TWIN PEAKS - WILD ONION (2015)

David Wilson ? Brian Lynch ?

Un groupe de djeuns qui regardent dans le rétro ? Ben ouais … Forcément, y’a plus que ça comme solution, se référer à des temps plus ou moins lointains qui rockaient et roulaient, parce que inventer quelque chose, il semblerait bien qu’on ait fait le tour de la question depuis bien longtemps.

Twin Peaks 2014

Ceux-là, les Twin Peaks, Américains de Chicago, ils sont pas forcément meilleurs que d’autres. Ils ont juste l’air moins engoncés dans un trip de moine copiste, à savoir qu’ils font pas une fixette sur un son, un genre ou une époque bien précise. En d’autres termes, ils se croient pas en 67 ou 73 … Ils sont peut-être plus fûtés que d’autres pour se faire remarquer. Avec leur nom qui renvoie à une célèbre série d’un des types qui comptaient vraiment dans le cinéma des années 80-90, et une pochette visiblement extrapolée d’un des disques (« Wild Honey » 1967) de la période triste-dépressive des Beach Boys de Brian Wilson. Pourquoi pas aussi une allusion à « Wild honey pie » et « Glass onion », deux morceaux à messages énigmatiques de Lennon sur le Double Blanc… Juste des clins d’œil, parce qu’il n’y a rien dans ce « Wild onion » qui fasse songer à Badalamenti, Julee Cruise, de la sunshine pop cafardeuse, ou aux Fab Four …

Non, juste seize titres, pour pile 40 minutes, autant dire que les Twin Peaks ne donnent pas dans le prog tarabiscoté, mais pas non plus dans le punk speedé et crétin. Y’a de la recherche, des envies de construire des chansons plutôt pas mal foutues (ça fonctionne assez bien dans la plupart des cas), de mettre en place des « climats », des « ambiances » (là, c’est un peu plus problématique). Il me semble qu’ils sont plusieurs à chanter (ou alors y’a un super caméléon au micro), et tout ça est emmené par un batteur pousse-au-cul qui me fait beaucoup penser au Keith Moon des early Who …

Twin Peaks 2015 : la famille de nerds s'agrandit

Ces minots (tout juste la vingtaine sonnée) se prennent pas trop le chou, et font visiblement les morceaux qu’ils auraient aimé entendre chez les gens qu’ils aiment bien. Alors forcément, y’a de la référence qui pointe le bout de son nez, on peut au détour d’un titre, d’un son, d’un gimmick, d’un arrangement, voir apparaître l’ombre des Who (« I found a new way »), des Byrds (« Mirror of time »), des Beach Boys (« Sloop Jay D » !!!), d’Oasis (à plusieurs reprises), de Tom Petty (l’étonnant et frappant « Sweet thing »), de Roxy Music (le sax de « Strange world »), d’un T.Rex doo-wop (« Mind frame »), … C’est assez marrant, souvent bien vu, d’une qualité largement supérieure à la moyenne …

Pour moi, y’a quand même quelques petits problèmes … On saisit pas très bien où ils veulent en venir, ça part un peu trop dans tous les sens, et dans un monde musical où tout est de plus en plus hyper-formaté, vont avoir des soucis, les Twin Peaks, pour trouver une chapelle qui veuille de tels messies … Ensuite, ça se délite quand même à mesure que les titres passent, les premiers titres surclassent  ceux du milieu et de la fin, on a l’impression que malgré sa durée modeste « Wild onion » souffre du syndrome du remplissage forcené … Ces jeunots risquent de devenir les Hives de leur génération, brillants mais tournant vite en rond. Et contrairement aux Suédois, ils n’ont pas pour le moment ni l’image cartoon ni une major derrière …

Comme qui dirait un avenir compliqué …



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Down In Heaven

POND - MAN IT FEELS LIKE SPACE AGAIN (2015)

Very cheap thrills ...

C’est le principe de la mode, quand y’a un truc dans l’air du temps, tout le monde se prend pour une girouette. A moins de vivre dans le califat de Daech, il n’aura échappé à personne que les bricoles sonores qui ont le zéphyr en poupe s’articulent autour du psychédélisme 60’s et de toutes ses variations. Donc sur la table de dissection aujourd’hui arrivent les susnommés Pond, Australiens de leur état, et potes du gourou sonore Kevin Parker (Tame Impala et autres bricoles).

Ceux-là commencent bien mal. Avant même d’avoir ouï la moindre note de leur skeud, t’as envie de le foutre par la fenêtre. A moins qu’il s’agisse d’humour seulement compréhensible par un QI de 160, leur pochette façon « Cheap thrills » (pour ceux qui étaient dans le califat depuis cinquante ans, rappelons qu’il s’agit du disque de Big Brother & the Holding Machin featuring la Reine des Hippies Janis Joplin) ne risque pas de faire de l’ombre à celle de Crumb. Comme quoi, le bon goût et le talent, ça se télécharge pas.

Tout le reste, on peut le trouver sur Pirate Bay. En trois clics, t’as sur ton ordi les derniers logiciels et plug-ins musicaux crackés, tu te retrouve dans ton deux-pièces-cuisine avec les moyens de Pink Floyd ou Guetta. Et tu peux passer tes jours et tes nuits à mettre du bruit sur ton disque dur. C’est là que ça se complique, et on en revient au bon goût et au talent. N’est pas Phil Spector ou Dr Dre qui veut. Les Pond en sont l’exemple parfait. Ils donnent dans le psychédélisme lourdement orchestré, ce qui après tout est leur droit. Multipliant les empilages sonores (et surtout les vieux synthés 80’s, « marque » de fabrique du Parker déjà cité et qui produit le skeud) et les pistes vocales (genre chorales sous hélium very pénibles), plutôt qu’inspirés par le San Francisco sound des late sixties, ils sonnent finalement très années 2000, genre MGMT, Of Montreal, Flaming Lips ou Arcade Fire des mauvais jours.

C’est con, parce qu’ils savent écrire des chansons, cette tribu où tout le monde contribue peu ou prou au résultat final a un sens de l’architecture mélodique que bien peu vite célébrés aujourd’hui possèdent. Témoins ces « Holding out for you », ballade intemporelle, « Medicine hat » folky à l’ancienne, « Sitting up on our crane » qui rappelle les Zombies, « Outside is the right side », funk-rock à la Red Hot Machin – Funkadelic … tous bien pourris par des arrangements que perso je trouve ineptes. Adeptes de la surenchère sonore forcenée, et ne reculant devant aucun challenge insensé, les Pond livrent ont mis à la fin de ce « Man it feels … » l’éponyme tournerie pop qui veut jouer dans la même cour que le « Good vibrations » des Beach Boys tout au long de ces huit minutes et quelque. Las, cet enchevêtrement d’idées dans un seul titre, sympathique un moment, rappelle sur la durée que n’est pas Brian Wilson qui veut.

Faudrait voir d’épurer un peu beaucoup les gars, parce que là, vous êtes pas très impressionnants, mais plutôt chiants …

FOO FIGHTERS - SONIC HIGHWAYS (2014)

Le classic-rock des années 2010 ?

Dave Grohl est un type bien. Alors qu’il doit avoir mis sa famille à l’abri du besoin pour des générations grâce aux royalties de Nirvana et des Foo Fighters, il se la joue pas jetsetter arrogant, qui continue dans le music business juste pour la caillasse. On le voit pas tirer une tronche de dix mètre sur scène ou sur les photos, et il est toujours prêt à cabosser une batterie si on lui demande (QOTSA, Probot, voire derrière Sir Macca pour une reprise d’un classique de Nirvana). Ce type, pour moi le meilleur batteur de rock vivant, prend son pied guitare en main quand c’est lui qui mène la danse avec les Foo Fighters.

Et mine de rien, ce chien fou des années 90 est devenu un dinosaure du rock. Parce qu’il est toujours là (des nouvelles de Soundgarden, Pearl Jam, Smashing Machins , QOTSA ou Radiohead ?), et peut-être parce qu’il s’est jamais embourbé dans la cérébralité, la conceptualisation, ou l’auto-glorification de son auguste personne (j’ai les noms …). Les Foo Fighters, ça casse peut-être pas trois pattes à un canard, mais au moins tu peux poser n’importe lequel de ses disques sur la platine, tu vas pas te faire chier au bout de deux titres … Du bon rock sans prétention …

Jusqu’à ce « Sonic Highways » … comme faute de combattants, il est quelqu’un qui « compte » maintenant, il se retrouve avec ses Foo Fighters à la tête d’un projet balèze. Le concept (aïe), c’est à travers huit titres de capter à chaque fois « l’essence » d’une ville qui a compté dans la carte du rock US. En se faisant « aider » par une figure locale, généralement de la six cordes, et le plus souvent plus un perdreau de l’année (on est tout à coup ravi que Clapton ou Santana soient pas nés aux States), ce qui peut conduire à des morceaux avec 4 (quatre !) gratteux (enfoncés, les Ramolly Hatchet). Et cerise confite sur le cake aux raisins, chaque escapade citadine donnera lieu à un doc d’environ une heure payé et diffusé par la chaîne HBO. En gros ce que dans les années 80 on appelait un projet multimédia. Rajoutez à la production une des figures de proue des 90’s aux consoles (Butch Vig, pousseur de boutons pour Nirvana ou Garbage), et on s’attend à voir débarquer la grosse machine de guerre qui va récolter le brouzouf, avec une partie musicale plus ou moins à la ramasse …

Bon, « Sonic Highways », ce sera pas le disque du siècle. Mais c’est loin d’être de la daube. D’abord, y’a un son qui risque de faire date, qui déchire bien sa race comme disaient les jeunes à l’époque, une puissance de feu décibélique assez impressionnante. Les compos, on peut bien leur reprocher d’être assez mainstream, de vouloir plaire aux « kids » (le serpent du mer du wockanwoll, tout le monde en cause, s’adresse à eux, mais personne en a jamais vu un) et à leurs parents, voire leurs grands parents, s’ils étaient pas fans des concerts du Grateful Dead. Du consensuel, oui, mais dans des genres assez pointus, le titre « The feast and the famine » pouvant passer pour du hardcore centriste. Généralement, les morceaux sont très typés 90’s, nostalgie quand tu nous tiens. A noter quand même que Grohl peut se le permettre, parce que le son des 90’s, il y était un peu beaucoup au cœur.

Malgré ce, j’ai rien trouvé dans « Sonic Highway » qui me force à appuyer frénétiquement sur la touche Repeat. C’est correct, voire très correct, ça reste dans la ligne Foo Fighters, et évidemment, vu les moyens engagés, ça sonne très carré, très pro (c’est pas une insulte). De temps en temps, des influences assez évidentes remontent à la surface, le phrasé du Bowie des 70’s au début de « Something for nothing », allant même jusqu’à un démarquage du « All the young dudes » (sur le très glam « What did I do ? / God as my witness »). L’essentiel est cependant bien ricain, bien classic rock (« Congregation »), jusqu’à un final épique (7 minutes), ce « I am a river » comme un mix réussi entre le Springsteen de « Born in the USA » et les U2 dans leur période américaine (« The Joshua tree »).

Vu les moyens déployés, on peut sans trop se mouiller annoncer que les Foo Fighters seront les incontournables têtes d’affiche des festivals de l’été prochain. Live et en formation moins pléthorique, les titres de ce « Sonic highways » devraient bien envoyer le bois. On peut aussi, et c’est un sacré bon point par ces temps de délayage permanent, savoir gré à Grohl de s’être cantonné à huit titres et quarante minutes, alors qu’il aurait été facile au vu des moyens engagés de se vautrer dans un interminable double Cd.

PS. Même si le batteur crédité sur tous les titres est l’habituel Taylor Hawkins, y’a un tel niveau de drumming sur « Outside » que je serais pas surpris si c’était sur ce titre Grohl aux baguettes.

Et la pochette, collage-montage de monuments remarquables des villes "inspiratrices", elle me fait bigrement penser à celle de "Breakfast in America" de Supertramp ...

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Foo Fighters

One By One

ALLAH-LAS - WORSHIP THE SUN (2014)

Faits comme l'Oyseau ?

Y’a des fois, malgré ma bonne volonté et mon obstination, que certains trucs me passent vite par-dessus l’occiput. Ce skeud il en fait partie.

Pas qu’il soit mauvais. Non, il est même plutôt pas trop mal. Mais comment dire … le 38975ème groupe de l’année qui donne dans la nostalgia 60’s, à la longue, ça finirait même par rebuter les gonzos qui tapissent leurs murs de compiles Nuggets ou Peebles, et d’affiches de concerts au Fillmore. Alors, pensez, un type comme moi, vieux fan de Madonna (assumé, vous avisez pas de dire du mal de la Ciccone des 80’s, ou ça va chier …).

Des fois, rien qu'à voir une photo, on a entendu le disque ...

Mon malheur, c’est qu’en plus des vieilles bimbos de Detroit, j’ai écouté plein d’autres choses. Et ce « Worship the sun », je l’ai déjà plus ou moins entendu depuis des décennies, même s’il est sorti y’a 2-3 mois. Les Allah-Las (que des cons, avec un nom pareil, ils vont finir par se faire serrer par des keufs texans au prétexte qu’ils doivent être de dangereux terroristes djihadistes … à moins que ce soit fait exprès pour ça, juste pour faire parler d’eux, ce qui est encore moins malin …) font une fixette assez grave sur le Los Angeles psychédélique et pop des mid sixties, et ce disque m’a tout l’air d’être une homélie aux Byrds et aux disques qu’ils sortaient à cette époque-là (« Fifth dimension » et « Younger than yesterday »). Aux moins les deux tiers des titres de ce « Worship the sun » me semblent en découler directement.

Seulement, là, voilà, danger. Les Byrds, s’ils sont à peu près totalement oubliés aujourd’hui, ou alors bêtement réduits à un groupe obnubilé par les reprises en version électrique des titres de Dylan, ont été en ce mitan des années 60 ceux qui ont fait bouger les lignes. Paresseusement mais judicieusement présentés comme des Beatles américains, ils pouvaient en dehors du boulet Crosby (pourvoyeur de folks feignasses qui firent malgré tout leur petit effet en ces temps reculés), s’appuyer (en plus de reprises bien trouvées) sur les redoutables compositeurs qu’étaient Hillman et McGuinn, et sur des harmonies vocales complexes et irréprochables. Le tout avec une mise en place sonore pointue, visant à reproduire les effets de drogues (cannabis puis LSD) sur le cerveau. Les Byrds étaient les précurseurs et au cœur du cyclone musical qui allait ravager la Californie avec les Love, Airplane, Dead, Doors, et tous les autres …

La pochette du premier Floyd ? Non, toujours les Allah-Las ...

Les Allah-Las, c’est les Byrds revus par le Secours Populaire. Y’a de la mélodie, des harmonies vocales savantes, de la musique « sous substances » (ou plus vraisemblablement qui ressemble à de la musique sous substances), mais c’est quand même assez loin de valoir les modèles évidents. Et puis, bien que les compos des Allah-Las soient pas minables, on ne trouve rien du calibre de « Eight miles high » ou « So you want to be a rock’n’roll star ».

Bon, évidemment, faudrait être de sacrés monomaniaques pour s’arrêter aux Byrds. On trouve aussi chez ces jeunes gens des tentatives de décollage spatiaux très Barrett-early Floyd (« Ferrus gallery »), des ballades écroulées comme sur le 3ème Velvet (« Nothing to hide »), trois instrumentaux qu’on jurerait vintage (dont le quasi surf « No werewolf »). Tout le reste, c’est de la chair à compilations Nuggets du futur avec les qualités et les défauts de ce genre d’entreprise (les trucs qu’auraient pu faire de petits hits mais que pas de bol personne a l’époque a écoutés). Ainsi, parce qu’il réunit à peu près tous ces critères, le titre le plus emblématique de ce « Worship the sun » doit être « Had it all », que, pas trop cons, les Allah-Las ont sorti en single. Tiens, et puisqu’on parle de singles, les deux derniers titres du disque sont issus de leurs 45T, avec un amusant (enfin, si on est d’humeur badine) « Every girl », qui lui ressemble plutôt aux titres des Stones circa 64-65.

Ah, et sur leur site y’a une vidéo où ils reprennent façon jam acoustique improvisée le « Alone again or » des Love, le titre qui est à la fois l’aboutissement et la quintessence de cette période qu’ils semblent tant aimer …

Allez, suivant, puisque le filon semble inépuisable …

THE ASTEROID #4 - THE ASTEROID #4 (2014)

Live from Tchouri ?

Non, les Asteroid #4 ne sont pas des requins pragmatiques qui sortent un disque pour profiter de la couverture médiatique du tas de ferraille qui s’est posé sur un tas de cailloux dans l’espace. Le groupe existe depuis longtemps dans une certaine confidentialité (les types auraient des « vrais » boulots à côté), et a sorti quelques disques qui aux dires de ceux qui les ont écoutés partent dans tous les sens et tous les genres.

Ce skeud éponyme (manque d’imagination ou volonté d’affirmer et d’affiner leur vraie nature musicale, euh … on s’en fout), comme son nom le suggère, est plutôt à ranger dans la catégorie space rock, même s’il y a plein d’autres choses. Ce machin vomi du néant aurait pu être génial si ses auteurs ne s’étaient pas embourbés à deux reprises (« Mount Meru » et « Ode to Cosmo ») dans deux saletés hindouisantes qui auraient sans doute ravi Shankar (que ceux qui n’ont pas compris écrivent à la rédaction, ils gagnent un sitar d’occasion …). Ces deux titres qui empestent patchouli, encens et méditation au fond de l’ashram foutent tout en l’air.

Parce que le reste, c’est du bon. Du tout bon. Et parfois même du lourd, du très lourd. Les fans d’Hawkwind pourraient bien voir se dresser leurs poils blanchis à l’écoute de « Rukma Vimana » ( ? ) et « Revolution prevail ». C’est du niveau de ce qu’on entendait sur « Space ritual » et « Do Re Mi … », ces riffs lourds qui tournent en boucle dans une ambiance heroic-fantasy gorgée d’amphétamines, quand la bande à Lemmy et Dave Brock lessivait les troupeaux de hippies et de freaks venus se prendre des shoots de watts et de stroboscopes en pleine poire vers 72-73.

Les Asteroid #4 adoucissent parfois le propos, ça reste spatial, mais c’est plus léger, plus éthéré dans la lignée de Spiritualized et Spacemen 3 (leur nom serait un hommage au groupe de Jason Pierce et Peter « Boom » Kember, et indéniablement de nombreuses similitudes existent). Il y a un côté mystique, zen halluciné, bab planant, parfois floydien qui émerge de titres comme « The river », « Back of your mind », « Yuba ».

Et puis, pour confirmer l’aspect puzzle sonore qui a fait leur « réputation », deux merveilles de chansons, étangs sonores paisibles au milieu d’océans plutôt agités.  « Ropeless free climber » c’est de la pop mystique ( ? ) construite autour d’un funeste sitar et là, ça sonne juste parfait. Et puis ce qui est pour moi le sommet du disque, l’extraordinaire « The windmill of the autumn sky », country-rock-americana-machin, c’est du niveau de Wilco avec la fragilité du Neil Young du début des 70’s, totalement irrésistible.

Pas sûr cependant que même avec leur jolie pochette influencée par « Space ritual » et le lettrage de celles du Grateful Dead, les Asteroid #4 attirent le troupeau des nostalgiques 70’s … 


En écoute et plus si affinités ici

TY SEGALL - MANIPULATOR (2014)

La relève ?

Ty Segall, la tarte à la crème de la critique rock, tendance « c’était bien mieux avant ». L’Espoir majuscule de ceux pour qui toute forme de musique qui vaille d’être écoutée est parue avant 1980. Cela commence à faire quelques années que son nom circule, et que les éloges pleuvent sur son œuvre. Alors que ce jeune gars de vingt sept ans (gaffe, mec, c’est l’âge fatidique pour rentrer dans la légende les deux pieds en avant) a un parcours pour le moins déroutant.

Brian Eno période Roxy Music ? non, Ty Segall

Des disques en veux-tu en voilà qui partent dans tous les sens, des projets parallèles innombrables. Avec comme terrain de jeux la scène indie-garage-machin de San Francisco qui gravite autour de la figure tutélaire de John Dwyer, le leader des (entre mille autres) excellents Thee Oh Sees. Aux dires de ceux qui suivent Segall dans ses pérégrinations ininterrompues, y’a chez lui de la qualité qui a besoin d’être canalisée. On passe du folk introspectif au rock heavy psychédélique tendance Blue Cheer (un de ses derniers projets, le « groupe » Fuzz, tous larsens et comme son nom l’indique pédales fuzz en avant, dans lequel Sygall est batteur, alors que d’ordinaire il chante et joue de la guitare). Et comme il est sur de petits labels et semble peu préoccupé par tout ce qui touche à la « gestion » de sa carrière, le bonhomme semblait se confiner à une célébrité ne dépassant pas le bouche à oreille entre « initiés » et s’en contenter.

Il semblerait que Segall ait avec ce « Manipulator » décidé de passer la vitesse supérieure. Sans toutefois se vendre au music business. Le disque paraît sur le label de Chicago Drag City, étiqueté « indie-rock expérimental », et il m’étonnerait fort que l’objectif marchand soit de rivaliser avec Rihanna ou Kanye West. Ceci posé, « Manipulator » est un disque ambitieux, qui entend reprendre les choses là où les grands dinosaures des seventies les avaient laissées. A savoir qu’à cette époque, pour passer un palier supplémentaire et définitivement assoir sa légende, le truc à faire c’était le double album. Des Who aux Stones en passant par Led Zep, c’était l’exercice obligé. On fera pas à Segall l’injure de le comparer à ceux-là (même si les doubles des Who, qu’ils soient des 70’s ou pas, on peut pas dire que … bon, vous avez compris), et lui-même, qui me semble pas trop con, ne s’y hasarde pas. Mais y’a de çà, comme des airs de « Physical graffiti », difficile d’esquiver la comparaison … même s’il serait vain d’essayer de trouver dans « Manipulator » quelque chose qui s’apparente à « Kashmir », « Custard pie » ou « Houses of the holy ».

Kurt Cobain unplugged ? Non, Ty Segall

Même si « Manipulator » est un disque à guitares. Mais aussi, et c’est chose assez rare pour être souligné, à chansons. Si, si … des titres courts, nerveux, mais « construits », avec des couplets, des refrains, des ponts, des solos, des gimmicks décoratifs, et ingrédient indispensable, des mélodies mémorisables sinon mémorables. Parce que des murs de feedback, les quatre premiers cons venus avec les cheveux dans les yeux sont capables de faire (voir tous les grungeux des 90’s et leurs descendants). Mais aligner 17 titres et faire en sorte qu’on commence pas à bâiller à partir du quatrième, c’est peu commun par les temps qui courent et Segall y parvient. Je sais pas si son disque sera cité comme un de ceux qui ont compté dans le rock (enfin si, je me doute un peu qu’il sera moins célébré dans les siècles qui viennent que – au hasard – le « Double Blanc »), mais là le Segall a sorti un truc comme il en sortira pas des quantités dans l’année.

Il y a dans « Manipulator » des choses variées sans que ça sonne auberge espagnole sonore. Parce qu’il y a une unité de son d’abord (une ambiance rétro-seventies de bon goût), parce que délibérément, c’est la guitare au cœur de tous les titres (lucidement, le garçon n’entend pas se livrer à une imitation forcément risible de Page ou Hendrix). Et ensuite, comme un Lenny Kravitz qui aurait oublié d’être neuneu, c’est plein de clin d’œil, d’hommages plus ou moins distanciés aux « grands anciens », sans jamais sombrer dans la copie, la redite ou le mimétisme … Segall a fait un travail de fourmi (hein, que vous l’attendiez, celle-là, bon c’est fait), évoquant T.Rex (« The man skinny lady », The clock »), le krautrock (« The connection man »), les vieux dinosaures boogie (« The faker »), les Who de Tommy repris par Black Sabbath (« The feels »), le rock (folk ou pas) barbouillé de psychédélisme comme il en pleuvait dru il y a quarante cinq ans, tout le circus heavy hardos de la même période (avec même l’obligatoire solo de batterie, ici pour rire, du moins on l’espère, sur « Feel ») …

Seule concession à l’air du temps (enfin, l’air d’il y a dix-quinze ans), la batterie très hip-hop style de « Mister Main », et seule concession à ceux qui voudraient que pareil phénomène vende des disques, le très middle of the road « Stick around » qui conclue le skeud.

Mention particulière et félicitations du jury pour « Manipulator » le titre, qui en trois minutes fait alterner vieux synthés (ceux de « Who’s next » ?), guitares carillonantes à la U2 – Alarm – Big Country, solo tout en saturation et mélodie étrange. Un truc qui pourrait faire un single totalement zarbi à la « When doves cry » de Prince (1984, ce qui ne rajeunit personne, et surtout pas moi). Mention aussi pour « The hand » qui sur un seul titre fait défiler tous les plans qui ont fait la gloire et la fortune de Led Zep (l’atmosphère celtique, les riffs hardos et le passage acoustique).

« Manipulator », c’est le disque parfait fait par un jeune pour des vieux …

PUJOL - KLUDGE (2014)

Un état d'esprit ...

Pujol, c’est plus ou moins un groupe, tant le dénommé Daniel Pujol y tient une place primordiale (compositeur et multi-instrumentiste). Comme son nom ne l’indique pas, Daniel Pujol vient de Nashville, Tennessee. Et non, il ne donne pas dans la country. Son truc, ce serait plutôt … plein de choses en fait, essentiellement des vieilleries ripolinées aux couleurs du temps. D’ailleurs, il a sorti dans le temps  un (quoi d’autre) 45T vinyle sur le label Third Man, celui du Monsieur Loyal de la ville, le sieur Jack White himself.

Ce « Kludge », il paraîtrait qu’il a été enregistré la nuit, dans un centre de prévention et de soins pour jeunes candidats au suicide, avec du matos plus ou moins hors d’usage refilé par des associations caritatives. Il semblerait aussi que Pujol et sa troupe n’aient pas été soignés-résidents de ce centre. Une anecdote peut-être, mais qui traduit bien une nouvelle forme de « do it yourself ». Un cheminement très punk, davantage par l’esprit qu’au sens 1977 du terme.

Daniel Pujol, un pneu garage ...

« Kludge » n’a rien à voir avec Clash, Pistols, Ramones (quoique, parfois), ou Television. Pujol donne plutôt dans une sorte de power-pop, genre musical ayant connu son apogée vers 1978-80, ce qui ne nous éloigne guère de 77, on en conviendra. Cette attitude à l’arrache, démerde, de SDF musical se ressent. Il y a dans ce « Kludge » un aspect lo-fi indéniable, tout ce vieux matos étant assez imprévisible, fonctionnant correctement quand il en avait envie, et comme cette troupe dépenaillée n’avait pas les moyens de s’éterniser, plein de pains, d’approximations et autres bugs ont été conservés. Même si cet aspect lo-fi n’est valable que pour l’aspect technique, la tendance globale du skeud étant plutôt à la luxuriance instrumentale, quitte à flirter parfois dangereusement avec le syndrome Arcade Fire – Of Montreal.

Bon, de ces disques estampillés « Système D », j’en ai des wagons chez moi. A d’infimes exceptions près (j’en ai pas là des masses qui me viennent à l’esprit, tiens si, Jonathan Richman ou Young Marble Giants, … et s’il m’en arrive d’autres, je vous dirai), un disque vite fait est forcément quelque part un disque cafouilleux,  qui laisse sur sa faim et un furieux goût d’inachevé. « Kludge » n’échappe pas à la règle. Y’a du potentiel, du « background », du « vécu », mais aussi du j’m’enfoutisme flagrant peut-être à propos et marrant pour ceux qui le font, mais bon, quand t’écoutes ça peinard chez toi, ça le fait beaucoup moins.

Pujol live

Des exemples ? OK … « Dark haired suitor » et « Spooky scary », ça fait un peu Bob Dylan imité par un ventriloque, si vous voyez ce que je veux dire … Quoi que le type qui chante (Pujol ?) a une voix encore plus pénible, quelque part autant crispante et « difficile » que celle de Kevin Coyne qui passe mieux dans le registre hystérique que dans le registre conteur. Et cette volonté à vouloir coller au plus près à de vieux totems (en moins bien) est plutôt en défaveur de Pujol, on a l’impression d’avoir affaire à des versions du pauvre des Pixies (« Manufactures ») ou de Hüsker Dü (le dernier titre « caché »).

Finalement, ces types-là je les trouve meilleurs quand ils se lâchent dans des choses crétines et premier degré (« Pitch black » le punk tendance bubblegum ?), « Small world » avec son gimmick d’orgue Bontempi pas entendu depuis au moins Charlie Oleg) que quand ils se la jouent « sérieux ». Pas la peine qu’ils chiadent leur power-pop déclinée un peu à toutes les sauces, de toutes façons ils se retrouveront à la fin à brailler devant trois punks à chien sur un tapis de gros riffs hardos (le titre live « Post grad » où on entend réellement les clebs des punks aboyer, à tel point que je me demande si c’est pas un fake total).

Au final, un (des ?) talent(s) certain(s) pour un disque sans prétention. Corollaire, un disque pas vraiment indispensable …

PIXIES - BOSSANOVA (1990)

Sitting on the top of the world ...

Y’en a pas beaucoup des groupes, peut-être une paire de poignées au maximum, qui à un moment se sont retrouvés dominant tout le reste du troupeau de la tête et des épaules. Pour moi, les Pixies ont fait partie de ces Elus, quelque part vers la fin des années 80 et le début des années 90. Les Pixies ont redonné à ceux qui les écoutaient … plein de choses et de sentiments diffus, des petits frissons le long de la colonne vertébrale, aussi l’espoir … que le rock pouvait se régénérer et non plus dégénérer en laissant le devant de la scène à de cyniques bateleurs juste là pour la thune, tous ces ersatz de chanteurs et de musiciens qui paradaient au sommet des fuckin’ Top 50 et passaient en heavy rotation sur MTV.

Black Francis

Mais les Pixies, c’est pas un conte de fées, l’histoire qui finit bien du vilain petit canard qui se transforme en cygne majestueux… Non, les Pixies, ils ont vendu des nèfles, et se sont sabordés dans une ambiance et une atmosphère délétères. Et ils ont jamais été glamour pour deux sous …  N’empêche … Ce « Bossanova », je vous le dis ma bonne dame, c’est quand même quelque chose, des skeuds comme on aurait aimé en entendre plus souvent …

Parce là, avec « Bossanova », les Pixies ont tout donné, sont allés aussi loin que possible. Certes, ce devait pas être leur label, 4AD, un des plus exigeants en termes de qualité artistique, qui leur foutait la pression pour faire du chiffre de vente. Les Pixies ils aimaient peut-être bien passer pour le groupe le plus cool de la Terre, mais bon, il serait rentré un peu de thune dans la lessiveuse, ils s’en seraient pas offusqués. Les réputations en béton, c’est bien joli, mais quand t’envisages de peser cent cinquante kilos comme Black Francis, faut aussi de quoi becqueter… Tout çà pour dire que quand « Bossanova » est sorti, et croyez-moi, j’y étais, certains prétendus fans ont fait la grimace, et lâché l’insulte suprême : « commercial »… Bande de sourds … Z’avez rien compris, ni aux Pixies, ni à la zique, ni au wokanwol … z’avez rien compris à rien, d’ailleurs, tas de nazes …

Kim Deal

Parce que je vais vous dire, les quatre premiers cons venus, ils foutent le museau dans le manche de la gratte et les potards de l’ampli sur onze, et ils feront du boucan. Y’aura juste un problème quand il faudra passer à l’écriture des chansons. Des frangins Bruitos tendance hard(core), c’en est plein les encyclopédies du rock. Au mieux sympathiques le temps de trois titres, au pire inécoutables. Les Pixies viennent pour une grande part de ce monde-là, le hardcore, Sonic Youth et Hüsker Dü. Les Pixies sont sortis du lot, parce que à l’instar des New-Yorkais arty et des défoncés de Minneapolis, ils ont été capables d’écrire des putains de grandes chansons, des trucs que tu les entends une fois et qui te restent à vie dans la tête. En plus les Pixies ils ont su faire ça quasiment d’entrée, sans passer par la case de la demi-douzaine de skeuds « difficiles » comme les deux autres.

Et là, avec « Bossanova », ils sont pour moi à leur sommet. La maîtrise totale du « quiet-loud » qui a fait la fortune de Nirvana et autres grungeux et indie-poppeux à guitares en avant, et dont beaucoup se seraient contentés. Mais les Pixies c’est beaucoup plus que çà. La voix lead ou les chœurs de Kim Deal confèrent à tous les titres sur lesquels elle intervient une douceur éthérée qui vient se fracasser sur les couinements et hurlements de goret de Black Francis ou sur les guitares tronçonneuse-perceuse du métèque Santiago (rappelons que ce basané, cofondateur du groupe avec le gros, tient toute l’architecture sonore des Pixies avec sa gratte). N’oublions pas non plus qu’un lustre avant les BO de Tarantino, les Pixies foutaient de la surf music partout sur leurs disques, et « Bossanova » n’échappe évidemment pas à la règle (l’instrumental « Cecilia Ann », un peu plus loin « Ana »).

Joey Santiago

Tout ça, perclus de gimmicks insensés (que ceux qui ne sont pas foutus de trouver un truc pour rendre intéressant un morceau s’envoient « Dig it for fire » il y a dans les arrangements hallucinants de ce seul titre matière à publier un double-album), de poussées de fièvre tachycardiques (le frénétique « Rock music », « Hang wire » passerelle entre hardcore 80’s et grunge 90’s), de mélodies dignes de la sunshine pop (« Velouria »), et surtout, surtout, de ces choses curieuses et inimitables qui n’appartiennent qu’aux Pixies.

« Is she weird » invente et définit l’indie-rock des décennies à venir, « All over the world » est une construction pop à deux voix qui semble venir en droite ligne des sixties mélodiques, « Stormy weather » m’a toujours fait penser aux Beatles du Double Blanc (pourtant pas une référence mise en avant par le gros et la toxico), en fait faudrait les citer quasiment tous tant ce disque part dans tous les sens, les merveilles succédant aux merveilles. Les grincheux auront beau jeu de noter que « Blown away » évoque fortement « Gouge away » (et pas seulement par son titre), ne manqueront pas de signaler que ce « Bossanova » a été, comme le reste de la disco du groupe, un flop commercial, et qu’on n’y trouve pas l’ombre d’un de ces immenses hits underground tardifs comme l’ont été « Where is my mind » ou « Monkey gone to heaven ».

David Lovering

Il n’empêche que des gens qui ont le bon goût de s’inspirer avant Cobain (décidément) du « The man who sold the world » de Bowie (sur « All around the world »), qui truffent les textes de références débiles de science-fiction bas de gamme, qui présentent le plus beau quarteron de moches jamais réunis dans un même groupe (oui, Kim Deal était « cool », mais assez loin physiquement de Debbie Harry, si vous voyez ce que je veux dire), ben ces gens-là, ils avaient tout pour se vautrer en beauté. Ce qu’ils ont évidemment fait. Mais en laissant derrière eux une poignée de disques cruciaux dont « Bossanova » constitue pour moi le fleuron.

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Trompe Le Monde

TEMPLES - SUN STRUCTURES (2014)

Le retour des babas ?

A force de revivals, il y en a qui vont finir par se frotter à de vieux trucs un peu chelous qu’on préfèrerait voir oubliés à jamais (à quand le retour au jazz-rock et au prog emersonien ? ça fout les jetons, hein ?). Et bizarrement, la plupart de ceux qui sont censés savoir dans les médias, s’entichent régulièrement de ces passéistes, alors qu’il y a des fois où l’on aimerait bien avoir des nouveaux noms, certes, mais qui proposent quelque chose de frais, d’original … quoique, y a-t’il encore quelque chose de nouveau, d’original, à découvrir ? Tout n’aurait-il pas été déjà entendu ?

La hype du moment, ça risque d’être les Temples. Anglais comme il se doit, qui après quelques singles accrocheurs, catchy comme on disait avant qu’ils naissent, livrent avec ce « Sun structures » un premier disque censé marquer son temps. Il paraît que Johnny Marr et Noel Gallagher adôôôôrent les Temples. Oh putain, le Marr et le Gallagher, deux ringards de chez ringard, qui ont pas sorti quelque chose d’audible depuis … et qui de toute façon n’ont jamais brillé par leur esprit musical aventureux (les Smiths et Oasis, c’était déjà du revival).

Les Temples, donc. Il me semblait avoir compris tout leur truc avant d’écouter les skeud. De la pochette, où on voit quatre types éparpillés dans la nature façon « Who’s next », avec son château pour prince charmant de manga, avec son leader-chanteur James Edward Bagshaw qui s’est fait un look Marc Bolan 71, avec ses titres de morceaux qui fleurent bon le retour de la revanche du rêve hippy. Le binôme central du disque s’énonce « Move with the seasons » - «  Colours to life » et on entend déjà les clochettes, les guitares fuzz, on sent l’encens et le patchouli au milieu de ces communautés du retour aux sources qui font l’amour aux arbres entre deux prières à l’alma mater.

Bon, ben, bingo ! C’est exactement de ça dont il retourne. Dans un impressionnant numéro de singes savants les quatre zozos des Temples ressuscitent le cauchemar hippy, sans vraiment prendre la peine de le mettre au goût du jour. Ce « Sun structures » (« Nous sommes du Soleil » ?) est un exercice de style. Parfois brillant. Témoins le titre d’ouverture (« Shelter song ») amusante pop pour hippies, « The golden throne », qui pourrait faire un single un peu pute avec ses synthés vulgaires et ses trompettes à la Love, « The guesser » bossa nova détournée sur une mélodie qui doit beaucoup au « Walk on by » de Dionne Warwick. Et puis le gros truc de ce skeud, c’est pour moi « Sand dance », plus de six minutes, motifs arabisants, comme si ces minots avaient voulu sur leur premier disque sortir leur « Kashmir ».

Tout n’est pas de ce bon niveau. L’essentiel, c’est quand même ripolinées avec les plug-ins à la mode, des recettes, des tics d’écriture, des harmonies vocales, des incantations qu’on a entendu des milliards de fois ailleurs il ya longtemps. Sur les compiles Nuggets (« Sun structures » le titre, « Test of time », ces pop-rocks psychédéliques des 60’s). Chez le gourou new age Devendra Machin (« Move with the season »), chez gloups … Yes (« Mesmerise », on croirait entendre le maléfique Wakeman). Aussi des mélodies tristes remplies d’harmonies vocales («Keep in the dark ») comme les Beach Boys après « Pet sounds » quand ils étaient gavés de LSD. Globalement, les Temples, on dirait le résultat d’une improbable fornication entre The Coral (le côté pop de foncedé) et l’Incredible String Band (la fanfare buissonnière hippie des 60’s) …

Tiens, à ce sujet, y’a deux questions qui me turlupinent : les Temples ont-ils déjà pris du LSD ? Vivent-ils encore chez papa-maman ? Tout ça pour dire que si c’est pas vraiment mauvais, c’est pas non plus renversant, on sent la recherche du truc dans l’air du temps, du marché de niche, … Pas l’impression d’avoir perdu mon temps à écouter cette rondelle, mais pas l’impression d’avoir eu affaire à de futurs cadors du rock …

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Hot Motion

CAGE THE ELEPHANT - MELOPHOBIA (2013)

Prendre leur défense ?

Non, comptez pas sur moi, faut pas déconner … Tout chez ces types sonne faux. Pensé, pesé, réfléchi. Le retour sur investissement attendu (y’a de la thune derrière, in fine celle de Sony, qui finance leur label prétendu indépendant Relentless).

« Melophobia » de Cage The Elephant … Juste Ciel, peut-on faire plus neuneu que pareils intitulés ? … enfin, passons … passons aussi sur la pochette, on dirait celle de « Albion » de William Sheller relookée par un trisomique … Ces types, le coup d’avant (« Thank you happy birthday »), ils se prenaient pour Nirvana et tous les chevelus grunge. Aujourd’hui, ils font de la power pop, genre Blondie dans les années 2000 ou Strokes des années 80 … ou le contraire, peu importe … Comme à peu près tout le monde, incapables de créer, ils imitent. C’est la tendance depuis presque trente ans, faut faire avec… ou sans, on n’est pas non plus obligé de se fader tous ces ersatz de pacotille …

Et malgré mes airs d’incorruptible, je suis parfois preneur de ce genre de choses. Quand c’est bien fait, quand on sent une démarche de fans, de types qui sont à fond dans le truc, dans leur truc … Mais les Cage Machin, à l’instinct, c’est juste des branleurs qui veulent réussir à refiler du skeud, et sont prêts à tout pour çà, y compris donc à changer leur fusil d’épaule à chaque rondelle.

« Melophobia », il est même pas mauvais… Juste sans intérêt. Derrière chaque note, chaque mesure, chaque couplet, on sent le brainstorming pour que ça sonne comme ceux-ci ou ceux-là… Le prolo du dimanche Lavilliers il disait que la musique est un cri qui vient de l’intérieur. Les Cage Bidule, ils préparent de la musique comme les mecs en blouse blanche des labos Monsanto nous préparent la bonne bouffe OGM de demain. 

Ce « Melophobia », il peut même résister aux critiques. Parce que c’est bien fait, on peut pas le leur enlever. Totalement pute, mais bien fait. Y’a même des morceaux qui pourraient faire des hits pas trop honteux (« Come a little closer », le plus évident, mais pourquoi pas aussi ce « Hipocrite » plein d’arrangements et de gimmicks malins). Il y a aussi beaucoup de choses d’une vulgarité crasse … Ah, ce « Take it or leave it », on Dirait Début de Soirée (« et tu chantes, chantes, ce refrain qui te plaît … » spéciale dédicace à tous les connards sourds qui trouvent géniales les années 80) qui reprendrait Chic ou Blondie … Et puis, cette voix du type qui chante (je veux même pas savoir comment il s’appelle) geignarde dans les aigus (« Telescoped») comme du Thom Yorke shooté à l’hélium … Et pourquoi avoir recours à une vraie section de cuivres, si c’est pour les faire sonner comme des synthés sur « Black widow », dommage, ce titre serait presque une amusante parodie des thèmes des James Bond des années 80 …

Pourtant, je veux bien croire ces types sont pas trop cons à la base, ils sont même capables de pondre un titre intéressant, en l’occurrence « Teeth » qui mêle de façon étrange boucan grungy, rap metal, sax free stoogien et final beefheartien … un numéro d’équilibriste sonore certes idiot, mais bizarrement plutôt réussi …

Un peu tout le paradoxe de ces types … comme leur parcours géographique d’ailleurs, ayant quitté les States (ils viennent du Kentucky, terre des ploucs sudistes, voir les Kings Of Leon) pour Londres … On les sent capables de faire de bons trucs, mais là ils m’ont l’air complètement maraboutés par toute une armada de managers, conseillers marketing, agents de communication, toute cette faune de parasites incompétents qui gravitent dans le milieu musical … lâchez-vous, les mecs, faites votre truc, et envoyez bouler tous ces tocards, le résultat sera peut-être bien meilleur …

Et une énigme pour finir. Y’a Alison Mosshart (oui oui, celle des Kills et de Dead Weather) en guest sur un titre. Que celui qui a des indices sur le pourquoi du comment de cette apparition saugrenue sur cette rondelle le fasse savoir, il n’y a rien à gagner …

DOUG TUTTLE - DOUG TUTTLE (2014)

Encore un ?

Encore un quoi ? Ben voyons, encore un type qui fait de la musique en regardant dans le rétroviseur. Direction années 60 psychédéliques. Pas le premier, oh certes non, sûrement pas le dernier non plus, tant on redécouvre régulièrement monts et merveilles de cette période, une des plus foisonnantes en matière de production, et aussi de qualité musicale.

Et alors, qu’est-ce qu’il a de plus ce Doug Tuttle que les autres ? Et qui c’est, d’abord ce zigoto, il sort d’où ? Euh, j’en sais foutre rien, il est américain, chevelu ( ? ),  son dernier groupe s’appelait Mmoss ( ?? ), il y jouait avec sa gonzesse qui s’est barrée, il s’en est trouvé fort marri (ce qui a donné l’inspiration et les textes de ce disque), et est parti vivre son aventure tout seul comme un grand. Echoué sur le label de Chicago Trouble In Mind, où sévit le jeune prodige Jacco Gardner, le Batave planant responsable l’an dernier d’un somptueux « Cabinet of curiosities », tout parfumé au … pop-rock psychédélique 60’s. Voilà voilà, la boucle est bouclée …

Ce « Doug Tuttle », donc, il empeste le cœur du centre du milieu du monde psychédélique américain, la Californie des années 65-66-67. Le Tuttle, il a du écouter les Byrds de 65-67, et aussi tous les groupes de San Francisco de l’époque. Ça sonne donc rigoureusement vintage, avec notamment un batteur nerveux qui pulse, loin des coups de pompe sur des doubles grosses caisses mixées en avant à la mode depuis plus de trente ans. Le Tuttle, lui, il a tout composé, chante et joue de la guitare. Les compos, c’est de l’exercice de style, classique, bien fait, mais ça a un peu tendance à tourner en rond dans des climats brumeux et cotonneux, notamment dans la seconde partie du disque, avant une bienvenue éclaircie finale. Le chanteur Tuttle, c’est pas une des grandes voix du rock c’est sûr, mais c’est fait simplement, proprement, en ajoutant plein d’effets et de filtres pour un rendu gris, opaque, souvent bien secondé par des harmonies vocales de comparses bien en place (le côté Byrds évident). Là où il est le plus impressionnant, c’est à la guitare. A l’opposé du m’a-tu-vu bling bling oyez oyez comme je joue vite et que je suis technique de mise chez tous ceux qui se prennent pour Clapton, Beck, Page, Hendrix ou qui on voudra au Panthéon, Doug Tuttle est d’une sobriété, d’un bon goût et d’une efficacité jamais démenties. C’est pourtant un sacré client, écoutez dans l’exercice de style archi-rebattu du long solo ce qu’il fait sur la ballade lysergique « Turn this love », il n’a rien à envier à ces maîtres de la six-cordes discrets du rock psyché que furent Jorma Kaukonen ou John Cippolina. Ce « Turn this love » est le titre de loin le plus long (6 minutes) du disque. Les dix autres sont expédiés aux alentours des deux-trois minutes réglementaires.

Ça commence par un hybride entre les Byrds et le Floyd de Barrett (« With us soon »), ça donne sans équivoque la ligne de ce qui va suivre, et ma foi, c’est assez accrocheur d’entrée. On s’aperçoit que Tuttle met souvent au début ou à la fin, voire au début et à la fin de ses titres des effets de bande accélérées ou ralenties et ça devient un gimmick assez agaçant tant c’est finalement prévisible. Les mélodies sont pour la plupart simples et bien trouvées (mention particulière à « Forget the day » et sa tentative plutôt réussie de boucle cosmique à la « A day in the life »), avec toujours cet effet madeleine proustienne qui renvoie à sa période chérie. Ça pique un peu du nez sur les tempos médiums et embrumés, et on en vient parfois à penser au shoegazing de My Bloody Valentine (flagrant sur « Where you plant … » avec là aussi une jolie partie de guitare). Une (légère) poussée d’adrénaline, un rythme plus enlevé (« Lasting away »), on se retrouve en présence de pop bubblegum (ou yéyé), c’est amusant mais quelque peu anecdotique. Après deux-trois titres qui font redite, le tempo se fait plus enjoué vers la fin du disque (« I will leave », c’est exactement comme les Byrds pop, les titres que composait Gene Clark sur « Mr Tambourine Man »). Le final (« Better days »), comme son nom l’indique, signe la fin de l’ambiance mélancolique et ouvre une fenêtre vers un futur qui pourrait plus gai …

Faudra pour ça en dépoter quelques-uns de ce « Doug Tuttle ». C’est pas gagné, même s’il surnage assez facilement du lot des productions rétro de ces jours-ci …

THE SPECIALS - THE SPECIALS (1979)

Punky reggae party ...

Le punk, c’est bien … on a vite fait le tour, mais c’est bien quand même. Il y avait dans l’Angleterre de la fin des 70’s une alternative aux mastodontes du rock, tous ces types qui approchaient le quarantaine et qui, en plus, étaient pas au mieux artistiquement. La jeunesse prenait le pouvoir (enfin, elle le croyait). Retour au sain boucan, à l’approximation bordélique, aux fondamentaux du rock’n’roll, à la simplicité, à l’esprit de démerde (do it yourself) …

Y’avait juste un petit problème : tu fais quoi, quand t’as vingt ans en province, et que les Pistols, le pub-rock, Eddie Cochran, te gavent autant que Yes, Clapton et les Stones ? Tu fais quoi, quand t’es une bande de potes dont quelques-uns sont pas blancs ? Tu fais quoi quand les trucs que t’écoutes c’est des trucs jamaïcains de la décennie passée ? Si tu te bouges pas le cul, t’es mort, personne entendra jamais causer de toi …

Ce postulat, Jerry Dammers, leader de cette bande de potes un peu paumés et en tout cas hors sujet musicalement, l’avait parfaitement compris. Les majors s’en foutent des Specials ? On va monter un label. Comment se faire connaître ? En étant rigoureux (en bossant sur sa musique, quoi), et en étant originaux. Dammers a fait tout çà. En créant 2 Tone Records, en écrivant au moins la moitié des titres, en trouvant ce gimmick (le 2 tone) exploité à fond. Les vieilles fringues en noir et blanc, idem le logo du label, les flyers, tout à base de damiers … Quasiment à lui seul, Dammers est responsable du ska revival … L’Histoire, cruelle, fera la fortune de Madness. Pour les Specials, ne resteront que la légende (mais ça remplit pas l’assiette, la légende), et les emmerdes …

Le ska, c’est la Jamaïque, on sait … en Angleterre dès le début des années 60, les skinheads vont s’approprier la musique jamaïcaine, en faire leur chasse gardée. Les skins, au début, c’était de braves gars, prolos et de gauche. A la fin des années 70, les skins c’est des fachos proches du National Front, mais qui continuent d’écouter du ska. Ces sinistres connards se pointeront en nombre à tous les concerts ska avec leurs conséquences prévisibles (passage à tabac de tout ce qui n’est pas blanc, bastons systématiques avec les punks, etc … ). Les Specials sont à des lieues de cette idéologie nauséeuse, mais l’ambiance délétère de leurs concerts leur coûtera cher, leur carrière en fait.

Parce que le premier disque des Specials, il enfonce toute la concurrence (Madness, Selecter, Bad Manners, The (English) Beat). Parce qu’en plus d’avoir écrit trois poignées de titres sans points faibles, les Specials vont bénéficier à la production des services d’un type alors en état de grâce, le sieur Elvis Costello. « The Specials » est un régal. Pour chaque titre, il y a toujours une trouvaille sonore. Sans toutefois dénaturer le propos, la base et l’essence des titres. Déjà, sur quinze titres, plus de la moitié ne sont pas du ska. Il y a du reggae, du rock steady, du dub, du lovers rock (et non, c’est pas la même chose ...). Et parfois même un fonds rock (« Concrete jungle »), voire rock’n’roll (« Dawning of a new era »). Priorité est donnée fort justement à la rythmique (fabuleux arrangements des parties de batterie, et une basse omniprésente), à la mise en place vocale (deux chanteurs, et deux autres qui interviennent dans les chœurs) et aux mélodies nerveuses (le rythme originel de la musique jamaïcaine est très souvent accéléré).

Sur quinze titres, un seul est à mon sens raté (« Stupid marriage »), et un autre un peu hors-sujet (« Concrete jungle », avec ses rythmes tribaux à la « We will rock you » de Queen). Le reste, c’est du tout bon. Bien que des vrais hits, il n’y en ait qu’un, « Gangsters », absent du vinyle original mais rajouté depuis sur toutes les rééditions. D’autres titres, relativement anonymes pour le « grand » public, auraient mérité le haut des charts (« A message to you Rudy », « Doesn’t make it alright » sont les plus évidents. Mention particulière au long « Too much too young », reggae-ska sur une boucle rythmique de six minutes, jouant sur d’imperceptibles variations, et démontrant par là-même qu’instrumentalement les Specials assuraient (on n’était pas dans l’approximation punk), et qu’encore une fois Costello faisait des miracles à la console.

Potentiellement, les Specials avaient  tout pour réussir (les parties de guitare de Roddy Radiation sont un régal, il aborde chaque morceau différemment, les cuivres savent être discrets dans leur efficacité), et une marge de progression assez impressionnante, les amenant à préparer un second disque beaucoup plus ambitieux, débardant le cadre du reggae au sens large. C’est surtout humainement que la mayonnaise ne prendra pas. Jerry Dammers, personnage clé du groupe, est assez peu « visible » aux claviers et les ego ne vont pas tarder à prendre le dessus. Plus que la retombée de la vague éphémère du ska, c’est le clash des personnalités qui provoquera la chute des Specials.

L’héritage laissé par le groupe ne sera pas à la hauteur de son talent. Les Specials, on n’en a retenu que la matrice d’un ska festif up tempo, pénible passage obligé de tout festival qui se veut « sympathique » et « populaire », alors que dans ce premier disque, il n’y a réellement qu’un titre (« Nite Klub ») qui réponde à cette définition …

Les « vrais » Specials (plusieurs moutures du groupe avec quelques-uns des membres originaux essayent de temps en temps de revenir sur le devant de la scène, sans aucun succès) n’ont sorti que deux disques. Celui-ci est d’assez loin le meilleur …

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