Un premier album superbe, un second un peu moins,
des tournées incessantes ont fait des Stray Cats un groupe important et
respecté du début des années 80.
Les Stray Cats en 83 : plus vraiment la banane ?
Pour cette troisième livraison, ils retrouvent leur
producteur des débuts, Dave Edmunds, et recentrent leur propos musical autour
du rockabilly. Plus de reprises, rien que des compositions originales dont 8
sur 10 sont du seul Setzer, un vague concept (tous les morceaux parlent plus ou
moins de bagnoles) , et un court Cd (30 minutes).
Lequel Cd commence et s’achève par deux titres
évoquant fortement Cochran, inclut les belles « 18 miles to Memphis »
et « I won’t stand in your way », ainsi que le hit « (She’s)
sexy & 17 ». Ce Cd aurait pu être aussi bon que le premier, et même si
Setzer est devenu un superbe guitariste, les faiblesses apparaissent : la
voix est fatiguée, usée par les tournées incessantes, un style de vie très
« rock’n’roll » et l’entrain juvénile qui caractérisait les Cats des
débuts a disparu.
Le groupe ne va d’ailleurs pas tarder à se séparer,
Setzer le réactivant de temps à autre pour permettre à ses deux potes de
profiter de lucratives tournées. Et même si ces « reformations »
donneront des Cds plutôt dispensables, la « vraie » discographie des
Stray Cats se termine pour moi avec cet honnête « Rant n’rave ».
Premier volet d’une compilation en 3 Cds, comprenant
également « Rockin’ the classics » (axé sur des reprises), et
« Rocking the country » (comme son nom l’indique, répertoire de plouc
music).
Essentiellement consacré aux titres créés par le
Killer chez Sun. Du classique, du lourd (« Great balls of fire »,
« Whole Lotta shakin’ goin’ on », « High school confidential »,
« Breathless »…), ses classiques les plus connus et les plus remuants
(d’où le titre de la compilation) sont là. Quelques reprises, (« Ubangi
stomp », « What I’d said »), quelques titres plus obscurs, en
tout 22 pépites de la meilleure période de Jerry Lee Lewis.
Ce « Rockin’ up the storm » à peu près introuvable
aujourd’hui faisait partie d’une gigantesque fournée de rééditions Cd du début
des années 1990 du catalogue Sun (hormis Elvis, question de droits) des
artistes majeurs du label de Sam Philips.
Surboum dans les maisons de retraite Il faut être né avant 1945 pour avoir connu
ça : la déferlante twist qui a envahi la France en 1961-1962, se
transformant vite en vague yé-yé.
A l’origine de ce mouvement, une chanson, « The
Twist » par Hank Ballard & the Midnighters aux USA. Un quasi-bide.
Reprise quelques semaines plus tard par un certain Ernest Evans sous le pseudo de Chubby Checker, elle va devenir un
gigantesque succès mondial, porté par une danse du même nom.
Chubby Checker n’ira pas chercher plus loin un plan
de carrière, répétant jusqu’à l’écœurement des copies conformes de son hit. En
France, plus que partout dans le monde, tous s’y mettront (Hallyday, Mitchell,
Rivers, …), adaptant, traduisant, reprenant note à note les morceaux de
Checker.
Lequel, même s’il continue encore sa carrière de roi
du twist (il a vendu des dizaines de millions d’albums), n’aura artistiquement
été qu’une parenthèse dans l’histoire musicale américaine, entre les pionniers
du rock’n’roll et l’invasion des Beatles.
La musique de Chubby Checker n’a plus aujourd’hui
qu’un intérêt très mineur. Cette compilation n’y apporte rien de plus, desservie
par un packaging sommaire, un son asthmatique et une égalisation approximative
des titres. Quant aux morceaux présents, il n’est même pas sûr qu’il s’agisse
des versions originales, Chubby Checker les ayant réenregistrés plusieurs fois.
1er « vrai » disque de Little Richard (après quelques enregistrements anecdotiques auparavant) pour le label Specialty. Paru en 1957, ce Cd studio s’ouvre par un des plus grands (sinon le plus grand) morceaux de rock’n’roll de tous les temps, « Tutti Frutti », avec sa voix hystérique, son rythme irrésistible, et ses onomatopées à la place des paroles. Quelques décalques de l’hymne absolu sont aussi présents (« Ready Teddy », « Jenny, Jenny », et l’autre classique du Cd, « Long Tall Sally »), au milieu de morceaux plus apaisés mais tout aussi magnifiques (« Rip it up »).
La plus fabuleuse voix ayant jamais chanté du rock’n’roll est ici présente à son état brut, originel. Rigoureusement indispensable.
Les Who (enfin surtout Townsend) ont écrit, au moins autant que d’autres de la même époque, beaucoup de titres d’anthologie. Et comme beaucoup d’autres, leurs meilleurs titres sortaient en 45T, et ne se retrouvaient pas forcément sur les LPs. Donc sur ce « A quick one », pas de « Substitute » ou de « The kids are alright », et c’est bien dommage. Même pas « Happy Jack », réservé au pressage américain, et juste représenté dans des versions bonus de rééditions Cd sous forme de maquette acoustique, intéressante mais pas cruciale …
L’affaire est encore plus compliquée par une condition léonine de leur contrat qui obligeait tous les membres du groupe à composer des morceaux pour ce disque … Passe encore pour Entwistle, mais Daltrey et Moon, la composition n’est pas leur point fort…
« A quick one » est un disque daté, à la seule vision de sa pochette qui évoque au premier coup d’œil humour quelque peu potache, Angleterre des mid-sixties, et un zeste de psychédélisme naissant par son lettrage. Dans le tracklisting, peu de fulgurances. Surnagent sans peine « Boris the Spider », demi-classique du groupe porté par une colossale ligne de basse d’Entwistle, et surtout, la merveille du disque, le très pop « So sad about us », pour moi dans le Top 10 des compositions du Pete au grand nez…
Le reste est à bien des égards problématique, la faiblesse intrinsèque de nombre de titres étant à peine masquée par une grosse performance de Moon sur ses fûts (« I need you ») en particulier, ou bien par Entwistle et Daltrey faisant du Townsend (respectivement « Whiskey man » et « See my way », à se demander si ce sont vraiment eux qui les ont écrits). Lequel Townsend s’en sort quand même mieux sur l’inaugural « Run run run », ou la très mélodique, quasi beatlesienne « Don’t look away ».
Il faut rajouter une bêtise à la « Yellow submarine » de Moon (« Cobwebs and strange »), un massacre de « Heatwave » le classique de Martha & the Vandellas. Et aussi évoquer le « curieux » morceau-titre, longue pièce de neuf minutes, où plusieurs séquences (une grosse demi-douzaine) s’enchaînent, jetant les bases des futurs et funestes opéras-rock du groupe (« Tommy », « Quadrophenia »).
Conclusion que tout le monde connaît : les Who sont un fantastique (le plus grand ?) groupe de scène, un immense groupe à singles, et qui hormis le colossal « Who’s next » s’est à peu près vautré sur chacun de ses 33T.
Sur la réédition Cd de « A quick one » qui semble faire référence, celle de 2006, une dizaine de bonus, la plupart bien connus depuis notamment le coffret « Thirty years of Maximum Rythm’n’blues ». Peu de choses cruciales (« Doctor, Doctor » à la limite), une grosse majorité des titres présentés dans le « ventre mou » du répertoire des Who, quelques foirades (les reprises du thème de Batman, ou de « Barbara Ann » des Beach Boys) …
Jeff Beck ET Jimmy Page « Roger the Engineer » s’appelle également, avec un ordre des morceaux différent « Over under sideways down », voire « The Yardbirds ». C’est leur premier 33 T studio officiel, paru en 1966.
Clapton parti après quelques singles mémorables, la formation (à géométrie variable), se compose de Keith Relf, Chris Dreja, Paul Samswell-Smith, Jim McCarty, Jeff Beck et Jimmy Page. Ce dernier officiant le plus souvent à la basse, sauf sur « Happening ten time years ago » et « Psycho daisies », titres sur lesquels il tient la guitare aux côtés de Jeff Beck. Et sur ces deux morceaux, les deux prodiges s’en donnent à cœur-joie.
Les Yardbirds étaient de tous les blues-boomers britanniques du début des 60’s (Stones, Animals, Pretty Things, Them, …) les plus doués. Leur instabilité chronique, l’affrontement d’egos surdimensionnés, et leur présence seulement épisodique dans les charts en font aujourd’hui un groupe scandaleusement (presque) oublié.
« Roger the Engineer » est certes quelque peu décousu et fait se côtoyer le rythm’n’blues de l’époque avec quelques incursions vers une pop d’excellente facture (« I can’t make your way »), ou de pas très réussies dérives orientalisantes (« Hot house of Omagarashid »).
Mais il y a dans ce Cd de tels morceaux de bravoure, des parties de guitare héroïques de Beck, et une telle somme de talents que « Roger the Engineer » fait sans problème partie des meilleurs albums des mid-sixties anglaises.
Tout simplement un des meilleurs disques des années 60, décennie mythique peu avare en enregistrements géniaux.
Pour la première et la seule fois de leur carrière, les Stones se retrouvent en 1966 en équilibre parfait à la confluence de plusieurs courants musicaux : le rock (façon Stones, évidemment), la pop (l’essentiel de leurs plus belles mélodies sont sur « Aftermath »), le psychédélisme (l’étirement hypnotique façon mantra de « Goin’ home »). Et c’est cette voie qu’ils vont tenter de suivre jusqu’en 1968 (avec « Between the buttons » et « Satanic Majesties … ») sans toutefois atteindre avec ces deux disques le niveau de perfection d’ « Aftermath ».
Il faut dire qu’ici les trouvailles sonores (sous l’impulsion de Brian Jones au sommet de son art) et les morceaux magiques s’enchaînent : « Mother’s little helper », « Under my thumb », « Lady Jane », « Take it or leave it », « Out of time » « What to do », …
Quant on sait que « Paint it black » n’est sorti qu’en 45 Tours, on voit les sommets atteints par les Stones en 1966.
L’édition anglaise d’ « Aftermath » (photo noir et fuschia) est à privilégier à l’américaine, amputée de trois titres.
Des mêmes sur ce blog :
Avec un titre pareil (« Trop de classe pour le voisinage »), il vaut mieux être sûr de son coup et assurer, faute de quoi, plutôt que d’épater l’entourage, on va le faire rire.
Mais voilà, les Dogs ne sont pas des rockers prétentieux, pas plus qu’ils ne sont passéistes, suivistes, arrivistes ... Ce sont juste des rockers qui aiment la musique qu’ils jouent, et des gens comme eux, dans les années 80 (croyez-moi j’y étais), les rayons des disquaires en étaient pas vraiment remplis.
Bon, ce Cd est excellent, plein à la gueule de bonnes chansons originales (seulement deux reprises dont l’obligatoire et convenu « Train kept-a-rollin’ ») avec notamment deux merveilles de ballades : «The most forgotten french boy » et « Sandy Sandy » et son piano entêtant.
Les Dogs sont français et chantent en anglais (vous en connaissez des très bons disques de rock en français ?), la photo de pochette (parce qu’à l’époque on regardait un disque avant de l’écouter) fait preuve de bon goût (une Rickenbacker et Marvin Gaye à la télé).
Même si à titre perso je préfère celui d’après (« Legendary lovers »), « Too much class … » est également indispensable.
Coincé dans la programmation du festival (un concert par soirée) entre Ben l’Oncle Qui Saoule la veille et Cricri Maé le lendemain et en concurrence avec à quelques hectomètres de là Pétunia Jordana gratos (cherchez les erreurs…), Iggy & the Fucking Stooges.
Pour le cadre, difficile de faire mieux, théâtre centenaire à ciel ouvert au cœur de la Cité médiévale fortifiée. Température polaire pour l’endroit et la saison, il flotte depuis deux jours, on se croirait en Bretagne … Les dieux du rock’n’roll semblent pourtant décidés à se montrer cléments, le crachin cesse dans l’après-midi, et la seule proximité du concert de l’Iguane réchauffe l’atmosphère.
Même s’il faudra défenestrer quelques particularismes locaux… à commencer par la sono et le light show résidents de l’endroit, certes high-tech mais plus propices aux crooneries d’Eddy Mitchell bientôt à l’affiche pour son soi-disant dernier tour de piste, qu’à du rock high-energy. Mais les Stooges vont pousser cette sono dans ses derniers retranchements.
Pas de fosse non plus, face à la scène, c’est le carré VIP, normalement encombré par les notables locaux de tout poil et quelques vénérables dames patronesses. Si Iggy fait son strip-tease, elles seront aux premières loges pour admirer ses bollocks, ça leur fera quelque chose à raconter à leur manucure le lendemain…Tout ce beau ( ? ) monde a du se rencarder, compris que Iggy Pop c’était pas pour eux, y’a personne et les Stoogesmaniacs vont se l’accapparer.
Le vrai public est pour le moins hétéroclite, des évadés de la maison de préretraite pour les contemporains des Stooges, aux minots échappés de la colo de vacances avec leur coupe de douilles justinbieberisée, venus voir le type dont ils ont téléchargé l’intégrale gratos en trois clics sur Rapidshare, en passant par tous les looks de l’Internationale Rock’n’roll, le tout dans une ambiance bon enfant … Le theâtre (environ 3000 places assises, mais on passera tout le concert debout) est plein aux deux tiers, le rock’n’roll ne fait plus recette …
On vient voir quoi, exactement ? Les Stooges, le séminal groupe pré-punk destroy ? Hum, faut pas rêver , les Stooges se sont crashés en plein vol au milieu des seventies, dans un grand nuage aux vapeurs d’alcools forts, de drogues dures, et de groupies consentantes (pléonasme). Ce groupe là et tout ce qu’il pouvait représenter est bel et bien mort. Non, maintenant ne reste plus que James Osterberg, vénérable sexagénaire, qui ressuscite le temps de quelques dizaines de minutes un jour sur deux le fantôme Iggy & the Stooges. Avec des compères aux cheveux gris-blancs, le pote des débuts Scott Asheton aux drums, Mike Watt (enfin je suppose, y’a pas eu de présentations) à la basse, le sax de « Funhouse » McKay (on l’a pas vraiment entendu, de toutes façons tout le monde s’en fout, c’est Iggy qu’on veut voir et entendre), et le riffeur destroy ultime de « Raw power », James Williamson, qui a laissé tomber un job florissant dans l’informatique pour venir déverser son métal sonique derrière Iggy après la mort de Ron Asheton. La nostalgie, camarades, ne reste plus que cela …
21h30, pile à l’heure prévue, la nuit n’est pas encore tout à fait tombée quand l’Iguane et sa troupe envahissent la scène avec « Raw power », puis « Search and destroy ». Iggy est arrivé torse nu, un jean noir taille basse, la tignasse longue et péroxydée. Il a comme le soupçon d’un zeste de début d’embryon de bedaine, et traîne un peu une patte, mais de toutes façons, même avec un déambulateur, il assurerait le show. Dès le quatrième titre, « Shake appeal », il ORDONNE au public de « venez danser avec les Stooges » (en français dans le texte) et une trentaine d’heureux élus montent sur scène pour un petit pogo aux côtés d’Iggy. Sympa, comme d’ailleurs son attitude durant tout le set …
Derrière, raide comme la justice, Williamson mouline l’électricité sur sa Gibson rouge. De tout le concert, il n’esquissera qu’un pas de côté, quand lors d’une ruade, Iggy vient balancer un coup de talon sur sa gratte. Ce qui ne l’empêchera pas d’envoyer (enfin) la foudre sur l’intro de « 1970 ». Parce que le reste du temps, c’est Iggy qui fait le show, sautant comme un cabri, arpentant de long en large les quarante mètres de scène, venant dans le public, le faisant participer. Loin des prestations dangereuses et ultimes des Stooges seventies certes, mais le vieux assure …
22h25, et arrive « I wanna be your dog » qu’on hurle tous en chœur. Exit les Stooges. Deux minutes plus tard, ils reviennent, « Penetration » à fond, le volume sonore commence à être conséquent, réverbéré par les énormes murs de pierre de l’enceinte. Dans la bouillie stridente qui suivra, on distingue « Kill city », du fameux quatrième disque des Stooges pas sorti officiellement à l’époque, une paire d’autres titres (« No fun » peut-être) que l’on a du mal à reconnaître dans la purée de pois sonique qui s’abat dans le vieux théâtre …
22h45, les quatre autres boivent déjà une bière backstage, Iggy finit de saluer et de remercier le public, puis s’éloigne à son tour …
En regagnant le parking, on distingue du bruit en ville … ah oui, on l’avait oubliée celle-là, c’est Pétunia Jordana … no fun …
On s’en fout, on vient d’en prendre plein les mirettes et les oreilles…
Ah ouais, et Iggy a pas baissé son froc, tant pis pour les dames patronnesses qui de toutes façons étaient pas là …
C’était à Carcassonne, Sarkozye méridionale, ce 27 Juillet de l’an de grâce 2011…
Jeff Beck est un cas à part, tant musicalement qu’humainement. Toujours cité dans la poignée des plus grands guitaristes de tous les temps, un des plus parfaits compromis entre technique, feeling et imagination. Humainement, c’est une tête de lard, un quasi autiste qui ne semble avoir un comportement social acceptable que depuis une dizaine d’années, un caractériel angoissé capable d’imprévisibles sautes d’humeur.
On ne compte plus ses revirements artistiques, qui tiennent autant de l’hésitation maladive que de la recherche de nouveaux horizons sonores. Et ce depuis ses débuts. Parti des Yardbirds sur un coup de tête, suffisamment traumatisé par les premiers concerts londoniens d’Hendrix pour avoir songé arrêter la musique, il va revenir sur le devant de la scène avec un groupe, le Jeff Beck Group, dont l’intitulé seul montre qu’il en est le leader irascible. Une comète qui se désintègrera après quelques mois et deux disques qui ont marqué les esprits de l’époque.
Il faut dire que le gaillard a su s’entourer, recrutant Rod Stewart, co-chanteur des éphémères et oubliés Steampacket, Ron Wood, guitariste du groupe garage les Birds embauché à la basse (on ne fait pas d’ombre à Jeff Beck à la guitare), le pianiste de studio réputé Nicky Hopkins (remplaçant John Paul Jones présent sur le premier disque mais parti gagner sa vie avec Led Zeppelin), et le batteur de séances Tony Newman. Du costaud. Du lourd, même pourrait-on dire.
Parce qu’après un premier album (« Truth ») de facture plus « classique », mais qui ne souffre en aucun cas de la comparaison avec des choses comme « Beggar’s banquet », c’est dire son niveau, Jeff Beck va pousser le curseur vers des territoires encore plus sauvages, encore plus violents. Participant à la fuite en avant qui amènera à la naissance du hard-rock ou du heavy metal.
« Beck-Ola » place la barre plus haut que Led Zeppelin, le Jeff Beck Group est plus bouillonnant, plus crade. Les Américains au pied lourd sur la pédale fuzz (Blue Cheer, Vanilla Fudge, Iron Butterfly), n’ayant à proposer que du « gros son » sont renvoyés à leurs études. « Beck-Ola » n’est pas un disque pour guitaristes. Ou pas seulement. Il n’y a pas ici de démonstration, la technique assez insensée de Beck n’est là que pour sublimer les titres. En gros, ceux qui cherchent des solos de dix minutes avec douze milliards de notes à la seconde peuvent changer de crémerie et se payer l’intégrale de Ten Years After.
Ici, it’s only rock’n’roll … avec deux titres popularisés par Elvis (« All shook up », « Jailhouse rock ») défenestrés avec une énergie rare, avec mention particulière au second, totalement transfiguré. Toujours rayon strict rock’n’roll un « Spanish boots » avec un « extraordinaire » (c’est Beck lui-même qui l’écrit sur les notes de pochette du 33T original) Rod Stewart au chant, parce que celui-là, avant qu’il se demande si on le trouvait sexy ou si les blondes étaient plus marrantes, était un immense chanteur, une des plus belles voix « noires » jamais sorties du gosier d’un visage pâle… Chose assez rare dans sa carrière, Jeff Beck laisse même Nicky Hopkins prendre les choses en main sur un instrumental écrit par le pianiste, El Becko se contentant juste d’incendier le titre de quelques éclairs guitaristiques dévastateurs. Rien cependant à côté de la nucléaire jam finale, l’autre instrumental « Rice pudding », parti sur une classique base boogie, et emmené vers … un shunt brutal après sept minutes et vingt-deux secondes de folie furieuse. Rajoutez un boogie-blues de plomb (« Hangman’s knee »), un titre débuté tranquillement rythm’n’blues (« Plynth ») et qui après une multitude de syncopes rythmiques, breaks en tous genres, zigzags ahurissants de guitare, délivre finalement un orage zeppelinien d’une rare intensité …
Empaqueté dans une toile de Magritte, ce « Beck-Ola » impressionnera fortement son monde, les programmateurs de Woodstock contactent le groupe, l’avenir s’annonce radieux …
Une énième saute d’humeur de Beck, et adieu veaux, vaches, cochons, le groupe explose …
Reste deux disques, parmi les meilleurs d’une époque peu avare en disques marquants, et pour moi les deux meilleurs de Jeff Beck.
