuis, ceux qui ont suivi ont toujours essayé de les copier. Sans y arriver.

Des mêmes sur ce blog :
Back In The USA