TRAVIS - THE MAN WHO (1999)

 

Travis, très vite ...

Ouais, on va pas y passer la nuit. Venons-en directement aux (mé)faits. Travis donc, groupe de quatre types écossais, débuts au milieu des années 90. Pour situer, ceux qui comptent dans la perfide Albion s’appellent Blur et Oasis, et ceux qui vont compter Coldplay et Radiohead. Les deux premiers donnent dans le rock, les deux autres non.

C’est pourtant en singeant de façon éhontée les bandes à Chris Martin et Thom Yorke que Travis va faire son beurre. « The Man Who » s’est vendu à des millions d’exemplaires chez les rosbifs, et le groupe est resté à peu près inconnu dans le reste du monde. Ça arrive, on a bien Johnny Hallyday et chez les Ricains Billy Ray Cyrus (le père de la Miley du même nom), énormes vendeurs chez eux et qui ne s’exportent pas. Essentiellement parce que trop typiques de leur pays.

Les Travis, on peut pas dire qu’ils soient typiques de l’Ecosse ou de l’Angleterre, c’est pas les Kinks des années nonante, on en est loin ... Que leur disque ait pu marcher quelque part relève pour moi du prodige, tant il est d’une fadeur affligeante. Pour faire simple, on dira que c’est du Coldplay des débuts avec le producteur de Radiohead. Oui, le sieur Nigel Godrich himself est aux manettes de « The Man Who ». Ils ont bien fait de l’écrire sur les notes de pochette, parce que ça s’entend pas trop. Comme quoi, un producteur aussi doué soit-il, s’il a pas face à lui des types qui ont des idées, il imprime pas sa marque …

Faut dire que dans le genre, les Travis font assez fort. Dix titres (plus un caché) construits de la même façon. De la ballade mid-tempo sur fond d’arpèges de guitare, des constructions mélodiques rachitiques, des refrains soporifiques, et un type au micro dont je veux même pas savoir le nom qui chante tous les titres exactement de la même façon, voix feignasse, linéaire et voilée.

Et quand l’inspiration manque, on va exhumer des grilles d’accord de « Bonnie & Clyde » (Gainsbourg et Bardot) sur l’introductif « Writing to reach you » ou de celles du Lennon de « Jealous guy » (sur « As you are »). Quatre singles furent extraits de cette rondelle et se comportèrent honorablement dans les charts (anglais only). Coup de bol, il y a dans le lot les deux meilleurs titres, « Why does it always rain on me ? », agréable mid-tempo avec une fois n’est pas coutume une jolie mélodie, et « Driftwood », point trop moche réminiscence du REM période « Out of time – Automatic for the people ». Les autres morceaux, interchangeables mièvreries inconsistantes, on peut les zapper.

Ce « The Man Who » on le trouve facilement d’occase pour le prix port compris d’un demi. Ô joie, la version que j’ai pécho comprend sur un Cd bonus trois titres live (deux at home à Glasgow, un sur une radio ou une télé italienne). Believe me, c’est encore plus mauvais que sur disque (on entend pas le batteur à Glasgow, ça semble unplugged), à tel point que la meilleure performance est d’assez loin celle du présentateur italien, qui semble surexcité à l’idée d’annoncer Travis. Y’a vraiment pas de quoi …

JACKSON BROWNE - LATE FOR THE SKY (1974)

Going to (Hotel) California ...

Donc Jackson Browne fut le gendre seventies idéal. Le beau gosse tombeur des filles de rêve (de Nico qui l’a paraît-il dépucelé à Darryl Hannah en passant par beaucoup d’autres de moindre renommée …). Beau gosse aux Etats-Unis, parce qu’ailleurs il était quand même un secret bien gardé. Beau gosse certes, mais en plus auteur de chansons (re)connues, que ce soit ses compositions pour d’autres (« Take it easy », premier gros succès des Eagles) ou pour ses disques à lui (« Doctor My Eyes », « Jamaica Say You Will »). Le genre de type qui a dû en rendre pas mal d’autres jaloux … Parce qu’en plus il était propre sur lui, bien élevé, et partie prenante pour plein de causes généralement bonnes (il sera la figure de proue du mouvement pacifiste No Nukes lorsque fin 70’s – début 80’s le risque de guerre nucléaire ressurgira …) et il a certainement pas voté Trump ...

Et donc en plus de tout ça, Jackson Browne a fait des disques et les a bien vendus, merci pour lui … Certes, pas dans le genre le plus risqué de l’époque. On parle là du style West Coast, celui qui ravagea les radios californiennes une décennie durant, avant que les Eagles et leur fameux hôtel de désintoxication n’en fassent la bande-son de la planète entière … D’ailleurs le visuel avec son bâtiment en clair-obscur de « Late for the sky » présente quelques similitudes avec celui prétendument hanté par Anton LaVey sur la pochette des Eagles … et la similitude avec la troupe à Glen Frey ne s’arrête pas là. Musicalement, c’est à peu près blanc bonnet et bonnet blanc. D’après cette signature sonore trouvant ses gènes chez Gram Parsons (avec les Byrds, les Flying Burrito Bros ou en solo), et tous ses descendants, disciples et autres enfants spirituels (Poco, Doobie Bros, Eagles, …). Et même s’il a jamais connu le risque de clochardisation, Browne est aujourd’hui (comme à l’époque d’ailleurs) le moins cité du lot. Parce qu’il a eu moins de succès commerciaux que les autres, et aussi parce qu’il a un trop bien stylisé un genre pas forcément décoiffant en ça. Browne, j’ai déjà écrit et je persiste, c’est le centriste du genre musical le plus centriste qui soit …

Inutile de chercher dans « Late for the sky » des guitares saturées, des fûts martelés, des arrangements décoiffants. Il y a derrière chaque instrument de solides mais conventionnels requins de studio californiens, emmenés par l’inamovible pote David Lindley, guitariste mais aussi (malheureusement) violoniste, ce qui fait qu’on entend un peu trop son foutu crincrin tout au long des titres. Jackson Browne n’est pas non plus une des grandes voix du rock, loin de là, il assure sans plus, et sans aucun dérapage …

Jackson Browne & David Lindley

« Late for the sky » se partage entre ballades et country-rocks pépères. Seuls deux titres sont un peu plus enlevés, le rockant « The road and the sky » (comme si l’Elton John de « Yellow Brick Road » reprenait le « Suffragette City » de Bowie), et « Walking slow », qui sort quelque peu des sentiers battus avec sa rythmique quasi reggae.

Des six autres compositions de « Late … », on notera le titre éponyme qui résume à lui seul parfaitement l’affaire, « The late show » ballade qui bien que (sur)chargée passe bien hormis son final encombré de violon et de chœurs de tous les potes West Coast (Henley, Shouter, Fogelberg, la femme à Lindley, …). Méritent aussi la citation « For a dancer » (dans un blind-test, tout le monde va dire que c’est les Eagles), ou l’ultime « Before the deluge » le seul ou Browne force un peu sa voix …

« Late for the sky » est un joli disque … Un peu beaucoup trop joli même …

Du même sur ce blog : 

For Everyman

ZZ TOP - ELIMINATOR (1983)

You play the guitar on the MTV ...

« Eliminator » est le disque le plus connu, celui qui s’est le mieux vendu de ZZ Top. Et bien évidemment pas leur meilleur. Pour ça, il faut aller piocher (au hasard, ça marche à tous les coups) dans ceux d’avant…

ZZ Top 1983

Faut resituer un peu le machin, le contextualiser comme disent les hipsters. ZZ Top, au début des années 80, c’est le « little ol’ band from Texas » (c’est quelquefois écrit au cul de leurs disques). Et que la musique qu’ils aiment, excuse-moi partenaire, elle vient de là, elle vient du blues. Dès les débuts de leur carrière, les Top n’ont jamais renié leur côté rustique, voire rustaud. Le belouze, y’a que ça de vrai, et au Texas, on est pas des tafioles. Moins cons que la moyenne (on y reviendra), le trio a fait un gimmick exacerbé de son côté plouc, en rajoutant une couche à chaque disque (la pochette de « Fandango » avec la carte du Texas brodée sur les vestes, la tournée « Deguello » - il me semble – avec sur scène crotales, bisons, chacals, et toutes sortes de bestioles made in Texas). Petit à petit Hill et Gibbons ont pris l’habitude de se fringuer de la même façon et de se laisser pousser la barbe, mais pas Beard (que ceux qui n’ont pas compris s’inscrivent en cours de rattrapage en 6^ème, avec anglais première langue …), et de commencer à se livrer sur scène à des chorégraphies étranges, qu’on croirait mises en scène par un handicapé moteur (à côté de Gibbons et Hill, Rossi et Parfitt dans Status Quo, c’est les ballets du Bolchoï, et il m’étonnerait pas que ce soit pour se foutre de leur gueule que les ZZ Top se soient lancés dans cette agitation au ralenti derrière leurs micros...)

Et le trio se retrouve dans les 80’s avec sa bonne petite réputation, son public tout de même conséquent, mais dans une décennie qui apparemment n’est pas du tout faite pour lui. Le prototype du truc qui marche vers 82, quand les ZZ Top entrent en studio pour mettre bas leur prochaine rondelle, c’est Culture Club. Et force est de reconnaître qu’il y a quand même un monde entre Boy George et Dusty Hill. A priori, ZZ Top fait partie des dinosaures des 70’s et doit comme tant d’autres, plus ou moins disparaître.

Une bien belle carrosserie ...

Ce sera compter sans la capacité d’adaptation des trois mousquetaires texans (qui comme ceux de chez nous, sont en fait quatre, leur D’Artagnan à eux s’appelle Bill Ham, et sera leur producteur attitré et exclusif jusqu’à sa mort) qui vont sortir le disque le plus malin de leur carrière, après avoir consciencieusement analysé la situation et humé l’air du temps. Leur musique est has been au possible, ils ont pris des kilos, ont des barbes imposantes de Père Noël boogie, se trouvent confrontés à la technologie envahissante (le synthé, soit a priori l’ennemi juré), et épine sur le cactus, la montée en puissance de MTV, chaîne prétendument musicale qui balance en heavy rotation les rengaines pop de jeunes beaux gosses, et qui devient incontournable pour prétendre à un succès commercial important.

ZZ Top va résoudre cette quadrature du cercle. Non sans faire grincer les dentiers de leurs vieux fans. « Eliminator » sera de très loin leur plus grosse vente. Bon, ils y sont pas allés avec le dos de la cuillère. Le son général est étrange, très mécanique, robotique, électronique et synthétique. Plus particulièrement tout ce qui est rythmique. A tel point que la rumeur a longtemps couru que « Eliminator » était un disque solo de Billy Gibbons à la guitare, tout le reste était fait par des machines. Finauds, les barbus ont laissé se répandre la rumeur, du moment qu’on causait d’eux, c’était bon à prendre, et n’ont jamais (du moins à l’époque, j’ai plus suivi leurs prises de parole depuis des siècles) confirmé ou démenti. Vraisemblablement, ils ont été parmi les premiers à émuler de vraies parties de basse-batterie, les ont fait bouffer à des ordinateurs et ont reconstruit leurs morceaux à partir des boucles obtenues (un indice : comme la puissance de calcul informatique était loin de celle dont on dispose aujourd’hui et pour ne pas avoir à faire de raccords aléatoires, quasiment tous les titres ont un final en fading, sans coda). Le bon son, le gros son, n’importe quel tocard peut l’avoir. Là où le trio texan a fait fort, c’est dans les compos. Toutes d’une finesse mélodique étonnante, des atours hardos appliqués sur de l’orfèvrerie pop.

Difficile de pas se faire remarquer

Le matériau de base pour le hold up parfait était prêt. Ne restait plus qu’à le diffuser au niveau planétaire. MTV sera le vecteur idéal. Là, ZZ Top n’aura pas grand-chose à faire. Niveau visuel, ils se reconnaissent à des lieues à la ronde. Leur sens de l’humour et leur intelligence (Gibbons est un spécialiste universitaire d’Art Moderne et a donné des conférences dans le monde entier) feront le reste. Leurs chorégraphies de plus en plus absurdes et empesées, les guitares en fourrure, les bagnoles des années 30 (comme la Ford de la moche pochette stylisée), les blondasses à mini short et décolleté sur forte poitrine dont ils s’entoureront dans leurs clips, leur vaudront un succès inattendu et imprévu.

Qu’en est-il et qu’en reste t-il de ce « Eliminator » ( un titre gag, en faux espagnol, alors que jusqu’à présent toutes leurs rondelles étaient nommées dans la langue de Cervantès), outre son aspect sonore particulier ? Des hits à la pelle « Gimme all your lovin’ » « Got me under pressure », « Sharp dressed man », « Legs », « TV Dinner ». Et des hits même pas honteux, malins, vifs, entraînants, mélodiques. Avec Gibbons et sa Strat en meneuse de revue. Parce qu’il y a quand même quelques trucs à ne pas oublier. Notamment le fait que le trio texan est une redoutable machine à boogies graisseux et que dans ce genre ils laissent quand même Status Quo loin derrière (d’ailleurs je me demande s’ils se moquent pas un peu d’eux dans « If I could only flag her down » plus Quo que nature). Et puis ne jamais oublier que derrière sa barbe et ses guitares en moumoute le sieur Gibbons est un très grand guitariste, laissant délibérément de côté les rodomontades électriques bavardes et égoïstes au profit de courts soli et chorus incisifs. A ses débuts, il n’a pas impressionné Hendrix soi-même tout à fait par hasard (à tel point, anecdote hyper connue mais qu’il n’est jamais inutile de rappeler, que le Voodoo Chile lui a offert une guitare qu’il a conservé comme une relique). Gibbons est un maître discret de la six-cordes et c’est pas à l’écoute de « Eliminator » qu’on affirmera le contraire. C’est lui qui tient la baraque ZZ Top au bout de ses doigts agiles.

Avec option dégivrage sur les binocles et air conditionné sur les grattes ?

Il y a quand même un côté obscur de la farce, pas insignifiant. Cette litanie de compositions linéaires, fades et sans saveur malgré leur côté radiofriendly. Dont quelques unes qui ont du mal à tenir la distance. « I need you tonight », c’est mieux par INXS, même si les deux morceaux, à part leur titre, n’ont rien en commun. Ici, on a un slow blues fadasse qui s’éternise, à des kilomètres du feeling d’un « Blue Jean Blues » (sur « Fandango »). « Thug » est bien pourrie par ses synthés, on dirait du Phil Collins (énervé, mais du putain de Phil Collins quand même).

Un mot sur le dernier morceau du disque, « Bad girl ». Compte tenu du sens de l’humour aiguisé des barbus, je vois dans ce titre à part (faux live avec ses hurlements et ses cris rajoutés), aspect sonore et mélodique bien différent du reste, un pastiche (voire un hommage au énième degré) d’AC/DC avec sa voix hurlée dans les aigus, ses guitares rythmiques tronçonneuses et son solo à la Chuck Berry. Ils devaient bien rigoler sous leurs barbes en l’enregistrant …

Pour rester dans l’imagerie Auto Plus du disque, « Eliminator » est un virage dans la carrière de ZZ Top. Plutôt pas trop mal négocié, sans sortie de route. Le suivant, « Afterburner », enverra tout le monde dans le décor …

RADIOHEAD - A MOON SHAPED POOL (2016)

Génération Prozac ...

L’ordonnance est simple : t’écoutes un disque de Radiohead et tu bouffes une boîte de Prozac pour pas aller te pendre. Et ça marche depuis…pff, bien vingt ans.

Faut dire que la famille Tristos du rock se pose là et pas qu’un peu dès qu’il s’agit d’actionner la pompe à chialer et le fumigène à grisaille. Leurs rondelles sont quelquefois écoutables (disques de la décennie disent leurs fans), le plus souvent d’un ennui mortifère (le groupe se cherche, se reconstruit, disent les mêmes fans), mais ces cinq types (six si on compte leur producteur de toujours Nigel Godrich) réussissent on ne sait trop pourquoi à toujours créer l’événement chaque fois qu’ils sortent une rondelle. Le talent, diront leur fans … Eh oh, vous fermez votre gueule les fans, vous commencez à me gonfler grave …

Usual suspects ...

Plus prosaïquement, les Radiohead sont comme tous les types ou les groupes qui durent trop longtemps (un quart de siècle cette année), ils n’ont strictement plus rien à dire. Ni à prouver. Peuvent faire n’importe quoi, il se trouvera toujours des gogos pour les admirer et s’extasier devant leur dernière parution. Sauf que les Radiohead, auxquels on ne peut pas enlever un certain sens des affaires et de la stratégie commerciale, dès lors qu’ils ont compris qu’artistiquement ils n’avaient plus rien à dire (depuis « Kid A » en 2000) sont devenus des cadors en terme de marketing, de positionnement produit comme ils disent dans les écoles de commerce. Des épiciers du Cd à l’échelon planétaire en somme, mettant de leur côté le téléchargement pirate (« In rainbows »), sortant du numérique avant du physique (« King of limbs »), s’amusant aux jeux de pistes via les réseaux sociaux (cette dernière rondelle) … En gros en appliquant à la musique le pitch de « Matrix » (les « terroristes » qui infiltrent la virtualité pour mieux vivre dans le réel). Et ça marche, leurs banquiers sont contents, et leurs fans aussi d’ailleurs.

Le retour des guitares ...

« A moon shaped pool » empeste les fonds de tiroir. Cinq ans se sont écoulés depuis « King of limbs », ça sent le réchauffé, le laborieux. Le dernier titre (« True love waits »), ils le jouent en concert depuis vingt ans. Et peu de choses surprennent, et donc on en tartine des tonnes sur le moindre indice « d’évolution ». Le retour des guitares ? Ouais, mais on n’est pas non plus chez Lynyrd Skynyrd, si vous voyez ce que je veux dire … L’aspect « accessible », ouais, c’est un peu moins lugubre que depuis quinze ans, mais ça risque pas non plus d’intéresser les fans de Patrick Sébastien.

En gros, on retourne vers les ambiances floydiennes qui ont fait leur triomphe à l’époque de « OK Computer ». Le Floyd triste (c’est bien le moins) et évanescent de la seconde moitié des 70’s (« Wish you were here », « Animals »). Avec des attrape-nigauds qui vont faire s’extasier les ravis d’avance. Comme le coup des titres dévidés par ordre alphabétique (comme certains concerts des Pixies d’après la reformation). Comme le premier titre et premier single « Burn the witch ». C’est bien simple, à l’intro, on jurerait un truc de Coldplay (c’est dire si la pompe à fric demeure au cœur du machin) période « Viva la vida », avant que le Yorke s’élève au refrain dans les suraigus (et là, moi je pense direct à Sommerville, le mec à tronche de patate des Communards, et si vous vous rappelez plus ou avez honte de vous rappeler qui sont les Communards, allez vous faire foutre ou les mater sur YouTube). Et tiens, puisque j’ai lancé le nom de Yorke, autant souligner que ce type est capable d’être un très grand chanteur, habitant monstrueusement quelques titres. Dommage qu’il s’entête la plupart du temps à imiter le chanteur du Radiohead « classique », celui qui donne l’aubade pour les enterrements …

Certains Radiohead ont le melon ...

C’est là tout le problème de ce disque. Même pas mauvais, voire un de leurs deux ou trois meilleurs. On a l’impression de banquiers qui sortent un nouveau produit d’épargne. C’est de prime abord attirant, et puis tu t’aperçois qu’en fait, c’est juste pour qu’ils se gavent un peu plus. Ça sent la formule mûrement réfléchie (« faut pas dérouter les clients, faut les surprendre et les intriguer juste un peu  , et l’an prochain on va leur faire les poches lors de la tournée des festivals d’été »), la prise de risque ultra calculée, le retour des vieux qui sont en haut de l’affiche et sont prêts à tout pour pas lâcher la rampe, céder leur place … Comme tant d’autres, d’ailleurs.

Le rock (quoi que Radiohead et le rock pour moi ça n’a pas grand-chose à voir), cette musique de révolte de la jeunesse contre leurs parents, est maintenant faite par des grands-pères cupides à l’inspiration sèche …
Putain, ça y est, ils m’ont foutu le cafard, ces cons …      

Des mêmes sur ce blog :

OK Computer

In Rainbows             


                                                                          

THE VACCINES - ENGLISH GRAFFITI (2015)

Gribouillis ...

Après tout, c’est leur problème aux Vaccines. Ils étaient apparus avec un premier disque plein de morgue indie-rock anglaise au titre interrogateur (« What did you expect from the Vaccines »). Aujourd’hui, on peut répondre : « Plus rien ».

C’est pas que je veuille les défendre, rien à cirer des Vaccines, mais je subodore le deal avec la major, genre « hey les minots, vous vous rendez compte le cul bordé de nouilles que vous avez, être sur une major, avec du fric pour faire de vous des stars, alors les gosses, oubliez les Clash, les Libertines, les Strokes, c’est des trucs bons pour les vieux rockers qui sont tous au chomdu et achètent plus de skeuds, nous on sait, notre métier c’est de refourguer de la zique à qui en veut bien, on va vous dire ce qu’il faut faire, et à vous les bimbos, la coke et les jets privés, on se contentera de 97% des bénefs de votre affaire … ».

Tout ça pour participer au NME Music Awards ?

Ce « English graffiti », c’est la vieille pute sexagénaire qui s’est fait remonter le cul et les tétons, s’est fait injecter du botox partout où y’avait de la place, s’est maquillée comme un poids lourd portugais, et corsetée avec les rebuts de placard de Mylène Farmer, espère trouver des michetons à cent euros la pipe. Sauf que non, c’est trop too much, ça se voit de trop loin que c’est une arnaque …

« English graffiti », on espère pour eux que c’est pas un hommage à Led Zep ou à George Lucas, et on préfère pas savoir à quoi ils font allusion (même si la chanson du même titre est d’assez loin la meilleure du disque, mais ces gougnafiers ne l’ont mise que sur la version DeLuxe ou expended ou un truc du genre …). « English graffiti », ça sonne le rappel de tous les trucs ringards qui ont marché depuis au moins trente ans. Et que la ringardise soit faite exprès (les Cars ou les Pet Shop Boys étant dans deux domaines différents les premiers noms qui me viennent à l’esprit) ou pas (tous les nullards de hair metal, d’euro-electro-synthé pop, tous ces loukoums rances pour heavy rotation sur les college radios, …).

On relève avec tristesse, mais pas étonnement que le responsable de cet amas gluant est David Fridman, que l’on a connu plus inspiré y’a quinze-vingt ans avec les clowns tristes des Flaming Lips, et qui entre reprises risibles de 33T des Beatles ou du Floyd, est devenu un producteur « spécialiste » des vieux synthés « à la mode ». Alors quoi qu’on trouve sur « English graffiti » ? De tout donc, et pire encore. Les choses les moins mauvaises sont au début (comme sur leur précédent « Come of age », d’un calibre très nettement supérieur, malgré – déjà – un parti-pris un peu trop clinquant), la power pop énervée de « Handsome », le trop mignon pour être honnête mid-tempo « Dream lover » avec ses gros emprunts au (on ne rit pas) « Final countdown » de Europe, ou l’hommage ( ? ) aux Ramones « 20/20 » (qui en l’occurrence vaut tout juste la moyenne, parce que les Ramones n’ont jamais foutu de saxos ou de synthés dans leurs morceaux).

Sandinista ? 1er Ramones ? Euh, non, les Vaccines ...

Le disque dans sa version « normale » est court (35 minutes), mais a le temps de s’aventurer vers des mélodies à la Phil Collins, des synthés à la Eurythmics des mauvais jours, voire même un truc sautillant et crétin de Van Halen de la fin de la période David Lee Roth (oui, je sais, il est revenu depuis, et il aurait pas dû …), la chose en question s’appelle « Give me a sign », c’est un mix affligeant de « Jump » et « Panama ». Et puis, certainement pour faire indie-dans-l’air-du-temps, les Vaccines clôturent par un un court instrumental psyché-space totalement hors sujet.

Même leur chanteur-leader Justin Young semble nettement en retrait par rapport à « Come of age » (où pourtant il était censé souffrir de problèmes aux cordes vocales), et livre des parties chantées quelconques au milieu d’un barouf kolossal (hein, mon salaud, tu la sens, la monnaie de la major, hein, tu la sens et t’aimes ça, hein mon cochon …) signé Fridman, avec des batteries herculéennes, des riffs dantesques de glam metal, et une quincaillerie synthétique à faire pâlir les fans de Tangerine Dream …

Décidément, je dois être devenu trop vieux … ou eux sont devenus trop nuls …

Des mêmes sur ce blog :

Come Of Age

FOALS - TOTAL LIFE FOREVER (2010)

Foals on the hill ?

C’est la putain de misère, j’vous dis moi … Je plains les mecs qui écrivent dans des canards musicaux et qui doivent se fader tous les trucs qui sortent … ce qu’ils prennent par les oreilles, les pôvres … Doivent se bousculer pour prendre la place du préposé aux rééditions, ou alors se partager les vieux skeuds qui ressortent, sinon y’a de quoi déprimer sévère …

Bon, vous me connaissez, vous me voyez venir avec mes grosses savates, un disque des Foals (des qui ? bougez pas, on y arrive …) sous le bras. Les Foals, un sac sur la tête, les mains attachées derrière le dos, et tu demandes au premier djihadiste qui passe de les décapiter au yatagan rouillé sans autre forme de procès. Je devrais pas écrire ça, je vais encore me faire repérer par un cyber-keuf et voir arriver chez moi au petit matin blême une escouade de pandores qui vont tenter de me faire avouer où se planque le mollah Omar … Déjà que ces types, les Foals, existent encore sans s’être endettés en frais de justice jusqu’à la trentième génération relève du prodige. Parce qu’avec une pochette comme ça, si Courtney Love-Cobain y tombe dessus après avoir pris une poignée de coke et un énième râteau de Billy Corgan (faut être sacrément raide déf, pour essayer de se faire cette grande asperge chauve, mais bon, chacun son truc …), donc si la Yoko Ono grunge a pas lâché ses avocats pour plagiat de la pochette de « Nevermind », putain le cul bordé de nouilles qu’ils ont, les Foals …

Y'a pourtant vraiment pas de quoi être fiers ...

Oh et puis … comme c’est Noël, le bon Dieu, le petit Jésus, la Miséricorde, et tout ce bordel religieux qui te pousse au pèlerinage au supermarché du coin rayon cholestérol, ou bouts de plastoc cancérigènes pour petits nenfants (imaginez, les moutards, ils ont, à peine venus dans ce bas monde, le choix entre les métastases sponsorisées par Ken, Barbie et Nestlé, ou s’ils en réchappent 212 trimestres à pointer à Pole-Emploi … y’aurait des façons plus drôles de démarrer dans la vie, hein, bon … remarquez je m’en fous…), je vais faire ma Mère Teresa et pas en dire de mal… Bon, si un peu, quand même, sinon je perds le peu de crédibilité et de lecteurs qui me restent.

Les Foals sont Anglais et ont sorti leur première rondelle en 2007 ou dans ces eaux-là… ça y est, vous les voyez venir, les boulets (quoique, ça aurait pu être pire, ils auraient pu être de Brooklyn) ? Les Foals n’ont que peu d’arguments en leur faveur, mais il doit bien se trouver quelque part sur le web trois clampins qui ont fondé leur fan-club et qui vont diront, au risque de se claquer les quelques neurones valides qu’il leur reste, que les Foals, c’est grandiôôôse … faut pas déconner …

En voilà de belles baudruches ...

Les Foals, c’est pas plus mauvais que nombre de leurs congénères, mais c’est guère meilleur non plus. Pour se donner bonne conscience et enfumer quelque puceau musical qui passerait par là, ils se proclament fans de Joy Division et de Portishead. Que celui qui entend dans cette rondelle la moindre chose qui rappelle l’épileptique pendu ou les tristos de Bristol me le fasse savoir, y’a mon mépris et l’intégrale de Yes (putain, y’avait longtemps, ça fait du bien) à gagner… Les plus malins ou les moins bourrés auront remarqué que Joy Div et Portimachin ça renvoie aux années 80 et 90. Le NME, Pitchfork et les Inrocks en ont évidemment fait des génies, s’esbaudissant à qui mieux mieux sur le talent des Foals. Pensez, ils étaient signés chez Sub Pop, label d’habitude gage de sérieux et de rock’n’roll dans ta face, même si les Foals c’est pas sérieux et encore moins rock’n’roll. Il faut reconnaître à ces cinq gugusses au moins une bonne idée. Celle d’avoir mis leur meilleur titre d’entrée sur le skeud … parce que s’ils l’avaient foutu à la fin, je sais pas qui de normalement constitué aurait poussé le vice à écouter la onzième plage de ce genre de rondelles. Tandis que là, après avoir entendu ce « Blue blood » sorte de new wave madchestérisée chantée par le mec de TV On The Radio (ça, c’est du descriptif, hein, avouez ...), on se dit qu’ils ont peut-être été capables de faire aussi bien quelque part sur ce skeud … Ben non, y’a deux-trois trucs qui se laissent écouter et les autres uniquement si on a envie de se faire le trip nostalgique Top 50 – Desireless – Luna Parker (gaffe à l’atterrissage, c’est du violent …).

Ma magnanimité sera  cependant accordée à « Spanish Sahara », malgré un final à la U2 des mauvais jours et à « Alabaster », même s’il me semble totalement pompé sur un truc dont j’arrive pas à me souvenir. Le reste, vaste soupe à la grimace sonore, renvoie dans les meilleurs des cas à de fades imitations des Talking Heads, Peter Gabriel ou Bowie dans leurs périodes eighties, ce qui de quelque part qu’on l’envisage n’est pas vraiment une bonne idée, avec quelques fois pour achever de gâter la sauce, des effets radioheadiens …

C’était pas forcément mieux avant, mais c’était moins chiant …

Et que sont les Foals devenus ? Aucune idée …


En écoute et plus si affinités ici

FOO FIGHTERS - SONIC HIGHWAYS (2014)

Le classic-rock des années 2010 ?

Dave Grohl est un type bien. Alors qu’il doit avoir mis sa famille à l’abri du besoin pour des générations grâce aux royalties de Nirvana et des Foo Fighters, il se la joue pas jetsetter arrogant, qui continue dans le music business juste pour la caillasse. On le voit pas tirer une tronche de dix mètre sur scène ou sur les photos, et il est toujours prêt à cabosser une batterie si on lui demande (QOTSA, Probot, voire derrière Sir Macca pour une reprise d’un classique de Nirvana). Ce type, pour moi le meilleur batteur de rock vivant, prend son pied guitare en main quand c’est lui qui mène la danse avec les Foo Fighters.

Et mine de rien, ce chien fou des années 90 est devenu un dinosaure du rock. Parce qu’il est toujours là (des nouvelles de Soundgarden, Pearl Jam, Smashing Machins , QOTSA ou Radiohead ?), et peut-être parce qu’il s’est jamais embourbé dans la cérébralité, la conceptualisation, ou l’auto-glorification de son auguste personne (j’ai les noms …). Les Foo Fighters, ça casse peut-être pas trois pattes à un canard, mais au moins tu peux poser n’importe lequel de ses disques sur la platine, tu vas pas te faire chier au bout de deux titres … Du bon rock sans prétention …

Jusqu’à ce « Sonic Highways » … comme faute de combattants, il est quelqu’un qui « compte » maintenant, il se retrouve avec ses Foo Fighters à la tête d’un projet balèze. Le concept (aïe), c’est à travers huit titres de capter à chaque fois « l’essence » d’une ville qui a compté dans la carte du rock US. En se faisant « aider » par une figure locale, généralement de la six cordes, et le plus souvent plus un perdreau de l’année (on est tout à coup ravi que Clapton ou Santana soient pas nés aux States), ce qui peut conduire à des morceaux avec 4 (quatre !) gratteux (enfoncés, les Ramolly Hatchet). Et cerise confite sur le cake aux raisins, chaque escapade citadine donnera lieu à un doc d’environ une heure payé et diffusé par la chaîne HBO. En gros ce que dans les années 80 on appelait un projet multimédia. Rajoutez à la production une des figures de proue des 90’s aux consoles (Butch Vig, pousseur de boutons pour Nirvana ou Garbage), et on s’attend à voir débarquer la grosse machine de guerre qui va récolter le brouzouf, avec une partie musicale plus ou moins à la ramasse …

Bon, « Sonic Highways », ce sera pas le disque du siècle. Mais c’est loin d’être de la daube. D’abord, y’a un son qui risque de faire date, qui déchire bien sa race comme disaient les jeunes à l’époque, une puissance de feu décibélique assez impressionnante. Les compos, on peut bien leur reprocher d’être assez mainstream, de vouloir plaire aux « kids » (le serpent du mer du wockanwoll, tout le monde en cause, s’adresse à eux, mais personne en a jamais vu un) et à leurs parents, voire leurs grands parents, s’ils étaient pas fans des concerts du Grateful Dead. Du consensuel, oui, mais dans des genres assez pointus, le titre « The feast and the famine » pouvant passer pour du hardcore centriste. Généralement, les morceaux sont très typés 90’s, nostalgie quand tu nous tiens. A noter quand même que Grohl peut se le permettre, parce que le son des 90’s, il y était un peu beaucoup au cœur.

Malgré ce, j’ai rien trouvé dans « Sonic Highway » qui me force à appuyer frénétiquement sur la touche Repeat. C’est correct, voire très correct, ça reste dans la ligne Foo Fighters, et évidemment, vu les moyens engagés, ça sonne très carré, très pro (c’est pas une insulte). De temps en temps, des influences assez évidentes remontent à la surface, le phrasé du Bowie des 70’s au début de « Something for nothing », allant même jusqu’à un démarquage du « All the young dudes » (sur le très glam « What did I do ? / God as my witness »). L’essentiel est cependant bien ricain, bien classic rock (« Congregation »), jusqu’à un final épique (7 minutes), ce « I am a river » comme un mix réussi entre le Springsteen de « Born in the USA » et les U2 dans leur période américaine (« The Joshua tree »).

Vu les moyens déployés, on peut sans trop se mouiller annoncer que les Foo Fighters seront les incontournables têtes d’affiche des festivals de l’été prochain. Live et en formation moins pléthorique, les titres de ce « Sonic highways » devraient bien envoyer le bois. On peut aussi, et c’est un sacré bon point par ces temps de délayage permanent, savoir gré à Grohl de s’être cantonné à huit titres et quarante minutes, alors qu’il aurait été facile au vu des moyens engagés de se vautrer dans un interminable double Cd.

PS. Même si le batteur crédité sur tous les titres est l’habituel Taylor Hawkins, y’a un tel niveau de drumming sur « Outside » que je serais pas surpris si c’était sur ce titre Grohl aux baguettes.

Et la pochette, collage-montage de monuments remarquables des villes "inspiratrices", elle me fait bigrement penser à celle de "Breakfast in America" de Supertramp ...

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Foo Fighters

One By One

THE BLACK KEYS - TURN BLUE (2014)

Balle au centre ...

Y’a pas un fan de la première heure qui pourrait faire un selfie après avoir écouté « Turn blue » ? Juste pour voir … et rire un peu … Allez, les Black Keys ont viré mainstream, c’était déjà bien audible sur le précédent (« El Camino »), là, aujourd’hui, y’a plus d’ambigüité. Bon, on va pas sortir les noms d’oiseaux, les clouer au pilori. Niveau galère et ventes faméliques, ils ont cotisé, et ma foi, si maintenant ça rigole, tant mieux pour eux. Et on pourrait trouver des milliers de groupes qui aimeraient sortir un disque du niveau de « Turn blue » … s’ils en étaient capables.

Carney & Auerbach : The Black Keys

Parce que « Turn blue », je l’aime pas. Pas beaucoup en tout cas. Mais on peut pas dire que le boulot soit saboté. Les trois types, puisque Danger Mouse apparaît, et c’est confirmé par les propos de Carney et Auerbach, comme beaucoup plus que le producteur, ont mis beaucoup d’atouts de leurs côtés. Niveau compositions, niveau mise en sons, niveau production, ça tient la route. Même la pochette, avec ses faux airs de Vasarely, fait arty, et marque une évolution notable dans la façon dont les Black Keys envisagent le packaging de leurs œuvres …

« Turn blue » se paye le luxe de commencer, non pas par un machin racoleur destiné à attirer le puceau boutonneux de base du Midwest, mais par un titre long (presque sept minutes), ambitieux et « climatique », s’égrenant sur un tempo lent avec des passages très floydiens ou des solos de guitare genre Dire Straits avec moins de technique et plus de roubignolles. Danger Mouse multiplie les synthés, beaucoup sont à connotation très 80’s, et même si ce revival électronique est aujourd’hui très tendance (après tout, les guitareux copient jusqu’à l’écœurement les sons des 60’s-70’s, pourquoi les joueurs de disquettes pourraient pas donner aussi dans le rétro, hein, je vous demande, même si je m’en tape …). C’est même parfois too much, un titre comme « Fever » avec ses gimmicks putassiers, sonne comme du Cars bas de gamme, le « Year in review » qui suit, j’sais pas, mais moi ça me fait penser au « Natural blues » de Moby, c’est dire si c’est pas naturel et si c’est pas du blues … Pire (quoique), dans « 10 lovers », il y a comme des faux airs dans la mélodie de « In the air tonight ». A l’usage des jeunes générations incultes, il s’agit d’une scie du Phil Collins solo, qui avait en son temps (le début des 80’s, on y revient) foutu la honte même aux fans endurcis de Genesis, pourtant habitués aux horreurs sonores …

Danger Mouse, le 3ème Black Keys

Heureusement pour les vieux fans, il y a quelques sonorités pour eux. Des machins plus rêches, plus sournois, plus Black Keys d’avant quoi. Même si rien ne sonne rustique primitif, le titre le plus « rock » du Cd, avec son espèce de Diddley beat mutant, n’arrivant qu’à la septième piste (« It’s up to you now »). Et le boogie final (« Gotta get away »), dont n’aurait pas voulu les ZZ Top 80’s n’inversera sûrement pas la tendance. Surtout qu’il survient après des morceaux dont je ne sais trop que penser (hommages ? manque d’inspiration ?), réminiscents des choses piaillées par Jagger dans (décidément …) les 80’s (« Waiting on words » me fait penser au « Waiting on a friend » sur « Tattoo you »), du Lennon époque Plastic Ono Band (« In our prime », avec ce son de piano et cette reverb dans la voix, gaffe, si Yoyo Ono l’entend, elle va lâcher ses avocats, avant un final où Auerbach se prend pour un guitar hero, ce qu’il n’est pas et ça s’entend).

Ah, j’allais oublier, pourtant Auerbach en cause beaucoup, certains textes font référence à son divorce (bâillements …).

« Turn blue » est un disque calibré, avec en point de mire succès radiophoniques et arenas remplies. Partant du principe de qui peut le plus peut le moins, les Black Keys peuvent revenir, une fois leur compte en banque bien matelassé, à leurs premières amours blues rustiques … ou continuer avec le consensuel dans lequel s’embourbe « Turn blue » …

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El Camino

FRANZ FERDINAND - RIGHT THOUGHTS, RIGHT WORDS, RIGHT ACTION (2013)

Bientôt la rentrée, les premiers de la classe sont déjà là ...

Et ils exhibent fièrement leurs devoirs de vacances. Ben y’a pas de quoi, vous vous êtes pas trop foulés, les gars. Quatre ans et demi après le diversement accueilli « Tonight : Franz Ferdinand », la livraison est un peu chiche, dix titres pour 35 minutes, ça traduit pas vraiment une période de créativité intense. Bon, d’un autre côté, les triples Cds conceptuels, c’est pas non plus leur genre.

Même s’il a du y avoir du brainstorming dans les bureaux de leur (gros) label indé, Domino. Franz Ferdinand sont la vitrine commerciale de l’affaire, et donc faut assurer, résoudre tout un tas d’équations, genre faire pareil pour pas déstabiliser le public traditionnel, mais faire aussi un peu différent pour attirer de nouveaux clients, faire un disque qui se veut populaire, et montrer aussi qu’on est des gens qui comptent, qui ont les moyens, faire dans le cossu distingué, le bourgeois discret …

Les titres qui débutent chaque face (ben voilà, maintenant, à cause de la mode du retour au vinyle, on est obligé de repenser l’enchaînement des titres) sont les plus accrocheurs, les plus prévisibles, ceux qui doivent servir de locomotive pour amener le skeud vers le haut des charts. « Right action » et « Bullet » sont courts, nerveux et mélodiques (tellement d’ailleurs que sur « Right action » on dirait bien qu’il y a des bribes de « Norvegian wood » des Beatles, excusez du peu). Et puis, ils confirment l’arrivée en force des synthés, déjà présents sur « Tonight … ».

Des synthés qui sonnent très années 80 (les types de Franz Ferdinand, il sont tous autour de la quarantaine, ils ont commencé à écouter de la musique dans les 80’s, ça a apparemment laissé des traces), ce qui fait que mine de rien, le concept de départ (faire danser les filles avec du rock à guitares et des rythmiques martiales à la Gang of Four) a pris du plomb dans l’aile. Les Franz Ferdinand suivent une trajectoire à la Coldplay, on ralentit le tempo, et on donne dans le radio friendly centriste. Tout est à peu près dit (et entendu) dès le second titre (« Evil eye ») qui recycle le riff et la construction sonore de « Need you tonight » d’INXS. Et on pense souvent à des choses comme Depeche Mode ou Eurythmics, du consensuel pas trop putassier, mais du consensuel quand même.

En gros le début du disque est plus enlevé, plus « dansant », plus power-pop, plus franchement mélodique. Se paye même le luxe d’afficher un gros chiffon rouge avec un titre comme « Fresh strawberries » pour que soit évidemment évoqués en vrac, Beatles, Lennon, et « Strawberries fields for ever ». C’est bien tenté, avec le coup très Fab Four des harmonies vocales de Kapranos et McCarthy sur le refrain, mais on reste bien loin du modèle à demi-avoué.

Les derniers titres du disque sont plus lents, entretiennent une humeur plus mélancolique, allant jusqu’à taquiner les atmosphères gothiques des Cure et de la cold wave en général (« Treason ! Animals » ou « The universe expended »), le tout perclus d’arrangements chiadés mais bien convenus.

Malgré tout peu d’innovations (les Franz Ferdinand qu’on aime ou pas, ils ont un style, une patte sonore, on est en terrain connu, jusqu’à la pochette où le noir domine sur fond de slogans néo-réalistes soviétiques, la routine, quoi …), et un choix délibéré de se positionner en grand rassembleur musical centriste …

Tout ça finira peut-être à Wembley ou au Stade de France. Evidemment sans moi. Quand je voudrai écouter un bon disque de Franz Ferdinand, je me repasserai leur premier …

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Franz Ferdinand

You Could Have It So Much Better

NORAH JONES - COME AWAY WITH ME (2002)

Non merci, je reste là ...

D’entrée la question essentielle, fondamentale, cruciale, la Mère des questions : qu’en serait-il advenu de ce disque si Norah Jones avait été le sosie d’Arlette Chabot ? Et venez pas me dire que c’est un argument déloyal, qu’elle l’a pas joué string en avant comme la première Lady Fada venue … parce que moi, des trucs aussi BCBG que Norah, je trouve ça suspect. Ça pue l’arnaque, tout ce bazar, le plan marketing genre Alanus Mauricette ou Lana de La Raie, la beauté centriste qui se pointe avec ses rengaines molles de l’entrecuisse et qui vend des camions de disques à tous ceux qui n’en achètent qu’un par an …

Va falloir agrandir la cheminée, Norah ...

Y’a tout pour donner envie aux lectrices du Figaro Madame d’investir dans le Cd. Une fille de (en l’occurrence Ravi Shankar, curiosité exotique et dispensable du festival de Woodstock), délaissée par papa, signée par un prestigieux label de jazz (Blue Note), pour un disque produit par une grabataire légende (Arif Mardin) de la musique soul des sixties … Pour un résultat donnant lieu à des comparaisons aussi déplacées que malhonnêtes avec les figures tutélaires du jazz vocal féminin (les bios de Billie Holiday ou Nina Simone, c’est du Zola trash à côté des petits bobos de l’existence de la Norah) …

Tiens, et à propos de bobos, ce doit être la musique qu’ils aiment passer. Mais pas écouter. On ne peut pas écouter, y’a rien à écouter. Un murmure jazzy de vernissage dans un bar branchouille, des chansons infiniment lisses, sans aspérités. Je veux dire, faut quand même forcer pour arriver à faire de « Cold cold heart », l’assez sombre classique country de Hank Williams, cette purge murmurée que la Jones nous livre sur « Come away with me ». Elle chante bien, la Jones ? Oui, certes, elle chante juste. D’une façon encore plus glaciale que Sade dans les 80’s, la Nigériane s’appuyant elle sur des chansons quand même plus sexy. Il n’y a qu’un seul titre (« Turn me on ») sur lequel Norah Jones donne l’impression d’exister, de vibrer pour ce qu’elle chante. Le reste n’est qu’un mignon exercice de style.

Ça assure musicalement ? Même pas, et malgré la présence au générique de colifichets attrape-nigauds (le déjà cité Mardin, ou le virtuose de la guitare jazz Bill Frisell), ça mouline un soft jazz de piano-bar totalement calibré, formaté, batterie balayée, contrebasse feignasse, inoffensif et insipide au possible… Quatorze titres sur le même invariable tempo traînard dans lequel le seul « Feelin’ the same way » fait figure de sarabande endiablée tellement les autres sont soporifiques…

Vingt millions de copies vendues, dont deux millions en France … no comment …

BOB DYLAN - SLOW TRAIN COMING (1979)

Le disque de la Révélation ...

En cette fin des années 70, Giscard  (diamantaire africain et aristo fin de race, supposé descendant de Louis XV par la chambre de bonne et l’escalier de service) et Raymond Barre (prétendu ponte de l’économie, amateur de nourriture grasse et de siestes parlementaires) nous disaient qu’ils voyaient le bout du tunnel, parce qu’à cette époque-là, m’en parlez pas ma bonne dame, c’était déjà le delbor...

Dylan lui, qui pour se faire remarquer, avait l’habitude de ne rien faire comme tout le monde, voyait carrément Dieu. Alors que tout autour de lui, les dinosaures 60’s et 70’s se couchaient sous l’effet de la tornade punk, lui, impavide, continuait sa route comme si de rien n’était. Sauf que tout le monde s’en foutait de Dylan. « Blood on the tracks » au milieu de la décennie avait laissé espérer, le single rageur et engagé « Hurricane » aussi, mais bon, fallait se rendre à l’évidence, Dylan était largué, et comme toute idole qui sent son piédestal vaciller, devait se poser des questions. Dès lors, le Zim allait entrer dans sa période « mystique » et tartiner de sa nouvelle foi quelques 33 T, plus particulièrement « Slow train coming » et le suivant « Saved » qui allaient embarrasser tout le monde, y compris ses fans les plus fervents. Le maître à penser de plusieurs générations de musiciens allait tomber dans le prêchi-prêcha quelque peu béat, loin, très loin de ses fulgurances littéraires passées.

Dylan live 1979

Outre un état d’esprit sur lequel on pourrait s’interroger (perso je m’en cogne un peu de l’analyse psy et de la théologie, mais le cas Dylan à cette époque a généré des écrits innombrables), il faut reconnaître que la maison Dylan ne part pas à vau-l’eau. Il y a une cohérence dans sa démarche qu’on retrouve dans la musique. Avec « Slow train coming » Dylan s’approche comme jamais de la musique noire, celle qui vient des églises, la soul et le gospel. Et il est cohérent jusqu’au bout, faisant produire ce « Slow train coming » par le légendaire Jerry Wexler (une foultitude de disques à son actif, dont les meilleurs Aretha Franklin). Comme Dylan ne fait rien comme personne, il va prendre comme meneur de revue Mark Knopfler, dernière sensation guitaristique du moment, dont les deux premiers disques de Dire Straits se vendent comme des petits pains. Knopfler mettra dans ses bagages son batteur Pick Withers.

Des Anglais plutôt folk, Dylan, de la musique noire, un producteur de soul … mélange improbable et hautement instable. L’hypothèse de départ est trop tordue pour que le résultat soit à la hauteur. Déjà, les textes pour une fois transparents (genre cantiques, prières, foisonnant de déclaration de foi et d’allusions bibliques) sont loin d’être ses meilleurs, et les amateurs du verbe hermétique dylanien vont tirer la tronche. La musique est d’un centrisme désolant, les musiciens moulinent sans conviction une sorte de rock FM, bien propre, bien lisse, bien emmerdant, mollement rehaussé par des cuivres rhythm’n’blues et des chœurs soul en roue libre. A titre d’exemple, comparer « I believe in You », de ce « Slow train coming » avec « Presence of the Lord » de Clapton et Winwood dans Blind Faith, et on a une idée de l’abîme dans lequel patauge Dylan. Tiens, à propos de Clapton et pour boucler la boucle, « Gonna change my way », sur lequel Knopfler et Dylan plagient quelque peu le riff du « Cocaine » de JJ Cale, titre repris par … Clapton. Bon, sinon, on somnole ferme avec ce brouet FM, on ne se réveille que quand arrive le tragique reggae « Man gave names … », à faire passer Jahnick Noah pour Bob Marley, et on rigole un bon coup de cette mascarade … Et allez savoir pourquoi, « Gotta serve somebody » a fait un petit hit.

« Slow train coming » n’est pas ignoble (y’a suffisamment de pointures au casting pour que la plupart du temps « ça assure »), il est juste très formaté rock centriste. Disque très important pour les fans hardcore et les analystes du dimanche, très dispensable pour tous les autres …

Du même sur ce blog:

The Freewheelin' Bob Dylan
Subterranean Homesick Blues
The Basement Tapes
Oh Mercy
Time Out Of Mind

Together Through Life

Christmas In The Heart

PETER GABRIEL - SO (1986)

So surestimé ?

« So » fait partie de ces disques élevés au pinacle par plein de gugusses pour plein de raisons qu’ils croient bonnes.

1-  Parce que Peter Gabriel a fait partie de Genesis.

2-  Parce qu’il en est parti.

3-  Parce que « So » est un disque des années 80.

4-  Parce que « So » en fout plein les oreilles.

5-  Parce qu’il s’en est vendu des camions, et que si les gens l’ont acheté, c’est que forcément il est bien.

Tout ça fait certes d’excellents arguments de comptoir. Mais 25 ans après les faits, ça fait quoi d’écouter « So », mis à part de se sentir un peu vieux (et donc forcément con) ? Ben « So » il a aussi pris un coup de vieux. Le genre de disques très lié (trop ?) à une époque, un contexte …

L’époque, le milieu des années 80, la décennie du fric roi. Les chefs comptables et les directeurs marketing prennent le pouvoir dans les maisons de disques, un nouveau support (le Cd) arrive, des médias et leurs outils de promotion à la solde des majors (les chaînes musicales et les vidéo-clips) font aussi leur apparition, tous les records de chiffres de vente explosent (boostés par le phénomène Michael Jackson). Signé sur une major (Virgin), un capital notoriété certain, Peter Gabriel a tout du profil du winner potentiel.

Le contexte dans le monde de ceux qui font des disques, est bizarrement, au milieu de ce raz-de-marée planétaire de billets verts, de donner dans l’humanitaire. Commencent à se mettre en place toutes ces entreprises charitables se traduisant par des mega-festivals censés rendre notre monde meilleur (on a vu le résultat). Là aussi, Gabriel est au cœur du cyclone. Il vient de prendre sa carte à Amnesty International, sera de tous les concerts pour toutes les bonnes causes, fondera le WOMAD, son label-studio baba-cool alter-tiers-mondiste Real World, … Plus « concerné » que lui, tu peux pas … Peter Gabriel, c’est le centriste qui dérangera personne, qui remettra rien en cause s’il réussit. A un détail près, faut quand même sinon un bon disque, au minimum un disque bien dans l’air du temps. « So » sera ce disque, qui fera passer le Gab d’artiste « branché » à triomphateur grand public.

« So » n’est pas indigne, d’ailleurs les fans du bonhomme sont à peu près d’accord pour dire que c’est son meilleur.

Sur « So », « ça joue ». Plein de types connus, généralement requins de studio renommés (dont, cocoricouac, Manu Katché on the drums), des potes de Gabriel très célèbres venus faire une pige (Jim Kerr des très successful Simple Minds, Kate Bush, la branchaga Laurie Anderson, et un Youssou N’Dour qui va commencer à beaucoup faire parler de lui). Sur « So », « y’a de la chanson ». Genre celle qui finit en haut des hit-parades. Deux y arriveront. « Sledgehammer », rhythm’n’blues rigide et assez mauvais, avec vrais cuivres qui sonnent faux et des chœurs braillards (avec notamment PP Arnold, il se refuse rien, le salopiaud). « Don’t give up », ballade sophistiquée mais un peu vaine dans laquelle vient se perdre Kate Bush pourtant à cette époque au sommet de son art (mais qu’est-ce que t’es allée foutre dans cette galère, Kate ?). Ces deux titres appuyés par des clips qui tourneront en heavy rotation marqueront leur temps.

Les vraies pépites de ce disque sont à chercher ailleurs. Du côté de « Mercy Street », où là il se passe quelque chose, ce doit être ce qu’on appelle du feeling, de l’émotion… Ou encore sur « We do what we’re told », le morceau le moins convenu, très expérimental, onirique, avec des batteries comme aquatiques.

Le reste ? De la chanson épique correcte mais sans plus (« Red rain », « In your eyes ») qui va chasser sur les terres de U2 et Simple Minds, une autre bouse disco-funk-rhythm’n’blues (« Big time »), un « difficile » mais intéressant « That voice again », et un titre bonus sans intérêt (« This is the picture …» avec Laurie Anderson) absent du vinyle original et qui occasionne un chamboulement mal venu du tracklisting sur le Cd, tellement il sonne comme une chute du précédent opus du Gab ( le « IV » ou « Security », comme on veut).

Comme d’hab chez le Gab, gros travail sur les structures rythmiques des titres, tellement compliquées que si t’en causes à Ringo Starr, il retourne au bar en courant, et une production assez atypique (très clinquante, brillante, technique en avant) du quasi débutant Daniel Lanois qui se spécialisera par la suite dans des sons plus naturels, boisés et chaleureux, en contrepoint des machines, ambiances et bruitages de Brian Eno en compagnie duquel il produira U2… Et puis, faut pas oublier de le souligner, tellement il y en a des quelconques derrière un micro, Peter Gabriel est un chanteur qui chante bien, très bien même …

« So », je l’ai apprécié en son temps. De toutes façons, absolument tous ceux ceux qui étaient payés pour nous informer de l’actu zique disaient qu’il n’y avait rien de mieux. Ce qui évidemment est totalement faux, on n’arrête pas de « redécouvrir » (trop tard pour leurs auteurs), de bons disques de cette époque passés sous silence… « So » est à ranger à côté des disques de Sting, Dire Straits, et tous ces centristes des 80’s …

Du même sur ce blog :
Peter Gabriel I