NINE INCH NAILS - PRETTY HATE MACHINE (1989)

 Sound Machine

Nine Inch Nails, c’est Trent Reznor. Point Barre. C’est d’ailleurs écrit dans le livret de « Pretty Hate Machine », premier disque paru à la toute fin des 80’s. Un disque qui ne sera pas un gros succès, sorti sur un label indépendant… il faut dire que la musique proposée et les thèmes abordés avaient de quoi faire fuir les directeurs artistiques des majors.

Nine Inch Nails au grand complet

Reznor n’est pas un joyeux (drogues et dépressions semblent être ses seuls amis durables), son univers musical non plus. Tout est fait pour choquer, agresser, dérouter. Le matériau de base, c’est une techno industrielle (beaucoup de choses ressemblent aux Belges radicaux de Front 242) lacérée de gros riffs de guitare. Assez proche également de ce que produisent les héroïnomanes déjantés de Ministry, le côté rock’n’roll circus en moins. Nine Inch Nails est beaucoup plus sombre, plus glauque, sans la moindre trace d’humour ou de second degré qui caractérisent le « groupe » de Jourgensen …

Mais Reznor est très fort en studio. Il va mettre en place un design sonore qui va durablement marquer la décennie des 90’s et faire la fortune de son plus célèbre « disciple » Marylin Manson, dont il produira les premiers disques avant une série de brouilles, embrouilles, carambouilles et réconciliations …

Dans « Pretty Hate Machine », de l’électricité sale gicle de partout, lézardée d’interférences électriques, de sons distordus et parasités. Une masse sonore inquiétante, brouillonne en apparence, déstabilisante … La voix de Reznor, toute en plaintes, gémissements et hurlements contribue également pour beaucoup à la noirceur des titres. En fait, ce qui est le plus gênant dans ce premier disque, et d’ailleurs comme dans la plupart de ceux qui suivront, c’est l’absence ou du moins la rareté de titres construits. De chansons pour dire les choses simplement. On suppose que c’est un parti pris volontaire car « Head like a hole » (de la mélodie, des machines, des guitares, que demande le peuple ?) ici, « Closer » ou « We’re in this together » plus tard, montrent que Reznor est capable d’écrire de grands morceaux de structure classique.

Il y a d’autres bonnes choses dans ce disque, « Something I can never have » avec son piano triste et sa touche lyrique, « Sin », débuté comme du Depeche Mode avant de s’abîmer dans du metal chauffé à blanc, le noir « Sanctified » avec son passage bien trouvé de chant grégorien … Il y aussi pas mal de titres qui marquent moins les esprits, englués dans des effets sonores quelque peu foire à la ferraille et bugs électriques divers … Ce disque doit cependant être considéré comme un tout, et plutôt qu’une succession de « chansons »,  comme une porte d’entrée intéressante mais pas exceptionnelle pour l’univers très particulier de Nine Inch Nails …

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The Fragile

QUEENS OF THE STONE AGE - SONGS FOR THE DEAF (2002)

Supergroupe et superdisque ...

QOTSA 2002, du beau monde ...

Ce disque était attendu comme le Messie, il devait sauver le rock, ou au moins lui conférer une nouvelle vision, une nouvelle dimension. Josh Homme, leader et théoricien du groupe avait réuni un casting exceptionnel : l’encore fidèle Nick Oliveri, bassiste virtuose et allumé notoire ; Mark Lanegan, une des meilleures voix du rock alternatif US ; enfin Dave Grohl, plus grand batteur vivant (« Nevermind » de Nirvana).

Avec une telle équipe, on se prenait à rêver. Eux seuls étaient capables de faire ressurgir les pères fondateurs (Led Zep et Black Sabbath), réaliser la synthèse des précurseurs  américains (Hüsker Dü, Pixies et Nirvana), le tout baignant dans la violence blanche des Stooges ou du MC5.

« Songs for the deaf » est bâti comme les antiques concept-album des seventies, et d’ailleurs il sonne pas mal seventies, il est construit comme un road-movie rythmé par le son d’une radio FM. Résolument orienté rock lourd, la radio FM. Qui balance des titres d’anthologie (« No one knows », « First it giveth », « Another love song », le Nirvanesque « Go with the flow », « God is in the radio » qui remémore les freaks défoncés d’Hawkwind,…), mais aussi quelques ratés (l’inutile agression frontale de « Sex shooter », la linéarité de « Do it again », également ces bruitages radio qui renvoient aux pires heures de Roger Waters période post-Floyd et font retomber la pression).

Mais la balance est très largement favorable et « Songs for the deaf » est un des tout meilleurs disques des années 2000 et à ce jour la pièce maîtresse des Queens of the Stone Age.

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Villains

IRON MAIDEN - PIECE OF MIND (1983)

Comment creuser sa tombe ...

Fin des années 70, début des années 80, le hard en Angleterre avait tout du cimetière des éléphants. Les deux groupes emblématiques Deep Purple et le Zep finis, pour les amateurs du genre, Iron Maiden avait constitué la solution. Moins mauvais de cette New Wave of British Heavy Metal et pourvus d’un « classique » (« Number of the beast »), les Maiden remettaient le fer sur l’enclume avec ce « Piece of mind ».

Perfecto, cheveux longs et jean moule-burnes ... Iron Maiden 1983

Pas de guitar-hero, des batteurs interchangeables, un chanteur limité (tant qu’il faut hurler, tout va bien, mais s’il faut moduler et s'il y a une mélodie à suivre l’affaire se complique), un bassiste discret (pléonasme) comme leader, Iron Maiden était un groupe compact peu enclin à mettre ses musiciens en avant (le « personnage » le plus connu du groupe est leur zombie-mascotte Eddie).

Tout passait par la musique. Or ici ça coince. Des influences classiques (pourquoi diable tant de métalleux (Blackmore, Malmsteen, liste quasi-infinie) sont-ils fans de Wagner, Beethoven et autres allemands grandiloquents ?), des tentations progressives (l'ombre maléfique de Yes et Genesis plane sur pas mal de titres), « Piece of mind » est finalement pesant et indigeste, car il manque le riff évident, le refrain qui accroche, et surtout le fun et la simplicité.

De plus, en accélérant encore quelquefois le tempo, Maiden va chercher le bâton pour se faire battre par toute une  cohorte de jeunes hardeux (Venom, Slayer, Metallica, …) qui vont bientôt venir occuper le terrain du speed à sa place en bannissant de leurs morceaux toute dérive classique ou progressive.

Avec « Piece of mind », Iron Maiden avait voulu trop bien faire. Ils en ont juste fait trop.

Un groupe pour moi à consommer à dose homéopatique et uniquement en live, où là ils envoient le bois sans trop réfléchir …

THE CULT - ELECTRIC (1987)

Furieusement électrique

Ian Astbury : chapeau pointu turlututu ...

Ce Cd est considéré comme le meilleur du Cult. Un groupe qui en 1987 revenait déjà de loin. Emmené par le chanteur Ian Astbury et le guitariste Billy Duffy, ayant tour à tour été post-punk, batcave, gothique, hippy, le groupe a vu en quelques années rétrécir son nom de Southern Death Cult en Death Cult pour finir en Cult.

« Electric » est un disque de hard-rock « à l’ancienne ». Guitares Led Zeppelin, riffs AC/DC, les glorieux ancêtres sont présents tout au long de ce Cd. A des lieues du hair metal américain et du cirque bruyant d’un Iron Maiden en Angleterre. Des morceaux courts, carrés, pêchus, très seventies, avec aux manettes Rick Rubin, producteur des Beastie Boys mais aussi des speed métalleux de Slayer.

Et reprendre « Born to be wild », l’hymne des Hell’s Angels de Steppenwolf montre que l’on a clairement choisi son camp : tous les potards à onze et roulez jeunesse.

Astbury et Duffy n’égaleront plus le coup de maître d’ « Electric », Astbury finira même par « remplacer » Jim Morrison lors d’une reformation douteuse d’une partie des survivants des Doors.

DINOSAUR Jr - BUG (1988)

Prehistoric sounds

Dinosaur Jr. ont toujours fait peu ou prou le même disque. Comme à peu près tout le monde … Le rock étant toujours affaire de guitaristes et de chanteurs, et Jay Mascis cumulant les deux postes, écrivant même tous les titres, Dinosaur Jr. est son groupe.

Dinosaur Jr. : hommes des tavernes ?

Et que ce « Bug » soit le dernier avec son ami le bassiste Lou Barlow qui suite à une fâcherie s’en ira former Sebadoh, ne change pas fondamentalement la donne. C’est un disque à guitares saturées, sales, distordues, avec force effets de feedback et de larsen, et comme point de référence les pionniers bruyants de Sonic Youth. Ebauche de ce que sera quelques années plus tard le grunge des Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden et consorts … Et contemporain de Hüsker Dü, Pixies et du retour à l’électricité rageuse (« Freedom », « Ragged glory ») de celui qui est leur grand-père à tous, Neil Young …

Doté d’une pochette assez repoussante (là aussi une constante dans la carrière de Dinosaur Jr.), ce « Bug » est néanmoins un de leurs plus abordables. Peut-être bien leur plus « joli », celui qui ne se contente pas de seulement mettre en place le raffût électrique du groupe, mais l’organise autour de titres bien construits, avec des mélodies bien fichues, qui se retiennent …

Les titres les plus aboutis, « Freak scene », « Pond song », « Budge » accrochent immédiatement l’attention. Au contraire de la conclusion « Don’t », remplie de cris, dissonances et borborygmes métalliques, qui rappelle les premiers disques « difficiles » de Sonic Youth …

Dinosaur Jr. n’a jamais été un groupe « branché », et Mascis continue encore aujourd’hui, contre vents et marées, de martyriser les cordes de sa guitare, indifférent au temps et aux modes. Un type bien …

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Where You Been

LYNYRD SKYNYRD - PRONOUNCED LEH-NERD SKIN-NERD (1973)

Confédérés

Plus doués pour les solos de guitare que pour s'habiller ...

Groupe symbole du rock « sudiste » qui tire son nom de la déformation phonétique du nom d’un prof de gym qui les persécutait au lycée à cause de leurs cheveux longs, Lynyrd Skynyrd avec ce premier album de 1973 a d’entrée joué dans la cour des grands. Les musiciens, buveurs, baiseurs, bagarreurs et cultivant à l’excès (drapeaux sudistes aux concerts, …) une imagerie redneck qui sera leur fonds de commerce, ont joué un hard-boogie traînard et ensoleillé, égayé par un piano, mais surtout porté par trois guitares. Deux fameux solistes, Allen Rossington et Gary Collins et le braillard Ronnie Van Zant au chant, sont les leaders naturels du groupe.

La musique est excellente, un peu comme si l’Allman Brothers Band s’était pris pour les Rolling Stones, et ce Cd contient des incontournables du groupe (« Tuesday gone », « Gimme three steps »). Mais surtout il se termine par l’épique (plus de 9 minutes) « Freebird », le « Stairway to Heaven » américain, désigné il y a quelques années comme le morceau de rock le plus diffusé de tous les temps (devant « Yesterday » des Beatles, c’est dire si c’est une scie …) sur les radios US.

Même si on peut lui préférer le suivant (« Second coming »), ce Cd est indispensable pour avoir un aperçu de la carrière du groupe.

AIRBOURNE - RUNNIN' WILD (2008)

 C'est dans les vieux pots ...

Premier réflexe : Tiens, des inédits d’AC/DC période « Let there be rock » - « Highway to hell ». Euh, non c’est le 1er Cd d’un jeune groupe, Airbourne.

Balèzes, les Australopithèques ...

Groupe australien bien sûr. Et dès lors, la référence à la bande à Bon Scott et Angus Young à leur apogée s’explique mieux.

Mais après quelques écoutes, on peut affirmer que ce n’est pas de la vulgaire copie. Certes, quelques tics vocaux rappellent furieusement Bon Scott, mais ce qui fait la classe de cet album, c’est le son. Ce son du hard des années 70, AC/DC, Aerosmith, Johnny Winter, Free, Scorpions, …

Cette recette sonore simple, basique, que plus personne ne semblait aujourd’hui capable de pouvoir recréer. Les quatre minots d’Airbourne y sont arrivés. Et même si ce disque ne soutient pas vraiment la comparaison avec les meilleurs des glorieux anciens (il manque dans ce Cd un riff d’anthologie, un refrain imparable, et il y a des progrès à faire au niveau solo de guitare), on tient avec ce « Runnin’ wild » un des meilleurs disques de hard-rock 70’s de la décennie.

Ce qui n’est quand même pas si mal.

UFO - LIGHTS OUT (1977)

Soucoupes Violentes
Ce disque est miraculeux. Car il est miraculeux qu’un groupe comme UFO (OVNI en français) ait pu sortir des disques de cette qualité.

Psychologiquement perturbés, défoncés jusqu’aux yeux, se détestant et passant leur temps à s’envoyer des bourre-pifs, les membres du groupe ont pourtant réussi à élaborer quelques disques remarquables dont « Lights out » est un des tout meilleurs.

Les talents de mélodistes de Mogg et Way sont peu (re)connus  dans le monde du hard-rock de cette fin des 70’s, et sans l’instabilité chronique des musiciens, ce talent leur aurait sans doute permis d’accomplir une carrière à la Van Halen ou Foreigner en terme de succès populaire.

Car aux superbes mélodies quasi pop, s’ajoute la pression hard de la guitare zigzagante de Michael Schenker (tellement inconsistant mentalement, que son frère Rudolph n’en voulait plus dans ses Scorpions, encore à la recherche de la consécration). Ecoutez « Try me » et vous verrez à quel guitariste subtil vous avez affaire.

Les bons morceaux sont nombreux (« Lights out », « Too hot to handle », « Love to love »).

A noter une reprise de “Alone again or” des Love qui même si elle n’est pas très réussie, prouve que les UFO connaissaient leurs classiques américains psychédéliques et avaient bon goût. Autre preuve de bon goût, la pochette est signée Hipgnosis, designers dont UFO furent avec Pink Floyd les meilleurs clients dans les années 70.

SMASHING PUMPKINS - ZEITGEIST (2007)

We're only in it for the money

Ainsi les Smashing Pumpkins se sont reformés. Après les gamelles retentissantes de sa carrière solo et de Zwan, Corgan a donc recultivé ses Potirons. Coup d’œil étonné sur le casting : il en manque la moitié (Iha, D’Arcy) de la formation « royale » du milieu des 90’s. Un peu comme si McCartney et Ringo reformaient les Beatles  …

Coup d’œil consterné sur le visuel, lourd d’un symbolisme à deux dollars, confirmé par des textes dans l’air de son temps (feu à volonté sur George W. et son administration ultra-libérale). Corgan se serait-il reconverti en Michael Moore heavy-metal ?

Reste la musique. Du rock indie post-grunge  à (grosses) guitares, avec tout de même quelques titres plus lents et plus intéressants vers la fin du Cd. Mais rien de bien renversant. Le genre de truc à la mode il y a quinze-vingt ans, quand les Pumpkins sortaient « Siamese dreams » ou « Mellon Collie ».

La nostalgie, camarades. Ça fait toujours vendre.

La caisse est au fond, à droite.

Malheureusement (ou heureusement), pas grand-monde est passé à la caisse... Tout le monde s'en fout aujourd'hui des Pumpkins, et c'est pas plus mal...

ALICE COOPER - SCHOOL'S OUT (1972)

Mais oui mais oui l'école est finie ...

Et bien finie. Les Alice Cooper y ont foutu le feu. Car il ne faut pas oublier qu’Alice Cooper est à la sortie de « School’s out » en 1972, encore un groupe. Qui commence à avoir un gros succès aux USA. Et dont le chanteur, Vincent Furnier qui a pris le pseudonyme d’Alice Cooper, focalise tous les regards. Et ce qui fait la réputation d’Alice Cooper, ce sont les concerts. Les shows, devrait-on dire. Tenues et maquillages outranciers, serpent, accessoires sado-maso (des fouets à la … guillotine), pyrotechnie, effets visuels … La totale. Les vieux bourgeois et leurs rombières appellent ça du rock décadent.

Et la musique, dans tout ça ? Une base de hard-rock mélodique, de celui capable d’engendrer hymnes et tubes (« School’s out » le morceau, « My Stars »). Mais surtout l’influence de leur producteur Bob Ezrin. Qui trouve toujours le moyen de glisser ça et là des arrangements classiques ou jazzy (« Blue Turk », « Grande Finale »), arrangements qui constitueront sa marque de fabrique par la suite (« Berlin » de Lou Reed, « The Wall » du Floyd, c’est Ezrin aux manettes).

Même si perso je préfère « Killer », « School’s out » est un des grands disques d’Alice Cooper. Qui va les aligner, les grands disques, dans cette première moitié des années 70.

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Killer 
Welcome To My Nightmare

From The Inside

ALICE COOPER - KILLER (1971)

Dark side ...

Ce disque d’Alice Cooper est celui qui l’a définitivement consacré. Mais rien n’est simple avec Alice Cooper. Qui est le nom du groupe, mais aussi le pseudo schizophrénique de son chanteur Vincent Furnier. Originaire de Detroit comme d’autres cinglés notoires du binaire (Ryder, MC5, Stooges, Nugent, …), passé par l’Arizona avant de s’échouer à Los Angeles … Où Frank Zappa, qui s’y connaît en cinoques, l’a repéré et a permis la signature du groupe sur un label, pour une paire de disques dispensables.

Alice Cooper se retrouve en 1970 chez Warner, et fait paraître « Love it to death », qui génèrera son premier hit « I’m eighteen » et lui vaudra surtout sa rencontre avec le tout jeune producteur Bob Ezrin, qui accompagnera le groupe jusqu’au milieu des années 70 et sera indissociable du son et du succès qu’il rencontrera…

« Killer » avec en photo le boa fétiche de Furnier, n’est pas un Cd facile d’accès, mais c’est pourtant un des deux ou trois incontournables de sa discographie. Seuls les deux premiers titres, qui sortiront avec succès en simple sont relativement basiques. « Under my wheels » est un boogie nucléaire, qui aurait du pousser Canned Heat vers la retraite et faire réfléchir Status Quo avant de s’engager dans la voie du binaire simpliste… « Be my lover » est lui un hard-rock très mélodique, qui jette les bases du glam-rock… le reste du disque est beaucoup plus sophistiqué, multipliant à l’intérieur du même titre changements de rythmes, de mélodies, d’ambiances … La liaison est assurée par la voix du Coop, qui transpire le vice et la méchanceté.

Car ce qui singularise Alice Cooper et qui deviendra la marque de fabrique du groupe, c’est cette recherche obsessionnelle d’ambiances macabres, sordides, fantasmatiquement malsaines, explorant la face sombre et inavouable de l’inconscient… une sorte de version rock’n’roll des films de David Lynch… Chez Alice Cooper, tout n’est que mort violente avec grosses giclées d’hémoglobine.

Ce qui permettra la mise en place du « cirque » Alice Cooper lors de shows mémorables, qui tendront au fil des ans et du succès vers une sorte de Barnum gore et grand-guignol, avec mise en scène de décapitations, pendaisons, et autres joyeusetés morbides. Que ceux qui croient que les comiques de Marylin Manson ont inventé quelque chose se plongent dans les DVD d’Alice Cooper…

Le plus remarquable dans ce « Killer » reste quand même la production d’Ezrin, trouvant pour quasiment chaque titre une audace sonore, un arrangement à priori improbable dans le contexte, mais qui font tout le « charme » particulier du disque… Voir pour cela la longue intro sinueuese de « Halo of  flies » avec sur le titre l’omniprésence de la basse de Dennis Dunaway, puis un gros riff qui annonce ceux du Blue Oyster Cult … ou « Desperado » alternant arpèges de guitare puis gros riffs heavy, « Dead babies » guitares Black Sabbath, puis arrangements discrets de cordes et de cuivres, ou encore l’ultime « Killer », avec grattes lancinantes et menaçantes qui instaurent une ambiance de soundtrack de film de la Hammer et intermède renvoyant à la musique baroque … Du travail d’orfèvre d’Ezrin, que l’atrabilaire Lou Reed recrutera dans la foulée pour son « Berlin » …

Alice Cooper continuera avec le même personnel (tous participent à l’écriture) pour une poignée d’excellents disques dans la même veine, avant que Furnier s’accapare le nom pour une carrière solo (à partir du très bon  « Welcome to my nightmare » en 1975) beaucoup plus inégale basée sur les acquits et le crédit obtenus au début des 70’s…

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School's Out

 Welcome To My Nightmare

From The Inside

ANTHRAX - AMONG THE LIVING (1987)

Un bon disque de rock énervé

Je suis loin d’être un fan de ces genres musicaux (speed, trash, death, …). Mais il faut reconnaître que cet « Among the Living » est un bon disque. Et pour plusieurs raisons.

Les gars d’Anthrax semblent des types ouverts, et n’ont pas hésité à tenter des expériences musicales, avec le rap (le fantastique « Bring the Noise » avec Public Enemy), ou avec du rock non anglo-saxon (leur reprise d’ « Antisocial »).

Le type au micro ne hurle pas, n’aboie pas, ne glapit pas. Il chante. Les guitares ne sont pas des tronçonneuses emballées, elles savent mettre en avant la mélodie, le riff mémorisable.

Les compositions sont pour la plupart excellentes, avec des mélodies, des couplets, un refrain, des solos, … Le genre de trucs que la concurrence ne sait pas faire.

Et puis il y a sur cet « Among the Living » le détail en plus qui fait les grands disques de rock à guitares : l’intro des morceaux. Longue (toutes entre 40 secondes et 2 minutes), sinueuse, mettant petit à petit en évidence le riff central, … Deep Purple, Led Zep, AC/DC, Guns’n’Roses ont sur leurs meilleurs disques maîtrisé cet art de l’intro qui tue.

Anthrax ici aussi et prouve qu’avec ce Cd il peut se hisser à leur niveau.

LED ZEPPELIN - PHYSICAL GRAFFITI (1975)

Plaisir double

A cette époque-là (1975), seuls les plus grands avaient réussi le difficile exercice du double album en studio: Beatles (Blanc), Stones (« Exile … »), Dylan (« Blonde on blonde »), Hendrix (« Electric Ladyland »).

Avec « Physical Graffiti », Led Zeppelin confirme qu’il est artistiquement leur égal. Et pourtant ce disque divise le public encore aujourd’hui, certains grincheux avec du béton dans les oreilles le trouvant trop long, trop pesant, trop boursouflé, trop indigeste.

A mon avis il n’en est rien, et ce Cd fait partie des tout meilleurs du Zep. On est fixé dès les riffs monstrueux de « Custard Pie », et au moins trois autres morceaux d’anthologie sont ici présents : « Houses of the Holy », « Boogie with Stu » (Stu pour Ian Stewart, pianiste et « sixième » Rolling Stones) et l’insurpassable « Kashmir » (meilleur titre de Led Zeppelin, avec l’hallucinant numéro de Bonham à la batterie)

Led Zeppelin réussit par ailleurs à étirer la plupart des autres morceaux sans que la longueur devienne lassante, tant les trouvailles rythmiques et sonores abondent. « Physical Graffiti » est le dernier grand disque du Zeppelin, peut-être leur plus beau.

Et tant qu’à parler de beauté, on ne peut que regretter le format Cd, qui nous prive de la somptueuse pochette découpée du double 33 Tours original, seul reproche que l’on puisse faire aujourd’hui aux rééditions de « Physical Graffiti ».

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Led Zeppelin

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ALICE COOPER - WELCOME TO MY NIGHTMARE (1975)

Le joli cauchemar d’Alice

Ce disque ne ressemble à aucun autre dans la pléthorique discographie d’Alice Cooper. Enregistré en 1975 à un moment où l’affaire sentait vraiment le sapin. Alice Cooper, le groupe, n’existait plus. Explosé en plein vol dans des relents opiacés et des volutes d’alcool forts, consommés en quantités industrielles, et ce malgré un succès croissant et des hits qui s’accumulaient.

Dorénavant, les choses seraient claires, Vincent Furnier, alias Alice Cooper, serait le seul maître à bord de son projet schizophrénique. Mais s’il a pour ce « Welcome … » viré tous ses anciens compagnons, c’est pour faire une place plus grande encore à l’éminence grise du Alice Cooper sound, Bob Ezrin. Qui de producteur traditionnel du groupe, devient également co-auteur de la plupart des titres. Il faut dire qu’il a pris du galon, gagné de la respectabilité et de la reconnaissance dans le milieu musical. Il vient de produire le « Berlin » de Lou Reed, et le succès, surtout d’estime et critique de ce disque, doit beaucoup aux arrangements baroques et décadents d’Ezrin. Qui fait venir à temps plein sur ce « Welcome … », la fameuse paire de guitaristes Steve Hunter et Dick Wagner, déjà occasionnellement sessionmen d’Alice Cooper, mais surtout très remarqués sur « Berlin » et la tournée apocalyptique qui a suivi, dont furent extraits deux masterpieces live de Lou Reed, « Rock’n’roll animal » et « Live ».

« Welcome … » doit beaucoup à Ezrin. Car le concept de l’album, vu les antécédents d’Alice Cooper, n’a rien de bien surprenant, c’est l’histoire d’une nuit d’angoisse et des cauchemars qui vont avec, d’un jeune garçon, Steven. Et cette horrificque histoire aurait pu s’accompagner d’un quelconque fracas blacksabbathien, d’un hard-rock sombre et convenu comme Alice Cooper n’aura de cesse d’en délivrer depuis. Or toute la réussite du disque vient d’un enrobage sonore souvent enjoué, primesautier et entraînant. Le morceau-titre d’ouverture repose en grande partie sur des cuivres très rythm’n’blues et un piano fou, « Some folks », le titre le plus pop du disque a un rythme de comédie musicale, également de nombreux cuivres, et un refrain en forme d’hymne. "Steven" débute par un thème au piano qui semble venu de la musique classique et qui reviendra dans le titre comme un fil rouge, au milieu d’un crescendo baroque qui évoque fortement le « Berlin » de Lou Reed. Trois titres sinon détonnants, mais tout au moins étonnants dans la discographie d’Alice Cooper, qui était rarement allé aussi loin de ses bases électriques rageuses.

Mais ne surtout pas croire que « Welcome … » serait un disque de prog qui s’ignore. Ca enclume sévère et Hunter et Wagner sont souvent à la fête, alignant riffs dévastateurs et solos ébouriffants. Des choses comme « Department of youth » hymne rock’n’glam parfait, le violentissime « Cold ethyl » et dans une moindre mesure « Escape » ou « Black widow » envoient le bois grave.

Et puis, dans le lot, il y a l’ « Angie » d’Alice Cooper, ça s’appelle « Only women bleed », c’est la ballade qui tue avec un grand orchestre, qui une fois n’est pas coutume chez Ezrin (parfois coupable dans ses productions de pompiérisme redondant), reste plutôt discret et est en tout cas finement intégré à la structure du morceau.

Malgré une paire de titres anodins ou ratés, ce « Welcome … », resté à ma connaissance (il y a fort longtemps que j’ai laissé tomber le Coop et son hard-rock primaire et grand guignol, en gros depuis ce disque-là) sans équivalent dans la carrière de l’homme au boa, constitue une des œuvres les plus intéressantes de sa discographie, et en tout cas la plus abordable …

Enfin, pour l’anecdote, dans le morceau « Devil’s food », Ezrin et Alice font intervenir pour un long récitatif angoissant d’une grosse voix caverneuse, un acteur déjà vieillissant, spécialisé dans les films d’horreur, Vincent Price. C’est le même que l’on retrouvera quelques années plus tard dans exactement le même exercice sur le morceau « Thriller » de Michou Jackson, comme quoi y’a pas que Manu Dibango qu’il a copié, le beau-fils au King …

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Killer 
School's Out

From The Inside

JEFF BECK GROUP - BECK-OLA (1969)

Mangez des pommes ...

Jeff Beck est un cas à part, tant musicalement qu’humainement. Toujours cité dans la poignée des plus grands guitaristes de tous les temps, un des plus parfaits compromis entre technique, feeling et imagination. Humainement, c’est une tête de lard, un quasi autiste qui ne semble avoir un comportement social acceptable que depuis une dizaine d’années, un caractériel angoissé capable d’imprévisibles sautes d’humeur.

On ne compte plus ses revirements artistiques, qui tiennent autant de l’hésitation maladive que de la recherche de nouveaux horizons sonores. Et ce depuis ses débuts. Parti des Yardbirds sur un coup de tête, suffisamment traumatisé par les premiers concerts londoniens d’Hendrix pour avoir songé arrêter la musique, il va revenir sur le devant de la scène avec un groupe, le Jeff Beck Group, dont l’intitulé seul montre qu’il en est le leader irascible. Une comète qui se désintègrera après quelques mois et deux disques qui ont marqué les esprits de l’époque.

Il faut dire que le gaillard a su s’entourer, recrutant Rod Stewart, co-chanteur des éphémères et oubliés Steampacket, Ron Wood, guitariste du groupe garage les Birds embauché à la basse (on ne fait pas d’ombre à Jeff Beck à la guitare), le pianiste de studio réputé Nicky Hopkins (remplaçant John Paul Jones présent sur le premier disque mais parti gagner sa vie avec Led Zeppelin), et le batteur de  séances Tony Newman. Du costaud. Du lourd, même pourrait-on dire.

Parce qu’après un premier album (« Truth ») de facture plus « classique », mais qui ne souffre en aucun cas de la comparaison avec des choses comme « Beggar’s banquet », c’est dire son niveau, Jeff Beck va pousser le curseur vers des territoires encore plus sauvages, encore plus violents. Participant à la fuite en avant qui amènera à la naissance du hard-rock ou du heavy metal.

« Beck-Ola » place la barre plus haut que Led Zeppelin, le Jeff Beck Group est plus bouillonnant, plus crade. Les Américains au pied lourd sur la pédale fuzz (Blue Cheer, Vanilla Fudge, Iron Butterfly), n’ayant à proposer que du « gros son » sont renvoyés à leurs études. « Beck-Ola » n’est pas un disque pour guitaristes. Ou pas seulement. Il n’y a pas ici de démonstration, la technique assez insensée de Beck n’est là que pour sublimer les titres. En gros, ceux qui cherchent des solos de dix minutes avec douze milliards de notes à la seconde peuvent changer de crémerie et se payer l’intégrale de Ten Years After.

Ici, it’s only rock’n’roll … avec deux titres popularisés par Elvis (« All shook up », « Jailhouse rock ») défenestrés avec une énergie rare, avec mention particulière au second, totalement transfiguré. Toujours rayon strict rock’n’roll un « Spanish boots » avec un « extraordinaire » (c’est Beck lui-même qui l’écrit sur les notes de pochette du 33T original) Rod Stewart au chant, parce que celui-là, avant qu’il se demande si on le trouvait sexy ou si les blondes étaient plus marrantes, était un immense chanteur, une des plus belles voix « noires » jamais sorties du gosier d’un visage pâle… Chose assez rare dans sa carrière, Jeff Beck laisse même Nicky Hopkins prendre les choses en main sur un instrumental écrit par le pianiste, El Becko se contentant juste d’incendier le titre de quelques éclairs guitaristiques dévastateurs. Rien cependant à côté de la nucléaire jam finale, l’autre instrumental « Rice pudding », parti sur une classique base boogie, et emmené vers … un shunt brutal après sept minutes et vingt-deux secondes de folie furieuse. Rajoutez un boogie-blues de plomb (« Hangman’s knee »), un titre débuté tranquillement rythm’n’blues (« Plynth ») et qui après une multitude de syncopes rythmiques, breaks en tous genres, zigzags ahurissants de guitare, délivre finalement un orage zeppelinien d’une rare intensité …

Empaqueté dans une toile de Magritte, ce « Beck-Ola » impressionnera fortement son monde, les programmateurs de Woodstock contactent le groupe, l’avenir s’annonce radieux …

Une énième saute d’humeur de Beck, et adieu veaux, vaches, cochons, le groupe explose …

Reste deux disques, parmi les meilleurs d’une époque peu avare en disques marquants, et pour moi les deux meilleurs de Jeff  Beck.

Du même, une purge jazz-rock :
Wired

VAN HALEN - 1984 (1984)

Avec le sourire …

Van Halen, au début des années 80 c’était une des grosses affaires du hard. Du hard ? Ouais, si on veut, pour le côté tignasse dans le manche de la gratte d’Eddie Van Halen, sa technique folle et originale, le tapping, cette sorte de choses … Mais bon, de ce côté-là, des chevelus techniques avec les amplis Marshall à onze, y’avait de la concurrence. Ce qui faisait ressortir Van Halen du lot, c’était son côté festif, coloré, chatoyant… Un groupe plus proche pour moi des Beach Boys que du black metal …

Et cette insouciance légère était en grande partie due à son chanteur-showman David Lee Roth, brûleur de planches explosif et rigolard en fute lycra à poutre apparente, qui préférait de loin la fréquentation de California girls en bikini à celle d’un quelconque gourou sataniste. Pas un cérébral, le David, mais un type bien, très bien même… D’ailleurs, quand il s’est cassé du groupe après ce disque, les Van Halen sont devenus un groupe de hard comme les autres … Sans trop d’intérêt donc … Mais du temps de ce « 1984 », paru, par un génial coup de marketing, le 1^er Janvier, obligeant les grands magasins américains de disques à rester ouverts la nuit du réveillon, pour servir de conséquentes files de fans, les disques de Van Halen étaient attendus.

« 1984 », avant d’être le disque de la rupture avec David Lee Roth, sera d’abord celui de la rupture avec la ligne musicale habituelle du groupe. Instigateur en chef, Eddie Van Halen, qui va se démultiplier, assurant parties de guitares et lignes de synthés. Des synthés ? Oh que oui, et un peu beaucoup (trop ?) même … et pas d’antiques bahuts genre Farfisa ou Hammond, non, non, des bidules japonais high-tech, les mêmes qu’on retrouvait chez Depeche Mode, Human League, Culture Club, toute cette vague electro-pop anglaise généralement abhorrée des fans de hard…

Une pompeuse intro nullissime laisse présager le pire. Heureusement derrière, les Van Halen vont aligner trois titres tellement bons qu’on en oubliera ces fucking synthés, pourtant bien présents. « Jump », qui avant de faire le tour du Stade Vélodrome a fait le tour du Monde en haut des charts, et que même les sourds ont du l’entendre un jour, c’est dire s’il est connu … L’excellent « Panama », glam’n’roll, festif, ludique et ensoleillé, et « Top Jimmy », dans le même style avec un solo « impossible » d’Eddie, complètent cette trilogie oh combien gagnante …

La suite ? Hum … pas du même niveau. « I’ll wait » et « Girl gone bad » sont des titres assez vilains, le boogie speedé de « Hot for teacher » doit beaucoup aux ZZ Top, « Drop dead legs » malgré un bon riff très AC/DC souffre d’un son de batterie aujourd’hui ridicule. Seul « House of pain », très hard et sans trop de fioritures superflues, relève le niveau d’un final de disque assez inconsistant …

David Lee Roth fait bien son job, on sent pas vraiment que le ressort est en train de casser entre lui et le groupe, Eddie Van Halen laisse heureusement tomber quelquefois ses bécanes électroniques, pour balancer quelques parties de guitares zigzagantes, le vieux complice producteur Ted Templemen leur concocte un son très de son temps, quelques vidéos ensoleillées vont ravir les premiers MTV addicts, le groupe se lancera dans une razzia des festivals, incendiant des scènes européennes où il ne se risquait que rarement jusque là, et finalement ce « 1984 » qui est loin d’être le meilleur du Van Halen 1^ère mouture, deviendra le plus connu et le plus vendu du groupe …

Des mêmes sur ce blog :
Van Halen

IRON MAIDEN - LIVE AFTER DEATH (1985)

Je me souviens, je me rappelle …

J’étais monté à la ville ce soir-là. Je n’étais pas au courant, mais je me suis vite rendu compte qu’il y avait un concert d’Iron Maiden, en passant non loin du Palais des Sports …

Toutes ce files de jeunes gars (16-18 ans de moyenne, pas une nana, pas un black ou un reubeu) en baskets, Rica-Lewis moule-burnes, tee-shirt noir floqué « AC/DC Back in black », bulldozer de Trust ou bien sûr Iron Maiden, veste en jean patchée et badgée avec souvent la trogne d’Eddie cousue dans le dos, cheveux longs, poignets de force cloutés … Ils se précipitaient au concert de leurs héros Iron Maiden.

Sans moi, merci … Toute cette New Wave of British Heavy Metal, les Saxon, Judas Priest, Tygers of Machin, … dont les Maiden étaient devenus en quelques années les incontestables leaders, eh bien je n’aurais pas échangé leur intégrale discographique contre un seul Led Zeppelin, même pas « In through the outdoor » …non, non, n’insistez pas … déjà trop vieux, déjà blasé, tout çà …

Tandis que tous ces minots, là, ils étaient à deux pas du bonheur. Une fois subies à l’entrée les brutalités des paramilitaires KCP qui fliquaient et contrôlaient les billets de manière euh …musclée de ce genre de gros concerts, ne restait plus à attendre que les loupiotes s’éteignent, que résonnent les bribes d’un discours de Churchill, les riffs de « Aces high », et c’était parti pour une avalanche d’une heure et demie de milliers de watts de lights et de sono …

Sans aucun temps mort, juste quelques arpèges de gratte à la « Jeux interdits » sur un titre, un autre qui commençait comme une ballade, mais ça ne durait pas, Iron Maiden envoyait le bois sans interruption. En laissant au vestiaire toutes les fanfreluches progressives et les guipures classico-pompières qui me faisaient détester leurs disques studio. Là, en concert au milieu des 80’s, juste du bruit et de la fureur, les Maiden sont excellents … Et finalement, si ces gars ont vendu des zillions de disques et sont aujourd’hui une institution très respectée du music-business, c’est parce que on stage, ils ne trichaient pas … ils donnaient à ceux qui venaient les voir exactement ce qu’ils attendaient. Avec les Maiden, pas d’annulation capricieuse, pas de risque de voir d’improbables junkies arriver avec quatre plombes de retard, piquer du nez au second titre, et finir le concert dans une ambulance du SAMU…

Rien que du sérieux et de la rigueur germanique chez Maiden, copyright Scorpions …

Ce « Live after death » est une sorte de Greatest hits en public,  tous les meilleurs titres en version radicale, un concert commencé pied au plancher, continué au sprint et fini en trombe, y’a même un Cd de rabiot avec cinq titres bonus par rapport au double vinyle d’origine … une affaire pour les fans, et même les autres …